Архитектура и живопись древней руси: Архитектура и живопись | Российская цивилизация в пространстве, времени и мировом контексте

Архитектура и живопись | Российская цивилизация в пространстве, времени и мировом контексте

Русская архитектура — архитектура, созданная на территории России, за период от возникновения государственности до нашего времени.

Древнерусская архитектура

Киевская Русь

Принятие христианства в 988 году коренным образом повлияло на развитие древнерусского искусства и архитектуры.

Зодчество Древней Руси складывается на основе каменной архитектуры Византии, однако известно, что первые христианские церкви были сделаны из дерева.

Первым произведением монументальной архитектуры принято считать Десятинную церковь в Киеве (989), построенную князем Владимиром рядом с княжеским теремом. По преданию, церковь была воздвигнута на месте мученической кончины первых русских святых Федора и Иоанна. В строительстве участвовали греки, о чем сказано в летописи: «Володимер помысли создати церковь Пресвятыя Богородица и послав преведе мастеры от Грек». В основе строительства лежала крестово-купольная система: прямоугольник, разделенный опорами на нефы (коридоры). Перекрытием служили цилиндрические своды, расположенные в форме креста. Купол держался на барабане, который опирался на подпружные арки. В XII после землетрясения церковь подверглась реставрации, что изменило ее внешний облик. Церковь была разрушена в 1240 году ордой хана Батыя.

Главным архитектурным сооружением Киевской Руси считается Софийский собор, построенный в XI веке князем Ярославом Мудрым. Это был пятинефный 13-главый собор, украшенный мозаиками и фресками, выполненными византийскими мастерами, и по праву признанными шедеврами древнерусского искусства. Двухъярусная галерея окружала с трех сторон собор, а снаружи одноярусная. На рубеже XVII–XVIII веков собор был перестроен в стиле украинского барокко, однако мозаичный интерьер и фрагменты росписей остались в сохранности.

Владимиро-Суздальская архитектура

Феодальная раздробленность ослабила роль Киева как столицы Руси, тем самым выведя из тени феодальные центры, где развивались региональные архитектурные школы.

Владимиро-Суздальское княжество на рубеже XII–XIII веков становится значимым культурным центром, где продолжались развиваться византийские традиции. Однако, несмотря на преемственность чужой культуры, архитектура этого периода отличалась от киевской и имела свои индивидуальные особенности. Храмы строятся по той же крестово-купольной системе, однако в качестве строительного материала используется белый камень, а наружные стены декорируются резьбой, что напоминает каменную резьбу романских соборов в Европе.

Князь Юрий Долгорукий был основоположником каменного строительства на северо-западе Руси. Спасо-Преображенский собор в Переславле-Залесском (1152) считается одним из древних храмов на Владимиро-Суздальской земле. Это одноглавый крестово-купольный храм с тремя апсидами. В сравнении с домонгольскими строениями, он приземист и аскетичен в декоре.

Церковь Бориса и Глеба в Кидекше также датируется XII веком, и имеет ряд декоративных отличий: появляется аркатурный пояс, разделяющий наружную стену храма, перспективный портал с замковым камнем.

Правление Андрея Боголюбского было отмечено новым всплеском строительства. В столице княжества Владимире был построен Успенский собор (1158–1160) — главный кафедральный собор княжества до времени возвышения Москвы. Это был белокаменный шестистолпный храм с тремя апсидами, пропорции его отличались изящностью и стройностью. В соборе сохранились фрагменты фресок Андрея Рублева и Даниила Черного.

Золотые ворота во Владимире (1164) были построены в качестве обороны и торжественного оформления богатой княжеской части города. Пос тройку отличают строгие монументальные пропорции. Надвратная церковь Ризоположения небольшого размера, ее формы пластичные и простые. В Летописи говорится, что князь повелел покрыть ворота листами меди, поэтому они блестели как золотые, поражая современников. Именно так ворота получили свое название. Помимо Золотых, были еще 6 ворот, которые шли по периметру рва вокруг города, однако они не сохранились.

Церковь Покрова на Нерли была создана в 1165 году в память о погибшем сыне Андрея Боголюбского Изяславе. Она по праву считается одним из выдающихся произведений архитектуры. От XII века в ней сохранился основной объем четверика и его декоративное убранство: аркатурно-колончатый пояс и перспективные порталы. В сравнении со Спасским собором в Переславле-Залесском, Покрова на Нерли отличается удлиненностью пропорций.

В конце XII века при князе Всеволоде Большое гнездо во Владимире был построен Дмитровский собор — выдающийся памятник белокаменной резьбы и образец крестово-купольного строения эпохи. Собор одноглавый, четырехстолпный и трехапсидный, отличается стройностью пропорций и богатым декоративным убранством внешних стен: аркатурно-колончатый пояс, перспективные арки и порталы, удлиненный световой барабан также покрыт резьбой. Особую известность ему принесли более 600 рельефов, которыми украшены его наружные стены.

При сыне Всеволода Святославе был сооружен Георгиевский собор в Юрьев-Польском (1230–1234). Его построили на месте обветшавшего древнего храма. О богатейшей каменной резьбе собора в летописи сказано: «церковь чудну зело, вельми украси ю резным камением от подошвы и до верху». В 1460-х годах собор частично обрушился, а в дальнейшем подвергался перестройкам и реставрациям в XVII, XVIII, XIX веках.

Татаро-монгольское нашествие прекратило расцвет белокаменного зодчества Владимиро-Суздальской архитектуры.

Архитектура Новгорода и Пскова

Величайшим памятником архитектуры считается собор Святой Софии, возведенный внутри кремлевских стен Великого Новгорода, созданный в период с 1045 по 1050 год на месте старого храма. Он был пятинефным, с тремя галереями, в которых располагалось несколько престолов. Стены храма были покрыты фресками, фрагменты которых сохранились до сих пор.

В облике Софийского собора уже прослеживаются общие черты, свойственные новгородской архитектурной школе: монументальность строения, сдержанность и строгость декора, простота архитектурного образа.

В XII веке создаются мощные и величественные соборы: Николо-Дворищенский (1113), собор Рождества Богородицы Антониева монастыря (1117) и Георгиевский собор Юрьева монастыря (1119).

В эпоху феодальной раздробленности (конец XII века) строятся храмы иного типа, уже не такие значительные по масштабу. Известная постройка этого периода — церковь Спаса на Нередице, построенная из местного известняка. Во время Великой отечественной войны памятник был разрушен из-за воздушной атаки, но благодаря подробным описаниям был восстановлен в 1956–1958 годах. Известны копии древних фресок церкви, сделанные художником Н. А. Мартыновым в XIX веке.

Расцвет Новгородской республики приходится на вторую половину XIV века. Знаменательный памятник этого периода — церковь Федора Стратилата на Ручью. В основе здания куб с четырьмя столбами, увенчанный куполом. Фасады украшены декоративными элементами: нишами и арками. Считается, что ниши фасадов ранее были расписаны фресками, что не характерно для северной архитектуры. Пристройка и колокольня, примыкающие к храму, построены в XVII веке. Роспись стен храма сохранилась фрагментарно, однако является ценным о бразцом средневековой русской живописи.

Церковь Спаса Преображения на Ильине улице знаменита своими фресками кисти Феофана Грека. Храм был построен на средства жителей улицы на месте деревянной церкви. Этот храм отличает изящество и устремленность ввысь из-за фасадных стен, которые имеют треугольную форму, так как крышу позднее сделали восьмискатной. Наружные стены обильно украшены декором: разделены на прясла, оформлены арками и бровками, стрельчатыми и полукруглыми окнами, декорированы каменными или же вырезанными крестами.

Самыми ранними архитектурными постройками Пскова считается Спасо-Преображенский собор Мирожского монастыря (XII век). Его архитектура уникальна среди прочих образцов: в основе здание имеет равноконечный крест. Роспись собора была осуществлена греческими мастерами и имеет особую художественную ценность. Ее покрыли штукатуркой в XVII веке и заново раскрыли в 1958 году. Собор сейчас выглядит гораздо приземистей, чем изначально за счет значительного культурного слоя. Окна собора были переделаны в XVII–XVIII веках, неизменными остались лишь окна барабана.

Собор Рождества Пресвятой Богородицы Снетогорского монастыря (1311) сооружен по типу собора Мирожского монастыря, имеющего в своей основе крест. Его росписи датируются первой половиной XIV века и они уникальны в своем роде.

Более поздние знаменательные памятники архитектуры Пскова — это церковь Сергия с Залужья (1582—1588), церковь Николы с Усохи (первое упоминание 1371). Последняя имеет остроконечные завершения фасада и незначительный декор барабана и стен. Среди зданий светской архитектуры известны Поганкины палаты в Пскове. Это жилое здание построено из камней и имеет стены шириной 3 метра.

Архитектура Московского княжества. (XIV–XVI вв.)

Возвышение Москвы над остальными городами способствовало активному развитию градостроительства. Строительные традиции Владимиро-Суздальского княжества были восприняты московскими архитекторами, однако привнесенная уникальность позволяет говорить уже с XIV века об архитектурной школе Московского княжества.

Полностью сохранились четыре памятника архитектуры этого периода: собор Рождества Богородицы Саввино-Сторожевского монастыря, Троицкий собор Троице-Сергиевой лавры, собор Нерукотворного образа Спасителя Спасо-Андроникова монастыря, а также церковь Успения на Городке.

Первым памятником этого времени считается церковь Успения на Городке в древней части Звенигорода. Фрагменты росписи приписываются Андрею Рублеву и Даниилу Черному. Архитектура собора близка к образцам северо-западных земель: это однокупольный четырехстолпный храм с тремя апсидами. Церковь поставлена на высокий подклет и слегка сужается к верху, что усиливает ощущение стройности и стремления ввысь. Богата декоративными деталями: поребрики, бегунцы, орнаментальный пояс и перспективные порталы.

Правление Иоанна III вызвало подъем архитектуры, благодаря политическим и экономическим свершениям. Итальянский архитектор Аристотель Фиораванти возвел Успенский собор Московского Кремля (1475–1479) на месте первого каменного собора XIV века. Этот грандиозный собор построен из белого камня и кирпича, шесть его опор имеют цилиндрическую форму, что отличает собор от построек этого времени. Собор пятиглавый и имеет пять апсид. Росписью собора занимался знаменитый иконописец Дионисий. В Успенском соборе проходило венчание на царство всех русских царей и императоров, также в нем находится усыпальница русских митрополитов и патриархов.

На Соборной площади в 1484–1490 годах был возведен псковскими архитекторами Благовещенский собор. Изначально он был трехкупольным, но после пожара в XVI веке был восстановлен с дополнительными куполами и знаменитым «Грозненским» крыльцом.

В 1505–1509 годах итальянский архитектор Алевиз Новый построил Архангельский собор Московского Кремля на месте старого, созданного при Иване Калите. Собор кирпичный, но декорирован белым камнем. В украшении стен присутствуют мотивы декора итальянского Возрождения: растительные капители, раковины и др. В Архангельском соборе находится некрополь великих русских князей.

Грановитая палата — одна из важных светских построек XV века, парадный зал для приемов великих князей. Построена по приказу Ивана III итальянскими архитекторами Марко Руффо и Пьетро Антонио Солари. Названа грановитой по «бриллиантовой» отделке бруста восточного фасада. В XVII веке была частично переделана.

Стены Московского Кремля подвергаются изменениям, начавшимся еще при Иване III. Стены становятся полностью каменными, и превращаются в мощное фортификационное сооружение, возвышающееся над Москвой. Появляются новые башни, сооруженные по самым ведущим технологиям оборонительного строения того времени.

В Кремле также строится на месте церкви Иоанна Лествичника величайший памятник — Колокольня Иван Великий, доминанта кремлевского ансамбля. Архитектором был итальянец Бон Фрязин.

В период правления Елены Глинской, матери Иоанна IV, были построены стены Китай-Города, укреплялись стены многих городов.

Архитектура эпохи Иоанна Грозного

Иоанн Грозный — первый из московских князей был помазан на царство, тем самым сделав Русь правопреемником Византийского государства.

Возвышение Русского царства стало толчком его политического и экономического развития, и как следствие, появились новые формы в архитектуре.

Шатровая архитектура — основное отличие зодчества Московского царства. Здания выполнялись в форме шатра, однако до сих пор учеными ведутся споры откуда пришел этот тип. Большинство сходится на том, что шатровая архитектура перешла из форм деревянного зодчества. Основным отличием этого стиля было то, что храмы не имели внутри себя опор, все строение держалось на фундаменте.

Церковь Вознесения в селе Коломенское — первый каменный храм в шатровом стиле, построенный в 1528–1532 годах в честь рождения долгожданного сына Василия III — Иоанна Грозного. Архитектором был, предположительно, итальянец П. Ф. Ганнибал, однако есть и свидетельства о том, что автором был русский мастер Петрок Малый. Храм построен в виде шатровой башни, которая укреплена пилонами. Вся конструкция окружена галереей и в плане имеет равноконечный крест.

Символом Москвы и памятником этого периода является храм Василия Блаженного (собор Покрова на Рву). Собор возвели по приказу царя в память о взятии Казани в 1555–1561 годах. Построенный псковским зодчим Бармой Яковлевым, который имел прозвище Постник, он был выполнен в форме креста, где по центру расположена основная шатровая церковь. Есть и другая версия, что авторами собора были два архитектора Барма и Постник. Собор в своей структуре имеет десять отдельных храмов, построенных на одном фундаменте. Все престолы освящены в память о значимых датах при взятии Казани. Десятый предел Василия Блаженного был пристроен позже и дал окончательное название с обору. В XVII веке к собору была пристроена шатровая колокольня.

Шатровый стиль оказался неблизок русской архитектуре, вскоре строить подобным образом было и вовсе запрещено. К концу XVI века Москва стремительно разрасталась, сооружались церкви и монастыри в которых строились монументальные пятиглавые храмы, символизирующие мощь царской Руси: Смоленский собор в Новодевичьем монастыре, Успенский Собор в Троице-Сергиевой лавре, а также главные соборы многих провинциальных городов.

Благодаря политике Российского государства, в этот период было построено значительное множество фортификационных сооружений и укреплены старые.

Помимо церковных строений, активно развивается гражданская архитектура: появляется знаменитая Александровская слобода, опричный двор, палаты Романовых в Зарядье, Теремной дворец, Старый английский двор, Воскресенские ворота Московского Кремля и прочие каменные и деревянные постройки.

Русская архитектура после Смутного времени. XVII век

Пережив междоусобицы и разгром Смутного времени, Русское государство было ослаблено и не имело средств на внушительные постройки. Инициативу по созданию новых сооружений взяли на себя купцы и бояре. Таким образом, появилась череда небольших церквей с обильным декором. Примером такого русского узорочья может служить Церковь Рождества Богородицы в Путинках (1652), один из последних памятников шатрового стиля. Патриарх Никон издал указ, запрещающий церковные постройки в этом стиле, так как они не соответствуют византийским образцам.

После запрета шатра, архитекторы стали применять тип бесстолпного храма — восьмерик на четверике, а шатер заменять рядом кокошников, тем самым, сделав узорочье основным стилем Москвы начала XVII века. Яркими примерами могут служить: храм Святой Троицы в Никитниках (1653), церковь Святой Троицы в Останкине (1692), храм Николая Чудотворца в Хамовниках (1682) церковь Святого Николая «Большой крест» у Ильинских ворот, уничтоженная в 1934 году. Храмам этого типа свойственна изящность, декоративность и устремленность ввысь.

Новое архитектурное направление развивалось и в других городах помимо Москвы. Например, церковь Иоанна Предтечи в Ярославле, ансамбль Ростовского Кремля.

Архитектура конца XVII – начала XVIII веков

Русская архитектура рубежа XVII–XVIII веков испытывала влияние западного барокко. Первые здания, построенные в этом стиле, были в поместьях Нарышкиных под Москвой, что и дало название этому стилю — «нарышкинское барокко». По сути это был синтез элементов исконно русского зодчества и западно-европейских мотивов, проникших через Украину.

Первыми и знаковыми постройками были церковь Покрова в Филях (1693–1696), Церковь Успения Пресвятой Богородицы на Покровке (ныне разрушенная), Спасская церковь в Уборах (1694–1697), Знаменская церковь в Дубровицах (1690–1697). Это краснокирпичные храмы с белокаменным обильным декором. Колокольни теперь располагались на самом фасаде, а не рядом с церковью, как это было принято ранее.

Монастыри также предстали в новом барочном облике: Крутицкое подворье, Новодевичий и Донской монастыри.

Светская архитектура также стремилась идти в ногу со временем, примером чего может служить Сухарева башня в Москве. Самыми известными архитекторами Московского барокко были Яков Бухвостов (Троицкая церковь в Троице-Лыково) и Петр Потапов (церковь Успения на Покровке).

Деревянное зодчество Русского Севера также заслуж ивает немалого внимания. Церкви строились полностью из дерева без применения молотка и гвоздей. В основе деревянной архитектуры лежит русская изба. Из-за сложности выполнения купола из дерева зодчие применяли конструкцию шатра. Особый интерес представляет 24-купольная Покровская церковь в Вытегре, сожженая в 1963 году и 22-купольная церковь Преображения в Кижах 1714 года.

Архитектура Российской Империи. XVIII век

Основание Санкт-Петербурга стало новой главой в истории русской архитектуры. Петр I планировал создать новую столицу, ориентируясь на голландской и немецкий стиль архитектуры, который, появившись в России стал называться петровское барокко. Центральным его памятником является Петропавловский собор архитектора Доминико Трезини. Как и всей петровской архитектуре, ему свойствены простота, лаконичность и сдержанность форм. Здание собора, построено по типу базилики: вытянутое пространство с запада на восток. На западном фасаде возвышается колокольня с остроконечным шпилем.

Дворец Меньшикова — знаменательное творение петровской эпохи, авторами проекта которого были известные архитекторы Д. М. Фонтана (1710–1712), И. Г. Шедель (1713–1727), Д. Трезини, Ж.-Б. Леблон, Б. К. Растрелли (1717–1719) и др. Здесь устраивались приемы, ассамблеи и торжества. Дворец был роскошно оформлен и представлял собой типичный пример русского барокко: фасады завершены аттиком, оформлены пилястрами и затейливыми фронтонами.

Зимний дворец Петра I представлял собой небольшое двухэтажное здание, скромно декорированное пилястрами и треугольными фронтонами на окнах, крытое черепицей. Он был неоднократно перестроен и частично сохранился в здании ныне существующего Эрмитажного театра.

Царствование императриц Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны отличилось роскошным стилем в архитектуре — елизаветинским барокко — в творениях Бартоломео Растрелли.

Растрелли был автором проектов Зимнего дворца, Петергофа, Смольного собора и Екатерининского дворца в Царском селе. Его произведения значительны, монументальны и богато украшены всевозможными декоративными деталями, скульптурой и яркой позолотой.

В Москве также появились постройки в стиле барокко, знаменитыми авторами которых были Д. В. Ухтомский (проект колокольни Троице-Сергиевой лавры, Красных ворот) и И. Ф. Мичурин (колокольня церкви Параскевы Пятницы, ныне уничтоженная).

Архитектура конца XVIII–XIX веков

В царствование Екатерины II барокко сменил стиль классицизм. Уволив Растрелли, императрица покровительствовала иностранным архитекторам.

Знаковыми строениями эпохи являются Александровский дворец (1792–1796) в Царском селе работы Джакомо Кваренги и Таврический дворец архитектора И. Е. Старова. Это наиболее типичные постройки эпохи классицизма: двухэтажный дворец с боковыми флигелями и центральным портиком с колоннадой. Над центральным корпусом возвышается купол. Старов также был автором Троицкого собора в Александро-Невской лавре (1778–1786) и собора князя Владимира. Кваренги стал автором проектов зданий, ставших символами Санкт-Петербурга: Академии Наук и Смольного института (1806).

Архитектурный облик Москвы в екатерининскую эпоху создавали архитекторы В. И. Баженов и М. Ф. Казаков. Знаменитый Дом Пашкова (1774–1776) Баженова возвышается на холме напротив Кремля. Авторству Казакова принадлежит Большой Царицынский дворец в уникальном готическом стиле и Сенатский дворец в Кремле.

Начало XIX ознаменовалось господством стиля ампир, что означает «имперский». Его отличает театральность, упорядоченность и симметрия. В Петербурге ампир наиболее показательно проявил себя в Казанском соборе (1801–1811) творения А. Н. Воронихина. Ориентируясь на собор св. Петра в Риме, архитектор создал величественное здание с мощной колоннадой, раскрывающейся в сторону Невского проспекта.

Развитие ампира также связано с именем французского архитектора Тома де Томона, создавшего здание Биржи и Большого театра Большого театра в Санкт-Петербурге.

По проекту А. Д. Захарова было создано здание Адмиралтейства (1806–1823), которое воплощает в себе идею русской морской славы. Центр композиции — башня с высоким шпилем, окруженная рядом колонн, ставшая главным символом города и его архитектурным центром.

Исаакиевский собор (1818–1858) по проекту О. Монферана был возведен на месте предыдущего собора для придания городу более торжественного вида. Собор имеет внушительные размеры, окружен четырьмя портиками и несет на себе мощный купол. Интерьер оформлен мозаичными панно, авторами которого были известные художники александровской эпохи. Стены облицованы мрамором.

Карло Росси — известный представитель Петербургского ампира — прославился авторством проектов зданий Сената и Синода.

В Москве в честь победы над Наполеоном создается Большой театр. Изначально автором проекта был А. А. Михайлов, но О. И. Бове внес некоторые изменения в план здания. Манеж, созданный Бове был построен в честь 5-летия победы. В 2004 году претерпел значительные изменения из-за реконструкции после пожара.

Благодаря Николаю I, давшему большую свободу архитектуре, стиль ампир сменился эклектикой, которая проявилась использованием элементов архитектуры прошлых столетий. Так появляется неорусский, неовизантийский, неоготический, неоренессанс, необарокко, неомавританский и др. стили. В конце XIX века возрастает интерес к отечественной истории и культуре. Именно поэтому в России особенно популярен был неорусский стиль, воплощением которого является Храм Христа Спасителя в Москве (1860), построенный в память о победе над Наполеоном по проекту К. А. Тона. Он же был архитектором Большого Кремлевского дворца, в декоре которого использовал элементы и эпохи Возрождения, и древнерусские: наличники с разорванными фронтонами, пилястры, трехскатную крышу и т. д.

Неорусский стиль прекрасно взаимодействовал с другими направлениями архитектуры вплоть до прихода модерна.

Яркие примеры этого стиля находятся под Москвой в усадьбе Абрамцево — терем И. П. Роптера, в Москве — типография Мамонтова, построенная по проекту В. А. Гартмана. Прекрасным образцом является Дом Игумнова на Якиманке Н. К. Поздеева (1888–1895), здание Верхних Торговых рядов А. Н. Померанцева.

Церковная архитектура заимствовала традиции Псковского и Новгородского зодчества, однако многие черты сближают ее с модерном: церковь Спаса Нерукотворного в Клязьме, в Санкт-Петербурге Николо-Александровский храм (уничтожен в 1934), Никольский старообрядческий храм в Москве (1914), Покровский собор Марфо-Мариинской обители (1908-1912) А. В. Щусева. Храм Спаса на Крови (1803–1907) в Петербурге был построен на месте гибели императора Александра II и выполнен в традициях русского зодчества XVII века: богатый кирпичный декор, кокошники, шатровая колокольня, многоглавость и живописность.

В конце века в архитектуре начинает преобладать модерн, наиболее ярко проявившийся в Москве. Этот стиль был востребованным до начала Первой мировой войны. Наиболее выдающийся архитектор этой эпохи — Ф. О. Шехтель. По его проекту был построен знаменитый особняк С. П. Рябушинского. Архитектор отказался от прямых линий, используя биоморфные мотивы, причудливые формы, декор из мозаики и глазурованного кирпича.

Л. Н. Кекушев — еще один известный мастер модерна. Ему принадлежат особняк А. И. Кекушевой на Остоженке, гостиница «Метрополь». Фасады гостиницы спроектировал В. Ф. Валькот, автор проекта особняков Гутхейля (1903) и Якунчиковой (1900) в Пречистинском переулке.

В 1910-х годах модерн уступил место палладианству – синтезу ампира и архитектуры Высокого Возрождения с учетом развития современных строительных технологий. Яркими примерами неоклассики может служить дом Антоновой в Петербурге (1913) В. В. Шауба, Дом с башнями (1913–1915), Музей изящных искусств в Москве, ныне ГМИИ им. А. С. Пушкина (1912) Р. И. Клейна.

Архитектура ХХ века. Советский период. Новые течения

Как и изобразительное искусство, архитектура послереволюционного периода отказывается от классических форм. Башня Татлина — символ архитектуры авангарда. Это неосуществленный проект монументальной постройки, посвященной III Интернационалу, который представляет собой металлические спирали, расположенные друг над другом, обвивающиеся вокруг центральной оси. По подобному принципу создана и осуществлена Шуховская башня на Шаболовке (1922).

Массовая реконструкция городов (генеральные планы) — была важнейшей задачей архитектуры революции, в первую очередь, это касалось Москвы и Петрограда. Большинство предложений так и осталось на бумаге, однако началось массовая застройка жилыми домами для рабочих.

Развитие технологий сделало конструктивизм лидирующим направлением в архитектуре. Братья Веснины создали первый проект конструктивистского здания — Дома труда в Москве — передающего пролетарские и индустриальные идеи об аскетизме и простоте внешних форм. Расцвет конструктивизма приходится на 1930-е годы, создается новый тип общественных зданий: дворец культуры ЗиЛа братьев Весниных, общежитие-коммуна Текстильного института И. Николаева. Мировое признание получил К. С. Мельников, однако в 1936 году он был признан советской общественностью непригодным за формализм. Дом Мельникова (1927–1929) — одноквартирный дом, памятник архитектуры авангарда, был экспериментальным проектом. Автор хотел воплотить идею круглого здания, которую впоследствии можно было бы использовать при строении других построек. Также известен проект Мельникова — Дом Культуры им. С. М. Зуева — красноречивый памятник конструктивизма.

Теоретиком рационализма был А. К. Красовский. Этому стилю свойственны лаконичность и строгость, в его основе был интерес к человеческому восприятию внешних форм. Н. А. Ладовский был лидером этого направления и основал объединенные мастерские (обмас) при ВХУТЕМАСе (Высшие художественно-технические мастерские, созданные в Москве в 1920 году). Единомышленники Ладовского организовали Ассоциацию новых архитекторов (АСНОВА).

Еще в 20-х годах, было развернуто широкое строительство трех-, пятиэтажных домов по типовым секциям. Жилой комплекс на Шаболовке, построенный по проекту АСНОВА, при использовании типовых секций имеет художественную индивидуальность и выразительность.

В 1930 году архитектором Щусевым был возведен мавзолей Ленина на месте деревянной постройки. Новое здание было в виде ступенчатой композиции из железобетона с кирпичными стенами, облицованными гранитом.

Архитектура Советского Союза 1935–1955 годов

Международный конкурс на строительство Дворца Советов в Москве стал отправной точкой новой тоталитарной эстетики. Сформировавшаяся сталинская архитектура отличалась монументальностью, стремлением к классическим формам. Среди построек довоенного периода можно выделить Дом на Набережной, корпус санатория «Барвиха» Б. М. Иофана. По проекту Чечулина были построены: комплекс зданий на Триумфальной площади, КЗ Чайковского, станции метро Комсомольская, Динамо, Охотный ряд, Киевская.

После 1945 года началось активное восстановление объектов, разрушенных во время войны, однако в то же время возводились и новые здания: семь «сталинских высоток» были построены в значимых точках Москвы. Это Здание Московского университета (1948–1953) по проекту Л. В. Руднева, жилой комплекс на Котельнической набережной Д. Н. Чечулина и А. К. Ростковского, гостиница «Украина», гостиница «Ленинградская», Здание на площади у Красных ворот, Министерство иностранных дел и жилой дом на Кудринской площади.

Другим примером сталинского монументализма является выставочный центр в Москве, созданный для Всесоюзной сельскохозяйственной выставки (ВСХВ) в 1954 году — ныне ВДНХ. Каждый из павильонов оформлялся в стиле его страны-представителя.

Станции метро Москвы и Санкт-Петербурга — также яркие примеры архитектуры этой эпохи. Они построены в 1940-х и 1950-х годах. Каждая из них знаменита своей уникальностью и монументальностью, богатым декором, необычным дизайном.

Жилые дома строились с использованием классических элементов: колонны, пилястры, фронтоны и др.

Советская архитектура 1955–1985 годов. Хрущевско-Брежневский период

После смерти Сталина, столкнувшись с медленными темпами сооружения зданий, ЦК КПСС издает постановление о разработке новых технологий строительства и отказа от «декоративных излишков» в архитектуре. Новые здания были простых форм и лишены декора, их роль сводилась к функциональности и отражению технического прогресса. Примером может служить Государственный Кремлевский дворец (1960) М. В. Посохина, Останкинская телебашня (1963–1967) Н. В. Никитина. Дома-книжки на Новом Арбате, построенные по желанию Хрущева соответствовать Америке, значительно повредили исторический облик Москвы.

Засилье коммунальных квартир и плохие условия жизни граждан привели к разработке типового проекта жилого пятиэтажного дома. Автором проекта был В. П. Лагутенко, который предлагал использовать при строительстве дешевый, и как в будущем выяснилось, недолговечный материал. «Хрущевки» стали строиться повсеместно, и именно они способствовали появлению понятия «спальный район».

Правление Брежнева отмечено большей свободой и разнообразием в выборе архитектурных форм. Дом советов РСФСР, ныне Белый Дом (1965–1979), по проекту Чечулина имеет схожие черты со зданиями сталинского периода.

Современная архитектура России

После распада Советского Союза перестал осуществляться государственный контроль за архитектурой. По мере того, как государство финансово укреплялось, в 2000-х годах стали появляться небоскребы, считавшиеся в советские годы наследием Запада. Так появился знаменитый бизнес-центр «Москва-Сити».

Жилой комплекс-небоскреб «Дом на Мосфильмовской» представляет собой двухсотметровую башню и дом-пластину, которые соединены небольшим корпусом.

Разработку многих проектов зачастую доверяют западным архитектором. Норман Фостер — автор около десяти амбициозных проектов, которые во многом изменили бы облик Москвы. Ни один проект не был осуществлен.

Возникает также неоклассика сталинской архитектуры — жилой комплекс «Триумф-Палас».

Один из примеров продуманной архитектуры — жилой комплекс «Гранатный, 6». Здание продолжает традиции архитектуры ХХ века, при этом используется каменная резьба на фасадах в древнерусском и византийском стиле.

Традиция массовой застройки жилых домов сегодня активно продолжается, однако стоимость проектов современного типового жилья зачастую не соответствует его качеству.

Многообразие новой современной российской архитектуры первых десятилетий XXI века можно будет оценить лишь со временем, с достаточной историко-культурной дистанции.

*   *   *

Русское изобразительное искусство — художественно-изобразительное искусство мастеров, проживающих на территории России, за период от возникновения государства до нашего времени.

Изобразительное искусство Древней Руси (X–XII вв.)

Древнерусским искусством принято считать период от возникновения Киевского государства в IX веке до реформ Петра I в XVII веке.

Древняя РУСЬ, приняв христианство в 988 году, переняла от Византии не только религию, но и художественные приемы. С началом строительства храмов, началось распространение настенных росписей, мозаики, и появилась икона. Слово «икона» происходит от греческого слова eikon — образ. Изображение Христа, Богоматери и святых призвано быть посредником между молящимся и божественным миром. «Икона есть видимый образ невидимого, данный нам ради сладости понимания нашего» — сказал Иоанн Дамаскин, объясняя суть этого явления.

Домонгольская живопись Древней Руси сохранилась весьма фрагментарно. Ярким примером может служить икона Богоматери Владимирской, По преданию, икону написал евангелист Лука. Летописи она известна с первой половины XII века. Божья Матерь изображена по типу «умиление», нежно обнимая Богомладенца, предчувствуя страдания собственного Сына. Эта икона стала образцом для подражания и множества списков.

Мозаики в Соборе Святой Софии в Киеве (1037) были выполнены византийскими мастерами. Мозаикой выложены центральный купол и алтарь. Сохранились купольное изображение Христа-Пантократора, и некоторые фрагменты ангелов и святителей. Самая известная мозаика собора — «Оранта» в конце центральной апсиды. Богоматерь в позе моления с поднятыми ввысь руками. Под ней изображено причащение апостолов (Евхаристия). Еще ниже рядом: древние святые отцы и праотцы. Остальное пространство храма расписано фресками. На стенах сохранилось множество граффити.

В небольших северных городах храмы украшали фресками. Так, Софийский собор в Великом Новгороде (1045–1050) был расписан уникальными, фрагментарно сохранившимися фресками: фигурами пророков и архангелов в куполе. Также в паперти сохранилось древнее изображение свв. Константина и Елены.

Из древнейших новгородских икон известна «Ангел Златые власы» (ГРМ), датируемая XII веком. «Устюжское Благовещение» (ГТГ) — также одна из немногих домонгольских икон, созданная в Великом Новгороде.

Искусство периода феодальной раздробленности и монгольского ига (XII–XIV вв.)

Нашествие татаро-монгольского ига на Киев в 1240 году прервало связи с Византией. Однако это не породило забвение христианской культуры, но сделало изобразительное искусство более самобытным. Это ознаменовалось появлением региональных художественных школ.

Крупным культурным центром было Владимиро-Суздальское княжество. Особенностью Владимиро-Суздальских храмов является каменная резьба — декоративное убранство наружных стен. Яркий пример тому — Дмитровский собор во Владимире. Рельефные изображения святых, животных, птиц, грифонов, и растительные мотивы превращают верхнюю часть стены в сплошной декоративный орнамент. Также примечательна резьба Георгиевского собора в Юрьев-Польском. Языческие мотивы присутствуют только на наружных стенах, внутри стены храма расписаны Евангельскими сюжетами.

Крупнейшим центром художественной жизни был Новгород. В отличие от Киева и Москвы, он избежал порабощения во время татаро-монгольского ига, поэтому в нем сосредоточилась художественная жизнь, отличающаяся своеобразием и сдержанностью, которые свойствены северным городам.

Знаменитый иконописец из Византии Феофан Грек (около 1340 – около 1410) нашел на Новгородской земле благоприятные условия. Известным его творением являются росписи церкви Федора Стратилата и церкви Успения на Волотовом поле, фрески храма Спаса на Ильине улице. Художник наполнил свои образы динамикой и духовным напряжением, они как бы парят в пространстве. Также он был выдающимся иконописцем, автором образов Преображения, Донской Богоматери, Успения Богоматери.

Искусство централизованного государства на Руси (XV–XVIвв.)

После свержение татаро-монгольского ига в сложении древнерусского искусства главную роль играла Москва, ставшая центром объединенного русского народа. Своего расцвета живопись достигает с появлением вошедшего в историю художника Андрея Рублева. Его работы совмещают духовное восхождение и аскезу с византийской эстетикой. Особая мягкость и глубина отражены в образах Живоначальной Троицы, иконах Звенигородского чина и Успения Богоматери (ГТГ).

Еще один живописец, прославивший Московское княжество, — Дионисий. Его образы утонченны, пропорции удлинены. Влияние мастера было столь велико, что появилась целая «школа Дионисия». Некоторые из сохранившихся его работ: фрески Рождества Богоматери в Пафнутьево-Боровском монастыре, Успенского собора Московского Кремля, икона митрополита Петра в житии, митрополита Алексия в житии, Богоматерь Одигитрия.

В 1551 году Стоглавый собор Иоанна Грозного для искоренения ереси и суеверий, установил строгие правила для иконописцев. В нем говорится: «Писати живописцем иконы с древних проводов, как греческие живописцы писали и как писал Андрей Рублев и прочие пресловущии живописцы».

Изобразительное искусство XVII века

В XVII в. стремительно развивалось искусство книжной миниатюры. Сосредоточием книжного производства была Оружейная палата в Кремле, где работали лучшие мастера, создавая также ювелирные изделия, эмали, оклады и т. д.

Среди живописцев выделяется Симон Ушаков (1626–1686). Его образ «Нерукотворный Спас» (ГТГ) отражает современное ему стремление к внешней красоте, обмирщению образа. В это время художники стараются передать внешний мир в реалистичных традициях, изображая перспективу, светотень и эмоции на иконах. Большое влияние имеют западно-европейские художественные традиции.

Живопись XVII века ознаменовалась появлением парсуны (искаженное от слова «персона») — первые изображения в иконописном стиле светских лиц и ныне живущих знатных особ, или же надгробные портреты. Прежде всего, это изображения царей — Иоанна Грозного и Феодора Иоанновича, князей — портрет М. В. Скопина-Шуйского.

Изобразительное искусство XVIII века

Первая половина XVIII века

Реформы Петра I оттенили церк овное искусство, выведя на первый план светские сюжеты и образы, заимствованные в Западной Европе. С началом строительства Санкт-Петербурга в Россию приглашалось множество зарубежных мастеров, которые обучали российских художников новым методам и идеям просвещения. Быстрыми темпами шло развитие науки и издательского дела.

Несмотря на следование иностранным образцам, Российская империя выработала собственную художественную школу, создававшую живопись, скульптуру и графику, которая отличалась от западной своей оригинальностью и самобытностью. Мастера портретного жанра передавали характер и особенности человека. Таковы портреты Петра I, напольного гетмана, и другие работы И. Н. Никитина.

А. М. Матвеев, получивший художественное образование в Амстердаме и Антверпене, тонко передает настроение и глубину в камерном автопортрете с женой. Особенности характера и частность он вносит и в парадные портреты княгини Голицыной и Петра I.

Работы российских мастеров И. Я. Вишнякова, А. П. Антропова и И. П. Аргунова отличало от западных художников стремление передать внутренний мир изображаемого и реальность происходящего. Такие портреты как М. А. Румянцевой, Петра III, А. М. Измайловой кисти Антропова трезво и честно, избегая сарказма, рассказывают о своих героях.

Благодаря активному градостроительству на европейский лад, интерес к скульптуре в XVIII веке невероятно вырастает. Русские ценители отдают предпочтение античной пластике, в Россию прибывает Венера Таврическая, произведшая небывалый резонанс в публике. В оформлении Летнего Сада используют классическую скульптуру: обнаженных богов и богинь. Множество античных героев украшают царский парк в Петергофе.

Итальянский архитектор Б. Растрелли (1700(?)–1771), нашедший в России вторую родину, создал величественный бюст Петра I. Также известны его скульптурные портреты Анны Иоанновны, Меньшикова, автопортрет, бронзовая конная статуя Петра I.

Вторая половина XVIII века

Имена крупнейших русских художников Ф. С. Рокотова (1735?–1808), Д. Г. Левицкого (1735–1822) и В. Л. Боровиковского (1757–1825) связаны с Императорской академией художеств. О создании Академии ратовал еще Петр I, однако она была открыта только в 1757 году. Ориентируясь на художественные академии Европы, она осуществляла контроль над творческой жизнью, имела непосредственное влияние на развитие искусства.

Примечательны парадные портреты Левицкого. Они призваны показать весь блеск аристократии, но в серии портретов «Смолянок» за сценическими образами и пышными шелками выпускниц Смольного института проглядывают живые девушки со своими личными чертами, мимикой, особенностями.

Живопись Боровиковского созвучна взглядам сентиментализма. Она внесла представление об идеальном человеке, гармонирующим с природой и своими эмоциями. Его женские образы нежны и пленительны, а мужские полны доблести и чести. Портреты М. И. Лопухиной, Н. И. Куракиной, Е. Н. Арсеньевой женственны и умиротворены, но не лишены индивидуальности. Его автопортрет полон созерцат ельности и наблюдательности.

Во второй половине XVIII века ярко выделился исторический жанр. Основоположником его был А. П. Лосенко (1737–1773 ). За создание картины «Владимир и Рогнеда» он получил звание академика исторической живописи. Его полотна выдержаны в стиле классицизма, полны драматизма, театральности и пафоса. Благодаря Лосенко история России по своей значимости встала наравне с античностью.

С распространением парковой культуры получил свое развитие жанр пейзажа. Идеалистичные пейзажи-панно, воспевающие естественную красоту природы, творил С. Ф. Щедрин (1745–1804). Восхваляя новую столицу, Ф. Я. Алексеев (1753(?)–1824) писал городские пейзажи, ориентируясь на итальянские образцы Каналетто.

В середине XVIII века переживала свой подъем скульптура. Академия Художеств воспитала множество талантливых скульпторов, раскрывших свои свои способности в разных жанрах. В жанре портрета работал Ф. И. Шубин (1740–1805). В своих знаменитых портретах Павла I, А. М. Голицына, П. А. Румянцева и других значимых личностей эпохи, он соединил классическую гармонию с передачей индивидуальных, психологических особенностей своих моделей.

Создание памятников заняло важную нишу в развитии скульптуры. В этом жанре успешно работали знаменитые скульпторы И. П. Мартос (1754–1835) и М. И. Козловский (1753–1802).

«Медный всадник» Э. Фальконе (1716–1791) — вершина пластического мастерства и техники. Эта знаменитая статуя повлияла на творчество многих русских художников.

Новый стиль — классицизм — набирает силу в конце XVIII века. Под воздействием идей просвещения, ориентируясь на античные образцы, скульпторы создают мощные образы героев, преданных своему народу и государству.

Творения Козловского полны патетики и силы: памятник Суворову в Санкт-Петербурге в образе воинственного Марса, «Геркулес на коне», «Бдение Александра Македонского». «Сампсон, раздирающий пасть льву», подобно Гераклу, является композиционным центром Большого Каскада в Петергофе.

Изобразительное искусство XIX века

Первая половина XIX века

Это яркий период в русском искусстве, отмечен небывалом развитием литературы, живописи, архитектуры и скульптуры. До 1930-х годов господствующим стилем был классицизм, однако потом он принял форму строгих правил, системы. Так возникает академизм — следование канонам и предписаниям Академии Художеств. Академической живописи свойственны сдержанность и официальность.

Романтизм привнес в живопись интерес к личности человека, его значимости в окружающем мире. Это мировоззрение было противоположно классическим идеям о героическом и самоотверженном гражданине. Но романтизм в России приобрел героическую окраску, не пренебрегая историческими и религиозными сюжетами.

Знаменитый портретист О. А. Кипренский (1782–1836) наделял изображаемых наилучшими человеческими качествами. Не отрицая романтизма, он также следовал классическим канонам в стремлении показать сдержанного человека со всеми его талантами и благородством. Ср еди его полотен знаменитые портреты героев Отечественной войны 1812 года, Пушкина, Батюшкова, Жуковского.

Ученик Боровиковского А. Г. Венецианов (1780–1847) на своих полотнах воссоздал множество сцен из крестьянской жизни, идеализируя и воспевая ее. Был одним из родоначальников бытового жанра.

В. А. Тропинин (1776–1857) стремился показать живого, будничного человека в его повседневности. В таких его произведениях, как «Портрета сына», «Кружевница», «Гитарист» прослеживается влияние реалистических тенденций в искусстве.

К. П. Брюллов (1799–1852) был первым художником России известным заграницей. «Последний день Помпеи» — знаменитое его полотно, которое было представлено всей Европе. Художник много работал в Италии, восприняв колорит этой страны, сочность красок, богатство образов. Его талант раскрылся как в портретной живописи, так и в монументальных творениях.

А. А. Иванов (1806–1858) привнес в русскую живопись глубину философской мысли, став мастером не только портрета, пейзажа, но и библейского жанра. Его талант выразился в картине «Явление Христа народу», где каждый персонаж и его характер были отдельно проработаны в серии эскизов. Пейзаж поражает своей материальностью и реалистичностью, а образ Христа божественный и вещественный одновременно.

Московское училище живописи, ваяния и зодчества было основано в 1833 году, открывая череду новых художественных учебных заведений.

Вторая половина XIX века

Во второй половине XIX века преобладает реализм. Молодые художники Академии Художеств взбунтовались против ее вездесущего контроля над изобразительным искусством. Они требовали право писать работы на собственные темы, не желая работать в классическом стиле. Получив отказ, и покинув стены учебного заведения, создали Товарищество передвижных выставок. К числу передвижников принадлежали Перов, Крамской, Шишкин, Репин и Суриков, Мясоедов, Саврасов, Ге, Поленов и т. д.

Предпринимать и меценат П. М. Третьяков (1832–1898) коллекционировал работы русских художников, одним из первых оценил значение передвижников. Благодаря его интересу к искусству и благотворительности, знаменитые сегодня полотна стали доступны широкому кругу людей XIX века. В 1892 году Третьяков передал свою коллекцию живописи в дар Москве, так была основана Третьяковская галерея.

На смену лирическому и идеализированному реализму начала века пришел критический реализм с его горечью и осуждением человеческой натуры.

Творчество передвижников отразилось во всех жанрах живописи.

Выражая свой протест академизму, помимо «высоких» тем, художники стали обращаться к образам крестьян и рабочих, выражая художественными методами пессимизм и разочарование в окружающей действительности.

По заказу Третьякова был выполнен ряд портретов знаменитых личностей и выдающихся деятелей: Ф. М. Достоевкого кисти В. Г. Перова (1833–1882), портрет Л. Н. Толстого авторства Н. Н. Ге (1831–1894), портрет Н. Некрасова в период последних песен И. Н. Крамского (1837–1887), портрет композитора М. Мусоргского кисти И. Е. Репина (1844–1930), и ряд других. Каждый портрет полон психологизма и глубины человеческих переживаний.

Мастера пейзажа внимательно и чутко относились к изображению русской природы, видя в ней не романтичную противоположность цивилизации, а поэтическое обаяние, созвучное человеческой душе.

Одним из главных принципов изображения у передвижников было беспристрастное отражение действительности. Таким реалистом в пейзажной живописи выступил И. И. Шишкин (1832–1898). Его произведения «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», «Рожь», «Лесные дали», «Утро в сосновом бору» показывают не только интерес к природным явлениям, но и воспевают красоту и мощь русских лесов и полей.

В произведении А. К. Саврасова (1830–1897) «Грачи прилетели» художник изобразил неотделимость природы от человека. «Московский дворик» В. Д. Поленова (1844–1927) призван увидеть поэзию в самом обыденном.

В конце 80-х годов признанный пейзажист И. И. Левитан (1860–1900) искал новые пути развития русского искусства. Для него изображаемая природа олицетворяла Родину. Работая на реке Волге, он создал ряд полотен, в которых отражены сила и бесконечность русской природы, как отблеск русской души. «Над вечным покоем» полно раздумий о бренности человеческой жизни и духовном восхождении.

Работая в историческом жанре, рассуждая о роли личности в истории, ее самобытности и свободе, В. И. Суриков (1848–1916) создает свои знаменитые картины «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова», «Переход Суворова через Альпы».

И. Е. Репин (1844–1930) работает в духе обличительного искусства. В попытке осознать роль человека, его глубину и характер, печалясь о своем народе, создает «Бурлаки на Волге», «Крестный ход в Курской губернии». Рассуждая о судьбе революционных движений, пишет «Не ждали».

В. М. Васнецов (1848–1926) воспевал в своих картинах и монументальных работах древнерусских героев, богатырей и князей, сказочных персонажей. Работая над декорациями и создавая костюмы для исторических героев, пишет полотно «Царь Иван Васильевич Грозный». Образ царя мрачен, но полон силы и уверенности. Наблюдая за характером русского народа, создает знаковое произведение «Богатыри».

М. В. Нестеров (1862–1942) противопоставлял умерщвляющему быту тишину монастырской жизни благообразие святых и созерцательность природы. «Видение отроку Варфоломею» повествует не только об отроке, ставшим чудесным образом способным к учению, но и о душевной чистоте и нравственном пробуждении.

Поборник реализма В. В. Верещагин (1842–1904) создает серию картин и зарисовок, посвященных русско-турецкой войне, где он выступал военным художником. «Апофеоз войны» — гора черепов, в понимании мастера это воплощение идеи о войне.

Развитие скульп туры во второй половине века было не так стремительно, как живописи. В выборе тем и художественных методов она ориентировалась на академизм.

Одним из ведущих мастеров эпохи был П. К. Клодт (1805–1867), ставший родоначальником русской реалистической скульптуры. Всемирно известные конные скульптуры Аничкова моста демонстрируют стадии покорения животных укротителем. Конная статуя Николая I олицетворяет помпезность и мощь, тогда как в памятнике И. Крылову прослеживаются более камерные мотивы.

По проекту М. О. Микешина (1835–1896) в Великом Новгороде создается памятник «Тысячелетие России». Это важное событие, момент осознания значимости для мировой культуры русского искусства и истории. Памятник представляет собой державу на постаменте в форме колокола. Он делится на три художественных ряда, на каждом из которых изображены различные фигуры, представляющие ту или иную эпоху. Памятник венчает фигура ангела с крестом в руке и коленопреклоненная женщина, символизирующая Россию.

Важным произведением второй половины XIX века является памятник Екатерине II. В его создании участвовали скульпторы М. А. Чижов (1838–1916), А. М. Опекушин (1838–1923) и М. О. Микешин. Помимо строгого и официального образа царицы, на нем изображены великие деятели ее эпохи: Потемкин, Суворов, Державин и др.

Памятник А. С. Пушкину, созданный Опекушиным, был установлен в Москве в 1880 году. В отличие от большинства монументов той поры, фигура поэта значительна, однако полна портретного сходства и индивидуальной характеристики. Пушкин стоит, полон раздумий над своим произведением, голова его опущена, а правая рука покоится на груди под сюртуком.

Повторяя путь живописи, активно развивается жанровая скульптура. Таковы работы Пименова «Парень, играющий в бабки», П. А. Ставассера «Мальчик, удящий рыбу», В. П. Крейтана «Сеятель». Близкими работами по духу с передвижниками были скульптуры М. А. Чижова «Крестьянин в беде», «Мать-крестьянка, обучающая свою дочь родному слову», «Дети, играющие в жмурки».

В историческом жанре работал скульптор М. М. Антокольский (1843–1902). Его прославили работы «Иван Грозный» и «Петр I». Эти исторические персонажи наполнены содержанием и глубиной мысли, что так особо ценилось в передвижнической среде. В поздних его работах исследователи отмечают отход от реализма в сторону идеализации: «Христос перед народом», «Иоанн Креститель», «Спиноза», «Умирающий Сократ».

Изобразительное искусство конца XIX– начала XX века

Реалистическое направление в искусстве к концу XIX века стало сдавать свои позиции. На рубеже веков стал господствовать стиль модерн. Ему свойственны витиеватые линии, биоморфные мотивы, использование новых материалов и технологий.

В живописи проявляется декоративная условность, ковровая орнаментальность, четкие, будто скульптурные образы.

Ярким представителем стиля модерн был М. А. Врубель (1856–1910), чье искусство выступало под девизом «декоративно все». «Демон» — определяющий образ в творчестве Врубеля. В его образе нет стремления к победе собственных сомнений, а лишь уныние и безнадежность. Кисти Врубеля принадлежат многие портреты, один из них — предприниматель и мецентат Мамонтов. Сказочност ь и потусторонность художник выразил в своих произведениях «Пан», «Царевна Лебедь» и других мифических образах.

Врубель использовал в своем творчестве разные техники, порой смешивая жанры и виды искусства. Он занимался также скульптурой и рисунком. Участвовал в монументальных росписях храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге.

Идея «чистого искусства» породило появление журнала «Мир искусства». Этот журнал стал центром художественной жизни в предреволюционный период.

Художники, объединившиеся вокруг «Мира искусства» побуждали к изучению истории России, пробуждали интерес к художникам XVIII века, развивали музейную деятельность. Они способствовали развитию иллюстрации (И. Я. Билибин (1876–1942), К. А. Сомов (1869-1939)) и театрально-декорационного искусства (Л. С. Бакст (1866–1924) , Н. К. Рерих (1874–1947))

А. Н. Бенуа (1870–1960) — основоположник «Мира искусства», художник, и критик. Свое творчество посвятил стремлению к прошлому, ретроспективе. Множество его работ изображают Версаль, его архитектурное убранство. Бенуа создает акварельную серию Последние прогулки Людовика XIV, иллюстрации к «Пиковой даме», и «Медному всаднику» А. С.Пушкина.

В своем творчестве К. А. Сомов (1869–1939) как и Бенуа воспевал XVIII век. Его образы скульптурные и маскарадные, он не искал в них индивидуальности и психологизма.

Работы М. В. Добужинского (1875–1957) посвящены современности, человеку и городу XX века: «Человек в очках» — одно из известных его произведений.

А. Я. Головин (1863–1930), художник, близкий по взглядам к мирискуссникам, работал в жанре портрета и театральной декорации. «Шаляпин в роли Олоферна» — синтетический образ, соединяющий портрет артиста и героя театра.

3. Е. Серебрякова (1885–1967) — создала серию детских и женских портретов, отличающихся ясностью цветовых решений, изящностью и поэтичностью («За туалетом. Автопортрет»), ню («В бане»), крестьянских образов и пейзажей. Занималась монументальной живописью: неосуществленные эскизы фресок Казанского вокзала. Эмигрировав во Францию и путешествуя по миру, создала цикл марокканских картин.

Многие художественные деятели рубежа эпох собрались вокруг купца и мецената С. И. Мамонтова, организовав так называемый «Мамонтовский кружок».

В мамонтовской усадьбе Абрамцево работали многие именитые художники: братья Васнецовы, Репин, Левитан, Коровин, Врубель, и т. д., а также известные скульпторы, актеры и музыканты. Были организованы гончарные мастерские, поддерживалось воссоздание народных промыслов, изучение фольклора. Целью Мамонтовского кружка был синтез народного творчества, воспринимавшегося романтически-трогательно, и современного искусства.

Скульптура конца XIX — начала XX века

Скульптура также как и живопись претерпевала изменения. Благодаря влия нию новых течений, скульпторы старались воплотить новые образы и идеи в своих работах. Монументальная скульптура была уже не так популярна, тогда как портрет и декоративная пластика активно развивались.

Памятник Александру III скульптора П. П. Трубецкого — значительная монументальная работа начала века. Образ полон величественности и русской силы, композиция выстроена четко и размеренно.

Также Трубецкой был автором многих портретов и жанровых сцен («Мать и дитя», «Дети», «Портрет Ф. И. Шаляпина» и др.).

Заслуживают внимания памятник Пушкину Р. Р. Баха, памятник Н. В. Гоголю Н. А. Андреева, памятник Ивану Федорову С. М. Волнухина.

На рубеже веков появляются новые материалы, не знакомые доныне классической скульптуре. Это дерево, керамика, фарфор. В скульптуре начинают использовать различные цвета.

М. Врубель активно занимался скульптурой и декоративной пластикой, создавая такие произведения как «Демон», «Египтянка», «Царь Берендей» и др.

А. С. Голубкина (1864–1927), ученица О. Родена, создает ряд образов, наполненных индивидуальностью, психологизмом и социальным окрасом: «Старость», «Материнство», «Портрет Карла Маркса». Ее скульптуры воссоздают видных деятелей, пролетариев, портреты частных лиц, а манера исполнения насыщена динамизмом, экспрессией. Голубкина максимально использует фактуру материала для передачи эмоционального настроя.

С. Т. Коненков (1884–1981) крупнейший скульптурный мастер реализма. Он создавал образы рабочих и крестьян, одна из первых его работ «Камнебоец». Многие его работы посвященны былинам и эпосу («Старичок-полевичок», «Жар-Птица», «Стрибог»), античной мифологии («Кора», «Атланты», «Ника»).

Авангард

В начале ХХ века набирает силу русский авангард. Он объединяет в себе течения в искусстве, возникшие как протест традиционному, это переломный момент в истории русской культуры. В ХХ веке помимо технического прогресса, происходит множество глобальных событий, изменивших мир и взгляды человечества.

Началом авангардистского искусства принято считать объединение «Голубая роза», созданное в 1907 году.

Выставка современного шокирующего искусства в 1910 году «Бубновый валет» породило одноименное художественное объединение, объявившее протест академическому искусству. Также существовали следующие авангардистские кружки: «Ослиный хвост», «СОЮЗ молодежи».

Абстракционизм — одно из направлений авангарда. Проявился в отказе от реалистичного изображения действительности. Задача абстракционизма — создать впечатление и различные ассоциации у зрителя путем необычных сочетаний форм и цвета. Основоположниками были В. В. Кандинский ( 1866–1944) («Незнакомому голосу», «Фуга», «Ущелье» ), К. С. Малевич (1879–1935), в последствии ставший основателем супрематизма, Н. С. Гончарова (1881–1962) и М. Ф. Ларионов (1881–1964) («Танцовщица в движении»), в будущем создатели лучизма. Кандинский выразил свое понимание живописи в работе «О духовности в искусстве» (1911).

Кубизм — близкое к абстракционизму течение, которое своей целью ставило изображение реальности с помощью пересекающихся линий и условных геометрических фигур. Основоположником кубизма считают Пабло Пикассо. В России кубизм просуществовал недолго, преобразуясь в кубофутуризм, которому свойственны раздробленность предметов на части, энергия. Каждая стадия движение изображается отдельно. Русскими художниками, работавшими в этом направлении, были Д. Д. Бурлюк (1982–1967), К. С. Малевич, Н. С. Гончарова, О. В. Розанова (1886–1918) и другие.

«Черный квадрат» К. Малевича был представленный на выставке «Ноль-десять» стал точной отсчета существования супрематизма, стиля к которому обратились многие кубофутуристы. Супрематизм — происходит от латинского suprem — высший, то есть доминирование цвета над формой и содержанием произведения. Живопись этого направления выражалась сочетанием разных цветовых плоскостей и простых геометрических форм. Основы и особенности нового течения К. Малевич описывает в своей работе «От кубизма и футуризма к супрематизму».

Конструктивизм как направление сложился в 20-х годах, однако началом его принято считать работы В. Е. Татлина (1885–1953), автора Башни III Интернационала и серии рельефов и контррельефов. Они были созданы под влиянием кубизма, однако уже имели индивидуальные признаки. Они были далеки от реальности, не имели себе ничего подобного и были сделаны из геометрических форм.

Конструктивизму свойственны строгость, сдержанность, геометризм и монументальность.

М. З. Шагал (1887–1985), в отличие от многих художников, не отказывается от фигуративной живописи, однако сочетает ее с авангардными течениями: экспрессионизмом, кубизмом, сюрреализмом и примитивизмом. Его известные работы «Над городом», «Прогулка», «Летящая деревня» отличаются фантастичностью, яркостью, лаконизмом и поэтичностью.

П. Н. Филонов (1883–1941) — автор теории «органической формы»: все детали картины должны взаимодействовать друг с другом, одна органически вливается в другую. Он также не отказывается от традиционной живописи, но испытывает влияние экспрессионизма и кубофутуризма, его образы геометричны. «Цветы мирового расцвета», «Симфония Шостаковича», «Человек в мире» — работы в которых автор изображает временные процессы: рост, развитие, угасание, звук.

Искусство советского периода

В революционный период и во время гражданской войны массовое агитационное искусство стало особенно востребовано. Мастера плаката ориентировались на русскую журнальную графику и лубок, создавая лаконичные, броские и условные работы. В жанре плаката работали А. П. Апсит, П. Моор («Ты записался добровольцем?»), В. Н. Дени и др.

Серия сатирических плакатов «Окна РОСТА» — важное место в истории развития советского плаката. Особую роль сыграли работы художника М. М. Черемных и поэта В. В. Маяковского, который был автором не только подписей, но и рисунков.

Революционный настрой непосредственно повлиял на живопись и графику. Художник К. Юон изобразил революцию в космическом масштабе в работе «Новая планета». Отражение революционной действительности в глазах художников можно наблюдать в произведениях К. С. Петрова-Водкина «Смерть комиссара», «1918 год в Петрограде» и Н. Куприянова «Броневики».

В 1922 году была создана Ассоциация художников революционной России. Одним из выдающихся представителей был Исаак Бродский, создавший «канонические» произведения: «Ленин в Смольном» и «Выступление Ленина на Путиловском заводе».

Советская скульптура 1918–1934 годов

«О памятниках республики» — Ленинский декрет 1918 года, оглашающий план агитации народных масс с помощью монументальной скульптуры, посвященной деятелям революции и культуры (план «Монументальной пропаганды»). Скульпторы за короткое время должны были создать массу произведений из дешевых и доступных материалов.

Татлин создает в 1920 году башню III Интернационала, символизирующую новое искусство, революционные стремления.

Известный портрет «Ленин — вождь» создан Н. А. Андреевым.

Иван Шардр создает серию скульптур людей соцтруда: «Рабочий», «Крестьянин», «Красноармеец», а также памятник Горькому для площади Белорусского вокзала.

В 20-х годах появляются работы В. Мухиной: проект «Освобожденный труд», «Крестьянка», «Рабочий и колхозница» — скульптурная группа, принесшая славу художнице.

Открытие Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве — решительный шаг в развитии скульптуры Советского союза. В скульптурном оформлении участвовал также С. Т. Коненков. Кроме того он создавал скульптуры, реализуя план «Монументальной пропаганды»: барельеф «Павшим в борьбе за мир и братство народов», «Степан Разин».

Социалистический реализм

На I Всесоюзном съезде советских писателей в 1934 году были сформулированы основные правила нового метода литературы и искусства — соцреализма. Это был жесткий идеологический контроль и пропаганда, призванные восхвалять героев социалистического труда, революционеров, рабочих, крестьян. Сюжет художественного произведения обязан был отразить революционную действительность, стремление к светлому будущему, и материалистические взгляды.

Картина Б. Иогансона «Допрос коммунистов» четко передает все принципы соцреализма: значительные эмоции, цельные образы и монументальные формы.

«Сталин и Ворошилов в Кремле» — известная работа художника соцреалиста С. Герасимова.

Теме крестьянства были посвящены работы А. Пластова.

А. Дейнека пишет работы на темы возведения новой архитектуры, спорта и авиации: «Будущие летчики», «На стройке новых цехов», «В Донбассе». Работает над мозаиками станции метро «Маяковская» (Москва).

Знаменитая «Новая Москва» Ю. Пименова — символ новой жизни, радости перемен: реконструкции Москвы и непривычной роли женщины.

Великая Отечественная война

Великая Отечественная война значительно повлияла на развитие искусства. Как и в революционный период, главным жанром изобразительного искусства был плакат. Над плакатами работали мастера прошлого, а также молодые художники, прославившиеся такими известными плакатами как «Родина-мать зовет!», «За Родину!», «Воин Красной армии, спаси!».

Советские художники ведут живописную хронологию войны: А. Дейнека работает над картинами военной темы: «Оборона Севастополя», «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года», С. Герасимов создает «Мать партизана». К. Юон «Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года». Также появляются произведения, восхваляющие героев прошлого: П. Корин «Александр Невский», А. Бубнов «Утро на Куликовом поле».

Скульптура Великой Отечественной Войны

Скульпторы работали, создавая вдохновляющие на борьбу с врагом образы. Такие скульпторы как Н. Томский, И. Першудчев, В. Мухина создают ряд портретов воинов и героических личностей.

В годы войны не было возможности возводить памятники, однако делались важные проекты, которые осуществляли в будущем: Памятник Михаилу Ефремову, «Воин-освободитель» и др.

Послевоенный период

В послевоенный период в изобразительном искусстве становится востребованным исторический и революционный жанры.

В 1950 году создается масштабная работа Иогансона «Ленин на III съезде Комсомола».

Возникает интерес к бытовому жанру, например, картина А. Лактионова «Письмо с фронта».

Активно развивается графика, создается множество иллюстраций к художественным произведениям.

Скульпторы после войны призваны создавать монументальные образы героев войны и Героев социалистического труда: Н. Томский «Памятник Черняховскому», Ю. Микенас «Памятник 1200 гвардейцам». Создаются памятники историческим деятелям, деятелям искусства и культуры: П. И. Чайковскому работы В. Мухиной, Юрию Долгорукому скульптора С. Орлова, А. С. Пушкину руки М. Аникушина.

На местах боевых действий и концлагерях появляются мемориальные комплексы, такие как «Мамаев курган» в Сталинграде, «Мать-родина» на Пискаревском кладбище и др.

Изобразительное искусство в период развитого социализма (1960–1980 гг.) ознаменовалось появлением сурового стиля в живописи. В суровом стиле проявилось стремление к досталинским художественным образцам 1920-х годов, желание покончить с официальностью и парадностью.

«Наши будни», «Геологи» — известные работы П. Никонова, выдающегося художника этого направления.

Братья Смолины в полотне «Стачка» передают силу толпы, делая ее единым целым.

На рубеже 1960–1970 годов помимо официального искусства развивались новые художественные течения и поиски, которые приводили порой к отсутствию самого объекта искусства, так появились перформансы и хеппенинги.

В 1974 году бульдозеры смели выставку нонконформистов (противостоящих общественному мнению) в Москве, что привело к эмиграции многих известных художников.

Актуальное искусство в Роcсии. 1985–2010-е годы

Приход к власти М.С. Горбачева снял всяческие табу, искусство более не подлежало контролю государства. Стали проходить персональные выставки запретных ранее художников: Малевича, Филонова. Музеи открывали свои запасники, знакомя публику с произведениями, скрытыми еще в 30-е годы. Обретение художественной свободы способствовало образованию художественных группировок и ряду известных галерей: «Риджина», Галерея М. Гельмана, L-Галерея, «Айдан», XL.

Значительные фигуры современной художественной жизни: И. Кабаков — художник, иллюстратор, теоретик, Э. Булатов — один из основоположников соц-арта, а также Сотрудничество «Ко́мар и Мелами́д», Д. Пригов (1940–2007) — писатель, художник и скульптор.

Начиная с 2000 года искусство встает на коммерческие рельсы, возникают новые галереи: Stella Art Gallery, RuArts, проходят многочисленные аукционы. В 2003 году происходит знаковое событие: Разгром выставки «Осторожно, религия!» в Сахаровском центре, что дало повод к спорам между официальной позицией и современным искусством.

Придерживаясь классического направления, в живописи работают: И. С. Глазунов, А. М. Шилов.

Современные скульптуры З. К. Церетели, А. Н. Ковальчук, М. М. Шемякин, Э. Неизвестный создают новые образы, работают на территории России и за рубежом.

3. АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО. История Украинской ССР в десяти томах. Том первый

3. АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

Архитектура. С образованием Древнерусского государства одной из главных проблем была защита страны от нападений внешних врагов. Постоянная угроза со стороны кочевых народов Степи — печенегов, а позже — половцев требовала принятия срочных мер по обороне страны. Особенно это касалось южных границ Руси. Под 988 г. в летописи рассказывается о строительстве оборонительных линий с городами — крепостями по речкам Суле, Труб ежу, Стугне и Ирпеню, которые должны были защищать подступы к Киевской земле.

Традиционные восточнославянские оборонительные сооружения Поднепровья строились главным образом из земли и дерева. Издавна на Руси получили распространение земляные валы с частоколом и рвом, которые умело сочетались с рельефом местности. Но такие довольно примитивные укрепления уже не могли удовлетворить возросших требований обороны, и поэтому конструкция земляных оборонительных сооружений в период Киевской Руси была значительно усовершенствована. Основу древнерусского вала составляли деревянные срубы — городни, засыпанные в середине землей. Часть срубов выступала над валом и образовывала стену, поверх которой находились заборола — брустверы с боевыми площадками и бойницами для стрелков.

Отдельные клети срубов имели размеры приблизительно 3?3 м и ставились в несколько рядов по ширине вала. Больше всего клетей — девять— известно в валу Города Ярослава в Киеве. Высота вала с заборолами в больших древнерусских городах достигала 10–16 м. Перед валом со стороны поля выкапывался глубокий ров, который часто наполнялся водой. Городские ворота обычно строились из дерева или камня, а над парадными воротами возводилась надвратная церковь. Такую конструкцию представляли собой Золотые ворота в Киеве и Владимире на Клязьме, Епископские ворота в Переяславе. Обязательным инженерным сооружением, входившим в оборонительный комплекс городских ворот, был подъемный мост через ров.

Десятинная церковь в Киеве, западный фасад. 989–996 гг. Реконструкция Н. В. Холостенко

Древнерусские города состояли из двух основных частей: детинца (кремля) и окольного града. Детинец — первоначальная, наиболее старая часть города, которая хорошо укреплялась и играла роль цитадели. В пределах оборонительных укреплений детинца размещался княжеский двор, дворец, епископская резиденция, кафедральный собор. Основная масса городского населения, состоявшая преимущественно из ремесленников, жила в окольном граде. Там же находились торговая площадь, дворы бояр, дружинников и купцов. Размеры окольного града в больших древнерусских городах достигали 50–120 га, детинца — от 0,2 до 10 га.

В больших городах, за пределами оборонительных укреплений окольного града, нередко возникали поселения, имевшие название: «концы» (слободы). В Киеве известен Копырев конец, в Новгороде — Неревский, Плотницкий, Славенский, Людин и Загородный концы. В концах жили ремесленники: кузнецы, гончары, кожемяки, а также мелкий торговый люд.

Жилищная застройка древнерусских городов и сел состояла преимущественно из распространенных у восточных славян, особенно у бедного люда, однокамерных жилищ площадью около 20 м². Для сохранения тепла жилище углублялось в землю на 20–70 см. Зимой оно отапливалось небольшой полусферической печью, которая топилась «по — черному», но иногда имела дымоход. Крыша чаще всего покрывалась тесом, а стены, имеющие столбовую конструкцию, обмазывались глиной и белились.

Распространенными были и срубные жилища, известные по археологическим исследованиям в Новгороде, Бресте и обнаруженных в последнее время в большом количестве в Киеве, на Подоле. В срубных жилищах жило, как правило, торгово — ремесленное население города. Большинство срубных жилищ имело два помещения, в одном из которых находилась печь.

У имущих слоев городского населения срубные жилища известны из письменных источников под названием «хоромы». Такое жилище состояло из трех срубов, которые образовывали помещения: среднее — «сени» и два боковых — «истба», с одной стороны, и «клеть» — с другой. «Сени» иногда находились на втором этаже и имели вид крытой галереи. Верхняя часть такого жилища называлась «терем»; крыша обычно покрывалась тесом, черепицей или свинцовыми листами.

Большие древнерусские города застраивались по радиально — кольцевой системе. Улицы, главные из которых мостились бревнами, со всех сторон сходились к кафедральному собору, торговой площади или к городским воротам. Застройка городов имела усадебный характер, а ее плотность была значительно меньшей, чем в современных им городах Западной Европы.

С введением христианства Русь приобщалась к передовой в то время византийской строительной культуре, сложившейся под влиянием богатых традиций античного искусства. Христианская церковь хорошо понимала и учитывала воздействие на народные массы монументального искусства, в частности величественных архитектурных сооружений, украшенных, по словам летописца, всяческой красотой. Для строительства каменных культовых сооружений, которые и ранее изредка возводились на Руси, к концу X в. сложились уже необходимые условия. Древнерусское ремесло достигло высокой степени развития и дифференциации. Среди ремесленников были известны специалисты многих профессий, в том числе плотники, кузнецы, гончары, древоделы, гвоздочники, плинфотворители и др. Они быстро овладели приемами византийского строительного искусства, творчески приспособили их к местным условиям.

В основу культовых сооружений на Руси был взят так называемый крестовокупольный тип храма, широко известный в Византии. Основной чертой таких храмов являлось то, что их внутреннее пространство, перекрытое сводами, в плане имело форму креста, над средней частью которого возвышался главный купол, опиравшийся при помощи подпружных арок и парусов (специальных строительных конструкций) на четыре столба. С восточной стороны находились алтарные апсиды. Более сложные варианты крестовокупольных храмов имели шесть, восемь, а иногда даже двенадцать столбов.

При возведении монументальных сооружений в X–XII вв. применялся кирпич — плинфа и камень: гранит, кварцит, шифер. В качестве связующего раствора применялась цемянка — известь с примесью толченой керамики, которая придавала древнерусским сооружениям розоватый цвет. В X–XI вв. на Руси распространилась система смешанной кладки из кирпича и камня, так называемый opus mixtum. Крыши зданий покрывались листовым свинцом или черепицей, в оконные проемы вставлялись деревянные оконницы с круглыми стеклами.

Первые каменные сооружения на Руси известны еще с языческих времен. Одной из таких построек, упоминаемых летописью, был княжеский дворец — терем Святослава Игоревича в Киеве. Начало большого каменного культового строительства связывается с возведением в Киеве в 989–996 гг. церкви Богородицы, или, как ее называли в народе, Десятинной.

Золотые ворота в Киеве. XI в. Реконструкция С. А. Высоцкого

До нашего времени Десятинная церковь не сохранилась, уцелели частично только фундаменты. 6 декабря 1240 г. ее разрушили монголо — татары. Об архитектуре Десятинной церкви можно судить на основании скудных данных письменных источников и археологических исследований. Это был большой шестистолпный, трехнефный, многоглавый крестовокупольный храм размером 16?26 м, окруженный с трех сторон галереями. Церковь имела исключительно богатую внутреннюю отделку. Во время археологических раскопок обнаружено большое количество остатков внутреннего декора здания: мраморные капители колонн и обломки карнизов, куски штукатурки с фрагментами фресковой живописи, разноцветные кубики смальты от настенных мозаик, шиферные плиты, замечательные мозаичные полы, несколько саркофагов с княжескими захоронениями.

Вблизи Десятинной церкви открыты остатки княжеских дворцов X–XII вв. Первый из них, средних размеров, длиной 21 м, находился на северо — востоке от храма. Это — наиболее раннее дворцовое сооружение Города Владимира, упомянутое в летописи. Второй, самый большой из открытых дворцов, находился перед западным фасадом церкви. Длина его достигала 75 м, а ширина 12 м. Третий дворец, длиной 45 м и шириной 11,5 м, обнаружен на юге от Десятинной церкви. В этом же районе известны остатки еще двух дворцовых сооружений.

Названные постройки дворцового типа — трехкамерные, т. е. они состояли из трех помещений. По мнению исследователей, это были двухэтажные каменные здания с двумя башнями по сторонам или с одной посередине. Нижний этаж имел вид аркады.

Десятинная церковь, окруженная княжескими дворцами, являлась композиционным центром архитектурного ансамбля Города Владимира, занимавшего около 10 га. Недалеко от нее находилась торговая площадь — Бабин Торжок, украшенная военные ми трофеями, привезенными Владимиром Святославичем из Корсуня. На площади, по словам летописца, еще в XII в. стояли «дв? капищи и 4 кони м?дяны» — античные скульптуры — четверка (квадрига) лошадей и две статуи, видимо, греческих богинь.

Древнерусская художественная культура, в частности архитектура и строительство, достигли большого расцвета в первой половине XI в. О развернувшемся строительстве в Киеве летопись под 1037 г. сообщает так: «В л?то 6545. Заложи Ярославъ городъ великый, у него же града суть Златая врата; заложи же и церковь святыя Софья, митрополью, и посемь церковь на Золотыхъ ворот?хъ святыя Богородица Благов?щенье, посемь святаго Георгия монастырь и святыя Ирины». В записи перечисляются наиболее выдающиеся сооружения, построенные Ярославом Мудрым во время его княжения в Киеве.

При Ярославе Мудром территория города значительно увеличилась, ее обнесли огромным земляным валом высотой Им, сверху возвели крепкие дубовые стены. Это гигантское оборонительное сооружение длиной 3,5 км, окружавшее территорию площадью около 80 га, летопись называет «город великий».

С южной стороны вал прорезал главный въезд в Киев — Золотые ворота, сохранившиеся в руинах до нашего времени. Это величественное каменное здание соединяло в себе функции оборонительного сооружения и парадных городских ворот. В первоначальном виде ворота представляли собой прямоугольную в плане башню, к которой с обеих сторон примыкали земляные валы. Высота проезда достигала 12 м, ширина — 6,4 м. Над проездом возвышалась церковь Благовещения, близкая по архитектурным формам к надвратной церкви Золотых ворот во Владимире на Клязьме, известной в наше время по обмерам XVIII в. Н. фон Берка и А. Гусева.

С восточной стороны Города Ярослава находились Лядские ворота, а с западной — Львовские. Сведений об их внешнем виде и конструкции не сохранилось.

Наиболее выдающимся архитектурным сооружением Южной Руси первой половины XI в. является Софийский собор в Киеве, «русская митрополия», построенный в 1037 г. в центре верхнего города. Собор сравнительно хорошо сохранился до нашего времени, правда, снаружи в результате позднейших достроек он получил черты украинской барочной архитектуры XVIII в.

Софийский собор — большой пятинефный крестовокупольный храм, окруженный с севера, юга и запада двумя рядами открытых галерей. Первоначально он имел 13 куполов. К северо — западному и юго — западному углам здания примыкают две башни, которые в древности были покрыты шатровыми верхами. Винтовые лестницы в башнях ведут на второй этаж собора — хоры, или, как их называли в старину, «полати».

Двенадцать кресчатых в плане столбов расчленяют внутреннее пространство собора на пять продольных нефов — коридоров, завершающихся с востока алтарными апсидами. Внутреннее пространство храма в плане имеет форму креста, над средней частью которого возвышается главный купол. С юга и севера находятся трехпролетные двухъярусные аркады, а с востока — главная алтарная апсида. На втором этаже, с трех сторон вокруг центрального и поперечного нефов, расположены хоры — большие помещения, предназначавшиеся для князя, его семьи и наиболее приближенных лиц.

Софийский собор имел богатое внутреннее убранство. До нашего времени в некоторых местах сохранились мраморные пороги, резные шиферные плиты парапетов на хорах, мозаичные полы. Храм украшен фресковой живописью и мозаиками.

Некоторые черты Софийского собора в Киеве, как считается, сближают его с древнерусской деревянной архитектурой. К ним, по мнению исследователей, относятся: многоглавие храмов (13 куполов), подчеркнутая пирамидальность композиции, открытые галереи, а также украшение интерьера кроме мозаик фресковой живописью — прием, неизвестный в византийском монументальном искусстве.

По величию художественного образа, совершенству архитектурных форм, внутреннему убранству Софийский собор в Киеве принадлежит к выдающимся памятникам средневекового искусства эпохи феодализма.

Уже вскоре после окончания строительства Софийского собора слухи о его красоте распространились в соседних странах. Современники с восхищением говорили о нем: «Церкви дивна и славна ве?мь округъниим странамъ, яко же ина не обращается въ всемъ полунощи земн??мъ от въстока до запада».

Архитектура Софийского собора имела исключительно большое влияние на дальнейшее развитие древнерусского зодчества.

Вблизи Софийского собора в честь святых патронов Ярослава и его жены Ингигерды были построены монастырские церкви Георгия и Ирины, которые не сохранились до наших дней.

Фрагмент мозаичного пола Софии киевской

Киевская ротонда. XII–XIII вв. Реконструкция П. П. Толочко, В. Е. Боровского. Рис. Л. И. Андриевского, В. А. Буйновского.

В первой половине XI в. большое строительство развернулось и в других городах. По приказу Мстислава Владимировича в Чернигове в 30–х годах был построен Спасский собор, сравнительно неплохо сохранившийся до нашего времени. По конструктивному типу это большой трехнефный, восьмистолпный храм, увенчанный пятью главами. Как и в киевских соборах, к его северо — западной стороне примыкала башня. С противоположи ной стороны находилась крещальня. Особенностью сооружения является отсутствие галерей и вытянутость его плана по линии восток — запад. Подкупольный квадрат храма отделен от боковых нефов двухъярусными трехпролетными аркадами на мраморных колоннах, украшенных капителями ионического ордера. Средний неф с двух сторон окружали хоры, которые с южной и северной стороны опирались на деревянные конструкции. Внутри собор был расписан фресками. Вблизи Спасского собора обнаружены остатки светских построек: княжеских теремов, ворот и т. д.

Софийский собор в Киеве. 1037 г. Макет. Реконструкция Ю. С. Асеева, В. П. Волкова, Н. И. Кресального

Киевское строительство первой половины XI в. оказывало большое влияние на развитие архитектуры на севере Руси. Софийский собор в Киеве стал образцом для сооружения одноименных храмов в Новгороде и Полоцке.

Ранней архитектуре Древней Руси присущи были такие главнейшие черты: смешанная кладка из камня и кирпича с так называемыми утопленными рядами, пятинефные планы культовых сооружений, многокупольные завершения, башни с винтовыми лестницами, открытые галереи и богатая внутренняя отделка мозаиками, фресками, резными шиферными плитами и мраморными украшениями.

Во второй половине XI в. культовое строительство продолжалось преимущественно в монастырях. Изяслав Ярославич построил собор Дмитриевского монастыря в Киеве, а Всеволод Ярославич в 1070–1088 гг. соорудил вблизи своей летней резиденции — «Красного двора» — в Выдубицком монастыре церковь Михаила, которая частично сохранилась до наших дней. Первоначально это был одноглавый трехнефный и, как установлено последними исследованиями, шестистолпный храм без галерей. В здании уже наметились некоторые черты, распространившиеся впоследствии в архитектуре XII в., а именно — одноглавие и отсутствие галерей.

Новое направление в развитии киевской архитектуры нашло свое завершение в Успенском соборе Печерского монастыря, построенном в 1073–1089 гг.[53]. Церковь по своему типу — шестистолпный крестовокупольный храм с одной большой главой. Здание имело три нефа, завершавшихся с востока гранеными апсидами. В западной части находился нартекс — притвор, а над ним — хоры. продолжавшиеся на восток только на одно членение постройки. Храм не имел галерей. Внутренний декор его состоял из мозаик, фресок, резных шиферных плит. Успенский собор в XII в. стал образцом для княжеско — монастырского строительства в Ростове, Суздале, Новгороде и многих других городах Руси.

В 1108 г. в Киеве по заказу князя Святополка Изяславича построен собор Михайловского Златоглавого монастыря. По типу это шестистолпный крестовокупольный одноглавый храм. С северной стороны, в западном притворе — нартексе, находилась башня с лестницей на второй этаж, а с южной — к зданию примыкала крещальня. Фасады собора украшали меандровые фризы из кирпича, тройные декоративные ниши, пилястры. Внутри собор по старой традиции имел мозаичную и фресковую живопись. Но в его архитектуре заметны и новые черты, в частности башня с лестницей уже почти полностью вошла в западный притвор постройки.

По сообщениям летописи в 1089 г. в Переяславе при епископе Ефреме построен большой каменный комплекс епископского двора. Архитектурным центром ансамбля служил роскошный собор Михаила с настенными мозаиками, фресками, майоликовыми и мозаичными полами. Рядом находился каменный дворец епископа. Дворец был украшен высокохудожественными мозаиками, мраморными архитектурными деталями, шиферными полами с инкрустациями и т. п. Двор окружала стена с воротами и надвратной церковью Федора. Летописец с восхищением писал еще о каком — то сооружении, названном им «строенье баньное камено», вероятно, каменной бани.

Памятником архитектуры Переяславской земли конца XI в. является Михайловская «божница» в Остре, построенная в 1098 г. и частично сохранившаяся до наших дней. Это была замковая часовня Владимира Мономаха.

Большое строительство велось в Новгороде, где в начале XII в. сооружены Николо — Дворищенский собор (1113) и соборы Антониевского (1117) и Юрьевского (1119) монастырей, на которых заметно влияние киевской архитектуры. В плане это шестистолпные храмы, близкие к Успенскому собору Киево — Печерского монастыря, но в них уже прослеживаются черты, характерные для новгородской архитектуры более позднего времени.

В XII в. развитие феодального способа производства на Руси привело к экономическому и политическому росту городов, наибольшие из которых стали столицами удельных княжеств. Новые политические условия отразились и на развитии архитектуры. Заметно увеличилось количество построек, но размеры храмов уменьшились, упростилась их конструкция, наружная и внутренняя отделка, что можно объяснить недостаточностью средств у заказчиков.

Значительного размаха достигло в это время строительство в Киеве, Новгороде, Чернигове, Переяславе, Галиче, Смоленске, Полоцке, Владимире на Клязьме. В удельных княжествах возникли архитектурные школы со своими местными особенностями. На Руси распространился тип шестистолпного, а со второй половины XII в. — четырехстолпного одноглавого, а иногда четырехглавого храма. Постепенно исчезают лестничные башни, а вместо них лестницы строятся в толще стен зданий. Хоры становятся меньших размеров и занимают место в основном под нартексом (западным притвором). Изменилась и техника кладки стен. Вместо смешанной кладки из кирпича и камня и кладки с утопленными рядами, употреблявшейся на Руси ранее, с 20–х годов XII в. получила распространение порядовая техника кладки из кирпича — в Поднепровье, белого камня — в Галицкой и Владимиро — Суздальской земле, камня — плитняка — в Новгороде. Стала применяться новая декорация фасадов: пилястрами с полуколонками, аркатурными поясами и так называемым поребриком. В XII в. в Поднепровье развиваются киевская, черниговская и переяславская архитектурные школы, связанные между собой едиными стилистическими особенностями.

Терем на детинце г. Чернигова. XI в. Реконструкция Н. В. Холостенко

Наиболее известными памятниками киевской архитектурной школы XII в. являются церковь Богородицы Пирогощи (1132) на Подоле, Кирилловская (после 1146), Василевская (1183) в Киеве и Юрьевская в Каневе (1144). Выдающееся место среди этих сооружений занимает Кирилловская церковь, построенная женой Всеволода Ольговича Марией Мстиславной в Кирилловском вотчем монастыре черниговских князей Ольговичей. Она сохранилась до нашего времени в барочном убранстве XVIII в. Первоначально это был большой шестистолпный трехнефный храм с одной большой главой. Фасады здания расчленяли пилястры с полуколонками и украшали аркатурные пояса. Внутри церковь расписана фресковой живописью.

Многочисленными постройками в XII в. обогатился Чернигов. К памятникам местной архитектурной школы, дошедшим до нашего времени, относится Борисоглебский собор и Успенский собор Елецкого монастыря, Ильинская церковь. Основным типом культовых зданий Чернигова в это время оставался шестистолпный храм, близкий по архитектуре к Кирилловской церкви в Киеве.

При Давиде Святославиче в пределах детинца (кремля) Чернигова около 1128 г. был построен Борисоглебский собор[54]. Это большой шестистолпный одноглавый храм, украшенный аркатурными поясами и резными архитектурными деталями: канителями, венчавшими полуколонны фасадов, и угловыми камнями порталов. Капители изготовлены из белого известняка. Они имеют интересную орнаментацию, мастерски выполненную в виде переплетающихся стеблей растений и фантастических животных.

В конце XII в. в связи с укреплением экономического положения торгово — ремесленных посадов древнерусских городов в архитектуре Поднепровья появляются новые черты, видимо, отражавшие вкусы демократических слоев населения. Возникает новый тип храма, в котором центральная часть здания приобретает башнеобразную форму, много внимания уделяется внешней отделке. Эта особенность древнерусской архитектуры XII в., как считают исследователи, возможно, сложилась под влиянием русского деревянного зодчества или мотивов готической архитектуры. Новое направление в архитектуре Поднепровья впервые нашло свое отражение в творчестве полоцкого мастера Ивана.

В Киеве, при дворе Рюрика Ростиславича, в это время творил выдающийся зодчий Петр Милонег. В 1199 г. он создал замечательное инженерное сооружение — подпорную стену церкви Михаила Выдубицкого монастыря. Возможно, он причастен и к другим постройкам Рюрика Ростиславича, в частности церквей Василия в Овруче (1190) и Двенадцати апостолов в Белгороде под Киевом (1197).

Новые тенденции в архитектуре Поднепровья наиболее ярко проявились в Пятницкой церкви в Чернигове, точная дата возведения которой неизвестна. Этот выдающийся памятник древнерусской архитектуры начала XIII в. по типу — четырехстолпный храм с башнеподобным верхом и трехлопастными завершениями фасадов. В Пятницкой церкви, построенной на «торгу» в торгово — ремесленном центре города, много внимания уделено внешней отделке. Поверхность фасадов здания расчленена пилястрами сложного профиля, украшена орнаментами из кирпича, аркатурными поясами и «поребриком», сетчатым орнаментом и нишами. Внутри церковь была расписана фресковой живописью[55].

В середине XII в. важным культурным центром на западе Руси стала Галицкая земля. В Галиче и на его окраинах возводятся богато украшенные каменные сооружения. Так, при князе Ярославе Осмомысле на галицком детинце построен княжеский двор — большой архитектурный ансамбль, в состав которого входили дворец, белокаменный Успенский собор (1157) и другие многочисленные постройки. На берегу Днестра до нашего времени частично сохранилась церковь Пантелеймона (около 1200 г.). Это трехнефный четырехстолпный одноглавый храм, сооруженный из хорошо подогнанных блоков белого известняка. Апсиды храма украшены полуколонками с капителями коринфского ордера, на которые опирается аркатурный пояс. С большим вкусом сделаны так называемые перспективные порталы, углубленные в толщу стен, особенно главный — западный. Он украшен колонками на пьедесталах с мастерски выполненными коринфскими капителями и резьбой в виде стилизованных листьев аканта.

Резная капитель и угловой камень портала с изображением фантастических зверей из Борисоглебского собора в Чернигове. XII в.

Белокаменная строительная техника известна не только в сооружениях Галича, но и других городов — Василева на Буковине и Холма. Летопись сообщает о церкви Иоанна, построенной в Холме местным мастером Авдием. Фасады белокаменного здания украшали скульптурные маски, разноцветный камень, росписи красками и позолота. В окна были вставлены «римские стекла» — витражи.

Галицкая архитектура имела свои особенности: к ним относится постройка кроме традиционных крестовокупольных храмов, круглых в плане сооружений — ротонд, белокаменная техника кладки, часто сочетавшаяся с искусной резьбой по камню. В архитектуре западных земель более заметно влияние романского искусства.

Таким образом, архитектура Древней Руси до монголо — татарского нашествия достигла высокого уровня развития. В X–XIII вв. построено много замечательных архитектурных сооружений, являющихся шедеврами мирового искусства, которые в более позднее время оказали большое влияние на развитие зодчества трех братских народов — русского, украинского и белорусского.

Монументальная живопись. Монументальная живопись — важнейшая составная часть убранства интерьера древнерусских дворцов и храмов, украшавшихся замечательными настенными мозаиками, фресками, мозаичными полами и разнообразными произведениями прикладного искусства.

Живопись на стенах храмов размещалась по так называемым иконографическим схемам, разработанным средневековыми теологами. Одним из главных требований, предъявлявшихся мастерам, было расположение живописи соответственно значению и весомости композиций того или иного персонажа в церковной иерархии. Для творческой фантазии художника, особенно в X–XI вв., не оставалось места.

О монументальной живописи X в. можно судить лишь на основании археологических находок, обнаруженных во время раскопок Десятинной церкви в Киеве. Здесь найдены разноцветные кубики от настенных мозаик, обломки штукатурки с остатками фресок, части мозаичного пола. Особый интерес вызывает фресковый фрагмент, изображающий верхнюю часть лица неизвестного святого. Живопись его отличается совершенной передачей форм и большой архаикой даже по сравнению с византийскими произведениями монументального искусства X в. Техника фрески напоминает живопись восковыми красками (энкаустику).

Сравнительно хорошо сохранился ансамбль прекрасных росписей XI в. в Софийском соборе в Киеве. Стены, столбы, и своды огромного здания покрыты мозаиками и фресками. Наиболее освещенные, парадные части собора украшены мозаиками, остальные — фресковой живописью. Значительная часть этих росписей уцелела и сейчас освобождена от позднейших наслоений масляных красок и копоти.

В главном куполе находится погрудное мозаичное изображение Христа — Пантократора (Вседержителя) в окружении четырех архангелов. Ниже, в простенках между окнами барабана купола, были изображены двенадцать апостолов, а еще ниже, в парусах, — четыре евангелиста. На северной и южной подпружных арках сохранились пятнадцать мозаичных медальонов, входящих в композицию «Сорок мучеников», а несколько ниже — мозаика «Благовещение». Всю верхнюю часть главной апсиды собора занимает прекрасно выполненное мозаичное изображение богоматери — Оранты во весь рост с молитвенно поднятыми вверх руками, которую в народе называли «Нерушимой стеной». В представлении киевлянина эпохи средневековья Оранта была защитницей города и Руси. Под изображением Оранты сохранилась многофигурная символическая композиция «Евхаристия» — причащение апостолов.

Наиболее совершенные в художественном отношении мозаики находятся в нижней части алтарной апсиды. Композиция «Отцы церкви» изображает деятелей раннего христианства. С большим мастерством на южной стене выполнены фигуры Лаврентия, Василия Великого, Иоанна Златоуста и др. Каждая из этих мозаик — шедевр большого мастера-колориста, портреты, в которых ощущаются отголоски традиций эллинистического портретного искусства. Особое внимание привлекает реалистический портрет Иоанна Златоуста, поражающий зрителя своей индивидуальностью и духовной силой. На нем пурпурного цвета одежда с белым омофором, украшенным большими черными крестами. В левой руке, закрытой верхней одеждой, он держит книгу с красным обрезом. Обложка книги украшена драгоценными камнями синего, зеленого и красного цветов.

Суховатое изможденное лицо, черные глаза, высокий лоб, небольшая раздвоенная бородка и запавшие щеки хорошо передают индивидуальные черты персонажа, его аскетизм и фанатизм. Чтобы еще больше подчеркнуть эти черты характера, мастер прибегает в мозаичном наборе к ломанному ритму, используя острые углы, линии, треугольники и т. д.

Тональные соотношения красок мозаичных композиций собора отличаются большим разнообразием: они насчитывают 177 различных цветовых оттенков. Стилистически мозаики Софийского собора характеризуются плоскостными построениями композиций, приземистостью фигур, тяжеловесным ритмом и статичностью.

Не менее важное место в украшении интерьера Софийского собора занимает фресковая живопись. В центральной части храма сохранились многофигурные фресковые композиции на евангельские и библейские темы, на столбах — многочисленные изображения мучеников, святителей и т. д.

В среднем нефе уцелели остатки большой торжественной композиции светского содержания. Фреска изображала основателя собора Ярослава Мудрого с семьей. Средняя часть этой фрески утрачена в конце XVII в.

На северной стене сохранились только две фигуры, а на южной — четыре. О первоначальном содержании композиции в какой — то мере можно судить на основании рисунка 1051 г, голландского художника А. ван Вестерфельда. В композицию входило не менее 13 фигур. В центре — Христос, справа от него — Ярослав с моделью храма Софии в руках и его сыновья, вероятнее всего, Владимир, Изяслав, Святослав и Всеволод. Слева — княгиня Ирина и дочери. По обе стороны от центральной фигуры фрески находились изображения князя Владимира Святославича и княгини Ольги — лиц, с именами которых связано принятие христианства на Руси. Цель фрески заключалась не только в том, чтобы прославить строителя собора, но и подчеркнуть право Руси на церковную самостоятельность.

Башни Софийского собора с винтовыми лестницами не имели богослужебного назначения и поэтому украшены росписями светского содержания. Кроме высоких художественных качеств ценность этой живописи заключается еще и в том, что она дает представление о внутреннем убранстве дворцовых сооружений, не сохранившихся до нашего времени. По сюжетам живопись в башнях можно разделить на две группы: сцены охоты и игры на ипподроме. Наиболее интересны изображения в юго — западной башне: охота на вепря, на диких коней — тарпанов с помощью дрессированных гепардов. Далее изображен константинопольский ипподром во время состязаний на колесницах. Император и зрители изображены в ложах дворца «Кафисмы», описание и рисунки которого известны из византийских источников.

Рядом находится известная фреска «Скоморохи» с танцорами, музыкантами, акробатами, что, возможно, отражает одну из сторон быта киевского князя. В северо — западной башне сохранились фрески: охота на медведя, человек с верблюдом, стрелок из лука, музыкант, играющий на смычковом инструменте, охота на оленя, в медальонах — грифоны, соколы, кречеты. Большая композиция на втором этаже башни изображает торжественный прием византийским императором Константином VII Багрянородным княгини Ольги в Царьграде — сюжет, судя по литературным произведениям, получивший большое распространение на Руси.

Скоморохи. Фреска на стене юго — западной башни Софийского собора в Киеве. XI в.

Значительное место в росписях собора занимают орнаменты. Орнаментальными узорами, как большим красочным ковром, покрыты почти все стены и своды собора. Преобладают растительные орнаменты, имеющие близкие аналогии в памятниках древнерусской книжной миниатюры.

По своим художественным качествам и совершенству мозаики и фрески Софийского собора в Киеве относятся к лучшим произведениям мирового монументального искусства средних веков.

Мозаиками и фресками был украшен интерьер Успенского собора Киево — Печерского монастыря. К сожалению, о его художественном убранстве известно мало. Сюжеты главных композиций собора обычны для XI в.: в куполе — Христос, в главном алтаре — богоматерь Оранта, ниже — сцена причащения апостолов и святители. В исполнении мозаик алтарной части храма принимал участие известный древнерусский художник киевлянин Алипий.

В соответствии с ранней древнерусской традицией был украшен собор Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве, построенный в начале XII в. Росписи его частично сохранились. В главном алтаре собора мозаики выполнены по схеме, которая напоминала софийскую: вверху — Оранта, ниже — сцена причащения и святители. Представление о художественных особенностях михайловских мозаик дает большая композиция «Евхаристия» и уцелевшие однофигурные изображения Дмитрия Солунского, Стефана, Фадея. Сравнение мозаичной сцены причащения апостолов с «Евхаристией» из Софийского собора указывает на появление в начале XII в. новых стилистических особенностей. На смену размеренному тяжеловесному ритму приходит другой, новый. Позы фигур приобретают разнообразие и динамичность. Художники удачно передали взаимоотношения персонажей и их психологическое состояние. Над композицией сделана большая пояснительная надпись славянскими буквами. Привлекает внимание искусно выполненное изображение Дмитрия Солунского в виде молодого античного воина. Михайловские мозаики отличаются ярким колоритом.

В фрагментах сохранилась фресковая живопись собора Михайловского Златоверхого монастыря, в частности «Благовещение» и фреска «Захария». Стилистические черты мозаик и фресок собора, славянские надписи при некоторых композициях указывают на то, что в их исполнении принимали участие местные мастера, возможно, упоминавшийся художник Алипий.

Новые стилистические и иконографические особенности, происшедшие на Руси в XII в., четко прослеживаются в росписях Кирилловской церкви в Киеве. Все большее значение в это время приобретает графическая манера письма, что особенно заметно в передаче драпировок одежды. В главном алтаре Кирилловской церкви находилось изображение Оранты, ниже — сцена причащения и святители в медальонах; в куполе — Христос; между окнами в барабане — двенадцать апостолов, ниже — евангелисты. Лучше всего сохранились фрески южной апсиды, посвященные Кириллу Александрийскому.

Важной особенностью тематики росписей церкви является появление нового иконографического сюжета «Страшный суд», что было тесно связано с обострением социальных противоречий на Руси в XII в.

Станковая живопись. Как и многие другие произведения средневекового искусства, станковая живопись Древней Руси ограничивалась преимущественно религиозной тематикой. Во внутреннем убранстве древнерусских храмов кроме монументальных росписей важное место занимали произведения станкового искусства — иконы. Они писались минеральными красками на деревянных досках, оклеенных полотном и покрытых слоем специального грунта — левкаса.

Иконами украшались не только храмы, но и княжеские и боярские дворцы, а также жилища простых людей. Это был один из наиболее распространенных видов изобразительного искусства на Руси. Но до нашего времени дошло очень небольшое количество древних икон. О ранних произведениях древнерусского станкового искусства можно судить лишь на основании единичных экземпляров икон и по упоминаниям письменных источников.

Одна из наиболее известных на Руси иконописных мастерских XI–XII вв. находилась в Печерском монастыре в Киеве. Тут творил известный художник Алимпий, о котором в «Киево — Печерском патерике» сказано: «…Иконы писати хитръбе зело…».

Представление о высокохудожественных произведениях, попадавших на Русь из других стран, дает икона известной «Владимирской богоматери», привезенная из Византии в Вышгород в начале XII в. Она изображает богоматерь с младенцем на руках. Икона отличается большим мастерством исполнения. Это произведение выдающегося мастера, несомненно оказавшее определенное влияние на формирование художественных вкусов мастерства древнерусских иконописцев.

Икон, которые бы бесспорно принадлежали к киевской художественной школе, уцелело до наших дней совсем мало. В Третьяковской галерее в Москве сохраняется так называемая «Ярославская Оранта» — большая икона, изображающая богоматерь в молитвенной позе с младенцем и двумя архангелами в медальонах. Икона по своим стилистическим признакам (монументальности, удлиненности пропорций, рисунку глаз и бровей) напоминает мозаики собора Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве, в частности изображения Дмитрия Солунского и Стефана. Некоторые исследователи датируют икону началом XII в. и связывают ее создание с именем А линия.

В киевской художественной школе сложилась иконография русских святых Бориса и Глеба, изображения которых получили распространение в произведениях станковой живописи. Икона «Борис и Глеб» конца XIII — начала XIV в., например, сохраняется в Киевском государственном музее русского искусства.

К произведениям, в которых чувствуется художественная и иконографическая манера южнорусских мастеров (правда, с этими выводами соглашаются не все исследователи), относится икона из Владимиро — Суздальской Руси «Дмитрий Солунский», найденная в г. Дмитрове. Святой изображен в виде античного воина на троне с мечом на коленях. Вся его фигура, решительное выражение лица, воинственность является олицетворением власти. Именно эти черты пытался подчеркнуть художник, изобразив Дмитрия на троне в царском венце на голове и с полуобнаженным мечом. Исследователи считают, что икона выполнена по заказу Всеволода Юрьевича Большое Гнездо, патроном которого был св. Дмитрий.

В Юрьевском монастыре в Новгороде сохранилась икона XII в. «Устюжское благовещение». Из Новгорода происходит также икона «Архангел» конца XI в. Близкие по стилю, они напоминают фресковые и мозаичные изображения собора Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве.

Бесспорным произведением киевских мастеров XIII в. является икона так называемой «Свенской богоматери». Рядом с фигурой богоматери изображены Антоний и Феодосий — основатели Киево — Печерского монастыря.

Галицкое происхождение имеет икона XIІІ в. «Покрова», хранящаяся в Киевском государственном музее украинского искусства. Популярность ее в старину объяснялась тем, что изображенная на ней богородица рассматривалась как заступница от внешних врагов. Галицкая икона отличается интересной цветовой гаммой и необычной иконографией. Она не находит себе аналогий среди других подобных памятников Древней Руси. Существует мнение, что это копия из переработанного оригинала иконы Влахернского храма в Константинополе.

Прикладное искусство. Высокого уровня развития и большого распространения на Руси достигло прикладное искусство, произведения которого часто содержат ценные сведения не только об истории развития художественного ремесла, но и о культурных связях и влияниях, мировоззрении, традициях, вкусах исполнителей и заказчиков. Изучение произведений прикладного искусства показывает, что они часто служили не только украшениями, но и, как амулеты — обереги, должны были защищать владельцев от злых сил природы. Такое же назначение имели магические орнаменты на многих изделиях ювелирного искусства и быта. Широкое распространение получили стилизованные изображения солнца в виде круга с пересекающимися в середине линиями, месяца — лунницы и воды — волнистой полосой. Изображения разнообразных фантастических зверей и птиц сочетались с рисунками, отражающими реальный окружающий мир, а также с растительным орнаментом в виде сложного переплетения из стеблей, листьев, цветов и т. д. В орнаментах ювелирных изделий XI–XIII вв. встречаются сюжеты разных эпох и времен. Изображения птице — собаки Симаргла и сиринов (вил — русалок) языческих времен уживаются в них с геральдическими грифонами, львами, орлами и фигурами христианских святых средневековья.

Серебряная оправа турьего рога. Черная Могила. Чернигов. IX–X вв.

О древнерусском декоративно — прикладном искусстве наиболее полное представление дают ювелирные изделия из драгоценных металлов. Древнерусские мастера знали разнообразные технические приемы обработки цветных металлов — зернь, скань, чеканку, чернь, художественное литье и инкрустацию и, наконец, перегородчатые эмали. Все они широко применялись при изготовлении различных украшений.

Мастера — ювелиры при помощи скани (тонкой проволоки) особенно любили украшать узорами иконы и драгоценные оклады церковных книг. Так, в частности, украшено Мстиславово евангелие XII в.

Большое распространение на Руси получили серебряные изделия с чернью — черной пастой, напоминающей эмали. В этой технике в сочетании с другими приемами изготовлялись многие ювелирные изделия: свадебные сережки — колты, перстни, запястья, кресты, чары, кубки и др. В изделиях более раннего времени фон изображений целиком покрывался чернью, позже, в XII в., получила распространение так называемая техника контурной черни, при которой рисунок наводился черной линией, а серебряный фон оставался открытым или золотился.

Замечательным образцом ювелирного искусства IX–X в. являются серебряные оправы турьих рогов — ритонов, открытые во время археологических раскопок Черной Могилы в Чернигове. Один из них украшен сочным растительным орнаментом. Оправа второго рога имеет сюжетную орнаментацию. На ней в технике чеканки изображены фантастические звери с крыльями. Слева от них два дракона сплелись в единоборстве. По обеим сторонам от них — орлы или грифоны, а внизу — две маленькие собаки. Справа от крылатых зверей изображены волк и петух. Далее размещается композиция, состоящая из мужской и женской фигур с луками и большого орла. Сюжет, как считают исследователи, иллюстрирует смерть Кащея Бессмертного из былины об Иване Годиновиче.

Среди изделий с чернью следует особо отметить широкие пластинчатые браслеты из серебра, которые довольно часто украшались сценками древнерусского быта. На одном из таких браслетов из Киева, например, отчеканены геральдический орел, гусляр с гуслями и женщина, танцующая с молодым вооруженным воином. Эти изображения на произведениях искусства очень напоминают рассмотренные выше сюжеты монументальной живописи лестничных башен Софийского собора в Киеве. Как и на браслетах, здесь изображены геральдические звери, скоморохи, играющие на музыкальных инструментах, и танцоры. Подобная тематика относилась к придворно-развлекательному жанру, который в значительной степени отображал средневековые представления о «славе», «чести» представителей господствующего класса.

Высокого мастерства достигли древнерусские мастера в изготовлении изделий, украшенных разноцветными шалями. О больших достоинствах именно в этой области художественного ремесла писал в X в. монах Теофил из Падеборна. На Руси знали выемчатую и более совершенную перегородчатую эмали. Техника перегородчатой эмали была исключительно сложной, но древнерусские мастера хорошо владели ею. Древнерусские перегородчатые эмали существенно отличаются от византийских своей цветовой гаммой, в которой преобладают синий, бордовый и белый цвета, некоторыми особенностями изображений и техническими приемами исполнения. Ныне известны четыре центра I эмальерного искусства Древней Руси: Киев, Новгород, Рязань, Владимир на В Клязьме.

Перегородчатой эмалью украшались обычно дорогие изделия из золота: диадемы, кол ты, цепочки в виде медальонов — рясны, бляшки, которые нашивались на одежду, кресты, иконы, оклады книг и т. д. Наиболее известны сюжетные эмали на колтах, чаще всего с изображениями вил — русалок и «древа жизни», разнообразных птиц, женских головок, стилизованных растительных орнаментов, реже — фигур святых.

Литейная формочка из Киева. X в.

Уникальным изделием, украшенным перегородчатой эмалью, является золотая диадема XII в. из с. Сахновка Черкасской области. Она состоит из семи киотцев, на среднем из которых изображено «Вознесение» Александра Македонского — средневековый сюжет, воплощавший идею возвеличивания власти императора. Сюжет импонировал честолюбию феодалов и князя и поэтому часто использовался в произведениях древнерусского искусства, предназначавшихся для знати. Остальные киотцы диадемы украшены стилизованным растительным орнаментом. Другая диадема XII в. из Киева также составляет семь киотцев, на которых изображены святые (так называемый «Деисус»). В более расширенном виде подобная композиция в той же технике перегородчатой эмали встречена на золотой гривне XII–XIII вв., найденной вблизи с. Каменный Брод на Житомирщине.

Большого совершенства на Руси достигло искусство художественного литья. Древнерусским мастерам была хорошо известна техника литья в каменных формах и по восковой модели. По восковой модели изготовлялись колокола, подсвечники, кресты, паникадила — хоросы и другие разнообразные изделия. Особенно сложной была техника отливки объемных предметов по восковой модели с потерей формы. Плоские предметы отливались по восковой модели в глиняных формах из двух частей. Таким способом, например, делали распространенные на Руси амулеты — змеевики, такие, как упоминавшаяся выше «Черниговская гривна». По восковым моделям в глиняных формах изготовлялись части паникадил — хоросов, обнаруженных во время археологических раскопок в Киеве, Переяславе, в с. Сахновка Черкасской области и других местах.

Архитектура и живопись Древней Руси. Религиозная живопись Древней Руси

Развитие живописи и архитектурного храмового стиля России берут своё начало в глубине веков. В 988 году Киевская Русь вместе с принятием христианства получила огромное культурное наследие Византийской Империи, сочетающей в себе черты сверкающей пышности Востока и аскетическую простоту Запада. В процессе синтеза этого многостороннего художественного стиля и специфического самобытного искусства сформировались архитектура и живопись Древней Руси.

Исторические предпосылки развития самобытного стиля архитектуры и живописи Древней Руси

Живопись Древней Руси как памятник дохристианской культуры неизвестна современным учёным, а скульптура этой эпохи представлена всего несколькими деревянными изваяниями идолов. Так же ситуация обстоит и с архитектурными памятниками дохристианской Руси, скорее всего, по причине того, что они были созданы из дерева и не сохранились на сегодняшний день.

Живопись на Руси начала переживать своё бурное развитие в 10 веке, когда после внедрения в использование на территории Руси славянской азбуки Кириллом и Мефодием стал возможен обмен опытом между русскими и византийскими мастерами, которых приглашал после 988 года в русские города князь Владимир.

В начале 11 века ситуация в политической и социальной сферах древнерусского государства сложилась таким образом, что языческая религиозная составляющая начала насильно выводиться правящим сословием из всех сфер общественной жизни. Таким образом, архитектура и живопись Древней Руси начали своё развитие именно из влившегося в эту среду византийского наследия.

Предпосылки развития стилевых особенностей архитектуры

Архитектура и живопись Древней Руси как целостный стилевой ансамбль появились под непосредственным влиянием архитектуры Византии, которая синтезировала формы античных храмовых построек, постепенно сформировав известный с 10 века тип крестово-купольного храма, сильно отличавшийся от раннехристианских базилик. Перенося купола на полукруглые жёсткие рёбра четырёхугольного основания храма, применяя новейшую разработанную «парусную» систему поддержки купола и облегчения его давления на стены, византийские архитекторы добились максимального расширения внутренного пространства храма и создали качественно новый тип христианской храмовой постройки.

Описанные выше особенности проектирования относятся к храмам, в основании которых лежит так называемый «греческий крест», представляющий собой пять квадратов, расположенных на одинаковом расстоянии друг от друга.

Намного позже — в 19 веке — в России сформируется так называемый «псевдовизантийский» стиль храмовых построек, в которых купола приземистой формы расположены на низких барабанах, опоясанных оконной аркадой, а внутреннее пространство храма представляет единую площадь, не разделённую пилонами и крестовыми сводами.

Предпосылки развития стилевых особенностей живописи

Живопись Древней Руси как самостоятельный тип художественного декорирования храмов оформилась после того, как на эту территорию после крещения Руси привезли свой иконописный опыт приглашённые византийские мастера. Поэтому многочисленные настенные росписи и фрески первых христианских храмов домонгольского периода неразличимы по русскому и византийскому происхождению.

В теоретическом плане прекрасно иллюстрирует иконопись, живопись Древней Руси Успенский Собор Киево-Печёрской Лавры, работы в котором принадлежат кисти византийских мастеров. Сам храм не сохранился, однако о его внутреннем декорировании известно по описанию, зафиксированном в 17 веке. Приглашённые иконописцы остались в монастыре и положили начало обучению своему ремеслу. Преподобные Алипий и Григорий были первыми русскими мастерами, вышедшими из этой иконописной школы.

Таким образом, искусство, иконопись, живопись Древней Руси ведёт свою теоретическую и методическую преемственность от древних знаний восточных мастеров.

Специфика архитектурно-строительного типа жилых и храмовых построек Древней Руси

Культура Древней Руси, живопись, иконопись и архитектура которой представляют собой единый ансамбль, мало затронула архитектуру общественных и жилых построек, которые продолжали выполняться либо типовыми теремными зданиями, либо крепостями. Византийские архитектурные нормы не предполагали какой-либо практической защиты комплекса зданий или каждого из них в отдельности от атак неприятеля. Искусство Древней Руси, живопись и архитектуру которого можно показать на примере псковских и тверских монастырских построек, ориентировано на их конструктивную защищенность, облегченность купольных частей здания с максимальньным утолщением несущих конструкций.

Культовая древнерусская живопись

Культура Древней Руси, живопись которой прогрессировала под всесторонним влиянием византийского искусства, окончательно оформилась к концу 15 века, вобрав в себя все его самые яркие специфические качества и ассимилировавшись с самобытными художественными древнерусскими техниками. И хотя некоторые виды изобразительного искусства, такие как художественное шитье и резьба по дереву, были известны древнерусским мастерам, наиболее широкое распространение и развитие в лоне культового искусства они получили именно после прихода на Русь христианства.

Православная культура Древней Руси, живопись которой представлена не только храмовыми фресками и иконописью, но и лицевым шитьем и резьбой, отражающими символы веры и использовавшимися в быту мирскими людьми, оставила отпечаток на внутреннем убранстве зданий и декорировании их фасадных частей.

Разнообразие и состав красок

Монастыри и иконописные мастерские Древней Руси были местом сосредоточения научных достижений и экспериментов в области химии, так как в них вручную из различных ингридиентов изготавливались краски.

В миниатюрной живописи на пергаменте и иконописи мастера применяли преимущественно одни и те же краски. Ими являлись киноварь, лазурит, охра, свинцовые белила и другие. Таким образом верной своим практическим навыкам осталась живопись Древней Руси: древняя живопись Византии не смогла полностью заместить местные способы получения красок.

Однако в каждой конкретной технике живописи были и есть свои излюбленные приёмы и методы — как изготовления самой краски, так и способов её нанесения на поверхность.

Согласно новогородскому иконописному подлиннику 16 века, наибольшим предпочтением у мастеров пользовались киновари, лазори, белила, празелень. В подлиннике также впервые появились названия этих цветов — жёлтая, красная, чёрная, зелёная.

Белила, как самая популярная краска, чаще всего употреблялась в колористических смесях, служила для нанесения пробелов и «разбеливания» других красок. Белила изготавливались в Кашине, Вологде, Ярославле. Метод их изготовления заключался в окислении свинцовых полосок уксусной кислотой с дальнейшей промывкой получившегося белого колера.

Основным компонентом «лицевого письма» в иконописи по сей день является охра.

Живопись Древней Руси, также как и её византийский эталон, предполагала использование разнообразного колористического материала в написании святых обликов.

Одной из основных широкоиспользуемых красок была киноварь — сернистый сульфид ртути. Киноварь добывалась на известнейшем в Европе русском Никитинском месторождении. Изготовление краски происходило в процессе растирания киновари с водой, с последующим растворением в ней сопутствующего в руде колчедана и пирита. Киноварь могла быть заменена более дешёвым суриком, получаемым путём обжига свинцовых белил.

Лазорь, как и белила, предназначалась для написания пробелов и получения тонов других цветов. В прошлом основным источником лазурита были месторождения Афганистана. Однако с 16 века появилось большое количество способов получения синего пигмента из ляпис-лазури.

Наряду с этими основными красками, в русской иконописи использовались бакан, червлень, празелень, зелень, ярь-медянка, крутик («синило»), голубец, санкирь (коричневатые тона), багор, рефть, дичь. Терминология древнего живописца обозначала все краски различными словами.

Художественная манера древнерусской иконописи

В каждом территориально-целостном государственном объединении происходит определённая консолидация художественно-эстетических норм, которые в дальнейшем утрачивают некоторую связь с эталонным образцом. Такой обособленной и саморазвивающейся сферой национально-культурного проявления является и живопись Древней руси. Древняя живопись больше других областей искусства подвержена техническому и визуальному изменению, поэтому отдельно стоит сказать об её особенностях, тесно связанных с архитектурой и методами письма.

Монгольское нашествие разрушило большую часть иконописных и фресковых памятников Древней Руси, подорвав и приостановив процесс написания новых произведений. Однако определённую картину прошлого возможно восстановить по сохранившимся документам и скудным археологическим памятникам.

Из них известно, что в эпоху домонгольского нашествия монументальная живопись Древней Руси оказывала значительное влияние на иконопись своими техническими приёмами — лаконичностью композиционного построения и сумрачным сдержанным колоритом — однако уже к 13 веку этот колорит начинает сменяться яркими тёплыми цветами. Таким образом, византийская техника иконописи к 13 веку проходит процесс преломления и ассимиляции с такими древнерусскими национальными художественными приёмами, как свежесть и яркость цветовой гаммы, ритмический композиционный строй и непосредственность цветового выражения.

В эту эпоху трудятся самые известные мастера, донёсшие до современности живопись Древней Руси — кратко этот список можно представить митрополитом Московским Петром, архиепископом Ростовским Феодором, преподобными Андреем Рублёвым и Даниилом Чёрным.

Особенности древнерусской фресковой живописи

Фресковая живопись на Руси не существовала до прихода христианства и была полностью заимствована из византийской культуры, в процессе ассимиляции и развития несколько видоизменив имеющиеся византийские приёмы и техники.

Для начала стоит сказать, что культура Древней Руси, живопись которой до того существовала в виде мозаики, видоизменила использование штукатурных подготовительных материалов, применяя подмозаичное известняковое основание под фреску, и к концу 14 века произошёл переход от древних византийских техник письма и изготовления материалов — к новым исконно русским приёмам фресковой живописи.

Среди в корне изменившихся процессов изготовления оснований и красок можно выделить появление штукатурки, созданной исключительно на основе чистого известняка, прежде разбавляемой для прочности кварцевым песком и мраморной крошкой. В случае русской живописи штукатурное фресковое основание — левкас — изготавливалось путём длительного выдерживания извести в смеси с растительными маслами и клеем.

Древнерусское лицевое шитьё

После 988 года, с приходом византийскийх традиций в живопись Древней Руси, древняя живопись получила широкое распространение в области культовой обрядовой области, особенно в лицевом шитье.

Немало этому способствовали царицыны мастерские, функционировавшие под покровительством великих княгинь Софьи Палеолога, Соломонии Сабуровой, цариц Анастасии Романовой и Ирины Годуновой.

Лицевое шитьё как религиозная живопись Древней Руси имеет очень много общих композиционных и графических черт с иконой. Однако лицевое шитьё — это коллективный труд, с чётким распределением ролей создателей. Иконописец изображал на полотне лик, надписи и фрагменты одежды, травник — растения. Задний фон вышивался нейтральным цветом; лицо и руки — шёлковыми нитями телесных тонов, в том числе, стяжки располагались по линиям вдоль контуров лица; одежда и окружающие предметы вышивались либо золотыми и серебряными нитями, либо разноцветным шёлком.

Для большей прочности под вышиваемое полотно подкладывался холст или сукно, под которое крепилась вторая подкладка из мягкой ткани.

Особенно сложной являлась двухстороння вышивка на хоругви и знамёна. В этом случае шёлковые и золотые нити протыкались насквозь.

Лицевая вышивка имеет обширное применение — большие пелёна и воздухи украшали храм, подкладывались под иконы, застилали алтарь, применялись на знамёнах. Во многих случаях полотна с ликами святых крепились на ворота храма или дворца, а также внутри приёмных залов.

Территориальная вариативность древнерусского искусства

Культура Древней руси — живопись, иконопись, архитектура — имеет некоторую территориальную вариантивность, затрагивающую как декорированность храмов, так и архитектурно-строительные особенности зданий.

Например, искусство Древней Руси, живопись которой подразумевает использование в качестве украшений внутреннего убранства храмов либо мозаики, либо фрески, прекрасно раскрывается на примере собора Софии Киевской. Здесь наблюдается свободное сочетание и мозаичной, и фресковой живописи, при обследовании храма выявилось два слоя грунта. В церкви Преображения села Большие Вяземы все штукатурные основания выполнены из чистой извести без наполнителей. А в Спасском соборе Спасо-Андрониевского монастыря в качестве связующего звена штукатурного левкаса выявлен кровяной альбумин.

Таким образом, можно заключить, что особенность и неповторимость древнерусского искусства заключается в его территориальной ориентированности и индивидуально-личностных предпочтениях и умениях русских художников передавать цвет и характер идеи согласно его национальным нормам.

Культура и искусство Древней Руси

Осокина И.

                     

Фольклор

     Письменные источники свидетельствуют о богатстве и разнообразии фольклора Древней Руси.
     Значительное место в нем занимала календарная обрядовая поэзия: заговоры, заклинания, песни, являвшиеся неотъемлемой частью аграрного культа. Обрядовый фольклор включал в себя также предсвадебные песни, похоронные плачи, песни на пирах и тризнах. Распространенными были и мифологические сказания, отражавшие языческие представления древних славян. На протяжении многих лет церковь, стремясь искоренить остатки язычества, вела упорную борьбу с «поганскими» обычаями, «бесовскими игрищами» и «кощунами». Тем не менее, эти виды фольклора сохранились в народном быту вплоть до XIX-ХХ веков, потеряв со временем свой начальный религиозный смысл.
     Существовали также такие формы фольклора, не связанные с языческим культом, как пословицы, поговорки, загадки, сказки, трудовые песни. Авторы литературных произведений широко использовали их в своем творчестве.
     Письменные памятники донесли до нас многочисленные предания и легенды о родоначальниках племен и княжеских династий, об основателях городов, о борьбе с чужеземцами. Народные сказания о событиях II-VI веков отразились в «Слове о полку Игореве».
     Значение исторических жанров фольклора возрастает с образование государства и началом складывания древнерусской народности. На протяжении многих лет народ создавал и хранил своеобразную «устную» летопись в виде прозаических преданий и эпических сказаний о прошлом родной земли. «Устная летопись» предшествовала летописи письменной и послужила одним из ее основных источников. К числу таких преданий, использованных летописцами, относятся предания о Кие, Щеке и Хориве и основании Киева, о призвании варягов, о походах на Константинополь, об Олеге и его смерти от укуса змеи, о мести Ольги древлянам, о белгородском киселе, и многие другие. Летописное повествование о событиях IX-Х веков практически целиком основано на фольклорном материале.

     К Х веку относится возникновение нового эпического жанра – героического былинного эпоса, явившегося вершиной устного народного творчества. Былины – устные поэтические произведения о прошлом. В основе их лежат реальные исторические события, прототипами некоторых былинных героев являются реально существовавшие люди. Так, прообразом былинного Добрыни Никитича был дядя Владимира Святославовича – воевода Добрыня, имя которого неоднократно упоминается в летописи.
     Однако былины редко сохраняли точность фактических деталей. Но не в точном следовании историческим фактам было достоинство былин. Главная их ценность в том, что эти произведения созданы народом и отражают его воззрения, оценку сущности исторических событий и понимание социальных отношений, сложившихся в Древнерусском государстве, его идеалы.
     Большинство былинных сюжетов связано со временем княжения Владимира Святославовича – временем единства и могущества Руси и успешной борьбы со степными кочевниками. Но истинный герой былинного эпоса не князь Владимир, а богатыри, олицетворявшие народ. Любимым народным героем стал Илья Муромец, крестьянский сын, мужественный воин-патриот, защитник «вдов и сирот». Народ воспел и крестьянина-пахаря Микулу Селяниновича.
     В былинах отразилось представление о Руси как едином государстве. Главная их тема – борьба народа с иноземными завоевателями, они проникнуты духом патриотизма. Идеи единства и величия Руси, служения родине сохранялись в былинах и во времена политической раздробленности, золотоордынского ига. На протяжении многих столетий эти идеи, образы героев-богатырей вдохновляли народ на борьбу с неприятелем, что и предопределило долговечность былинного эпоса, сохранившегося в народной памяти.

 

     Существовала устная поэзия и в княжеско-дружинной среде. В дружинных песнях прославлялись князья и их подвиги. Отзвуки этих песен слышатся, например, в летописной характеристике князя Святослава и в описании его походов. В княжеских дружинах были свои «песнотворцы» — профессионалы, слагавшие песни-«славы» в честь князей и их воинов. Такими придворными певцами были, вероятно, упоминаемый в «Слове о полку Игореве» и «словутый певец Митуса», о котором говорится в Галицко-Волынской летописи.
     Устное народное творчество продолжало жить и развиваться и после появления письменной литературы, оставаясь важным элементом культуры средневековья. Его влияние на литературу сохранялось и в последующие столетия: писатели, поэты использовали сюжеты устной поэзии и арсенал ее художественных средств и приемов.

                                  

Письменность и просвещение

     Появление письменности было обусловлено внутренними потребностями общества на определенной стадии его развития: усложнением социально-экономических отношений и формированием государства. Это означало качественный скачок в развитии культуры, так как письменность является важнейшим средством закрепления и передачи во времени и в пространстве знаний, мыслей, идей, сохранения и распространения достижений культуры.
     Существование у восточных славян письменности в дохристианский период не вызывает сомнения. Об этом свидетельствуют многочисленные письменные источники и археологические находки. По ним можно составить общую картину становления славянской письменности.
      В сказаниях черноризца Храбра «О письменах» (конец IX – начало Х веков) сообщается, что «прежде убо словене не имеху книг, но чертами и резами чтъьтаху и гадаху». Возникновение этого примитивного пиктографического письма («черты и резы») исследователи относят к первой половине I тысячелетия. Область применения его была ограниченной. Это были, видимо, простейшие счетные знаки в форме черточек и зарубок, родовые и личные знаки собственности, знаки для гадания, календарные знаки, служившие для датировки сроков начала различных хозяйственных работ, языческих праздников и т.п. Такое письмо было непригодно для записи сложных текстов, потребность в которой появилась с зарождением первых славянских государств. Славяне стали использовать для записи родной речи греческие буквы, но «без устроения», то есть не приспособив греческий алфавит к особенностям фонетики славянских языков.
     Создание славянской азбуки связывают с именами византийских монахов Кирилла и Мефодия. Но древнейшие памятники славянской письменности знают два алфавита – кириллицу и глаголицу. В науке долго шли споры о том, какая из этих азбук появилась раньше, создателями какой из них были знаменитые «солунские братья» (из Солуни, современный город Салоники). В настоящее время можно считать установленным, что Кириллом во второй половине IX века был создан глаголический алфавит (глаголица), на котором были написаны первые переводы церковных книг для славянского населения Моравии и Паннонии. На рубеже IX-Х веков на территории Первого Болгарского царства в результате синтеза издавна распространенного здесь греческого письма и тех элементов глаголицы, которые удачно передавали особенности славянских языков, возникла азбука, получившая позднее название кириллица. В дальнейшем этот более легкий и удобный алфавит вытеснил глаголицу и стал единственным у южных и восточных славян.

 

      Принятие христианства способствовало широкому распространению и быстрому развитию письменности и письменной культуры. Существенное значение имело то, что христианство было принято в его восточном, православном варианте, допускавшем, в отличие от католичества, богослужение на национальных языках. Это создавало благоприятные условия для развития письменности на родном языке.
     Развитие письменности на родном языке привело к тому, что русская церковь с самого начала не стала монополистом в сфере грамотности и образования. О распространении грамотности среди демократических слоев городского населения свидетельствуют берестяные грамоты, обнаруженные во время археологических раскопок в Новгороде и других городах. Это письма, памятные записки, учебные упражнения и т.п. Письмо, таким образом, использовалось не только для создания книг, государственных и юридических актов, но и в быту. Нередко встречаются надписи на ремесленных изделиях. Простыми горожанами оставлены многочисленные записи на стенах церквей Киева, Новгорода, Смоленска, Владимира и других городов.
     В Древней Руси существовало и школьное образование. После введения христианства Владимир приказал отдавать «на книжное учение» детей «лучших людей», то есть местной аристократии. Ярослав Мудрый создал школу в Новгороде для детей старост и духовных лиц. Обучение велось на родном языке. Учили чтению, письму, основам христианского вероучения и счету. Имелись и школы высшего типа, готовившие к государственной и церковной деятельности. Одна из них существовала при Киево-Печерском монастыре. Из нее вышли многие видные деятели древнерусской культуры. В таких школах наряду с богословием изучали философию, риторику, грамматику, исторические сочинения, высказывания античных авторов, географические и естественнонаучные труды.
     Высокообразованные люди встречались не только в среде духовенства, но и в светских аристократических кругах. Такими «книжными мужами» были, например, князья Ярослав Мудрый, Всеволод Ярославович, Владимир Мономах, Ярослав Осмомысл и др. В аристократической среде было широко распространено знание иностранных языков. Олучали образование в княжеских семьях и женщины. Черниговская княжна Ефросинья обучалась у боярина Федора и, как сказано в ее житии, хотя она «не во Афинех учися, но афинейски премудрости изучи», освоив «философию, риторию и всю грамматикию». Княгиня Ефросинья Полоцкая «была умна княжному писанию» и сама писала книги.

 

     Образованность ценилась очень высоко. В литературе того времени можно найти немало панегириков книге, высказываний о пользе книг и «книжного учения».
     Большинство памятников письменности домонгольского времени погибло во время многочисленных пожаров и иноземных нашествий. Сохранилась лишь их незначительная часть. Древнейшими из них являются «Остромирово Евангелие», написанное дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира в 1057 году, и два «Изборника» князя Святослава Ярославовича 1073 и 1076 годов. Высокий уровень профессионального мастерства, с которым выполнены эти книги, свидетельствует о налаженном производстве рукописных книг уже в первой половине XI века, а также об устоявшихся в этому времени навыках «книжного строения».
     Переписка книг была сосредоточена главным образом в монастырях. Однако в XII веке в крупных городах также возникло ремесло «книжных описателей». Это свидетельствует, во-первых, о распространении грамотности среди городского населения, во-вторых, о возрастании потребности в книге, которую не могли удовлетворить монастырские писцы. Переписчиков книг содержали при себе многие князья, а некоторые из них и сами переписывали книги.
     Тем не менее, основными центрами книжности продолжали оставаться монастыри и соборные церкви, при которых существовали специальные мастерские с постоянными коллективами переписчиков. Здесь не только переписывались книги, но и велись летописи, создавались оригинальные литературные произведения, переводились иностранные книги. Одним из ведущих центров был Киево-Печерский монастырь, в котором сложилось особое литературное направление, оказавшее большое влияние на литературу и культуру Древней Руси. Как свидетельствуют летописи, уже в XI веке на Руси при монастырях и соборных церквах создавались библиотеки, имеющие до нескольких сотен книг.

 

     Отдельные случайно сохранившиеся экземпляры не отражают полностью всего богатства и многообразия книг Киевской Руси. Многие литературные произведения, несомненно, существовавшие в домонгольское время, дошли до нас в более поздних списках, а часть их вообще погибла. По мнению историков русской книги, книжный фонд Древней Руси был достаточно обширен и исчислялся сотнями названий.
     Потребности христианского культа требовали большого количества богослужебных книг, служивших руководством при совершении церковных обрядов. С принятием христианства было связано появление основных книг Священного Писания.
     Переводная литература религиозного и светского содержания занимала большое место в книжном фонде Древней Руси. Отбор произведений для перевода определялся внутренними потребностями общества, вкусами и запросами читателя. При этом переводчики не ставили целью точную передачу оригинала, а стремились максимально приблизить его к действительности, к запросам времени и среды. Особенно существенной переработке подвергались произведения светской литературы. В них широко проникали элементы фольклора, использовались приемы оригинальной литературы. В дальнейшем эти произведения неоднократно перерабатывались и становились русскими по своему характеру.
     С задачами распространения христианского вероучения связано появление сочинений христианских писателей и сборников их произведений. Особенно широкое распространение получили сочинения Иоанна Златоуста в составе сборников «Златоструй», «Златоуст» и др.
     На Руси были популярны, как и во всем средневековом мире, сборники изречений известных поэтов, философов, богословов. Кроме цитат из Священного Писания и сочинений «отцов церкви», в них включались выдержки из произведений античных писателей и философов. Наиболее популярным был сборник «Пчела», в котором особенно много было изречений античных авторов.
     Большое место в литературе занимали жития святых, служившие важным средством внедрения христианского мировоззрения и морали. Вместе с тем они представляли собой увлекательное чтение, в котором элементы чудесного переплетались с народной фантазией, давали читателю разнообразные сведения исторического, географического и бытового характера. На русской почве многие из житий были переработаны и дополнены новыми эпизодами. На Руси распространился такой специфический вид религиозной литературы, как апокрифы – иудейские и христианские легендарные сочинения, которые не признавались официальной церковью достоверными, считались даже еретическими. Будучи тесно связанными своим происхождением с античной мифологией, дохристианской религией и ближневосточным фольклором, апокрифы отражали народные представления о мироздании, добре и зле, о загробной жизни. Занимательность рассказов, близость к устным народным легендам способствовали распространению апокрифов во всем средневековом мире. Наибольшей популярностью пользовались «Хождение Богородицы по мукам», «Откровения Мефодия Патарского», сказания, связанные с именем библейского царя Соломона и другие. На русской почве апокрифическая литература получила дальнейшее развитие, ее сюжеты использовались в литературе, изобразительном искусстве, фольклоре.         
     Особый интерес, связанный со стремлением определить место Руси, всего славянства в мировой истории, вызывали исторические сочинения. Византийская историческая литература была представлена хрониками Георгия Амартола, Иоанна Малалы, патриарха Никифора и некоторыми другими произведениями. На основании этих сочинений была составлена обширная компиляция по всемирной истории – «Еллинский и римский летописец».
     На Руси были известны и сочинения, отражавшие средневековые представления о мироздании, о явлениях природы, полуфантастические сведения о животном и растительном мире. Одним из самых популярных произведений на протяжении всего средневековья была «Христианская топография» Космы (Козьмы) Индикоплова, византийского купца, совершившего в VI веке путешествие в Индию.
     Переводились и светские воинские повести, широко распространенные в мировой средневековой литературе. К их числу принадлежит одно из крупнейших произведений этого жанра – «История Иудейской войны» Иосифа Флавия, в русском переводе получившая название «Повесть о разорении Иерусалима». Большой известной пользовалась повесть о жизни и подвигах Александра Македонского – «Александрия», восходящая к эллинистической литературе.
     Другой воинской повестью было популярная вплоть до XVII века «Девгениево деяние». Эта подвергшаяся довольно свободной переработке византийская эпическая поэма Х века о подвигах Дигениса Акрита, мужественного воина-христианина, защитника границ своего государства. Сюжет произведения, отдельные эпизоды, образ героя сближают его с русским героическим эпосом, что еще более подчеркнуто в переводе использованием элементов устной народной поэзии.
     Особой популярностью на Руси использовались также повести сказочно-дидактического характера, сюжеты которых восходят к литературам Древнего Востока. Особенностью их является обилие афоризмов и мудрых изречений, до которых средневековый читатель был большим охотником. Одной из них была «Повесть об Акире Премудром», возникшая в Ассиро-Вавилонии в VII-V веках до нашей эры. Это остросюжетное произведение, значительную часть которого составляют нравоучительные притчи.
     Одним из самых распространенных произведений мировой средневековой литературы является «Повесть о Варлааме и Иоасафе», известная в разных версиях более чем на 30 языках народов Азии, Европы и Африки. Повесть представляет собой христианскую версию жизнеописания Будды. В ней содержится большое количество нравоучительных притч, которые на понятных каждому бытовых примерах поясняют актуальные мировоззренческие проблемы. На Руси она была наиболее читаемым произведением на протяжении нескольких столетий, вплоть до XVII века. Эта повесть нашла отражение и в устном народном творчестве.
      Переводная литература способствовала обогащению и развитию оригинальной древнерусской литературы. Однако это не дает оснований связывать ее возникновение только с влиянием переводных произведений. Оно было вызвано внутренними политическими и культурными потребностями формирующегося раннефеодального общества. Переводная литература не предшествовала развитию русской оригинальной литературы, а сопутствовала ей.

                         

    Литература

     Русская письменная литература возникла на основе богатых традиций устного народного творчества, уходящего своими корнями в глубину столетий. За многими оригинальными произведениями древнерусской литературы стоит фольклор как один из важнейших источников. Устная поэзия оказала большое влияние на художественные особенности и идейную направленность письменной литературы, на формирование древнерусского языка.
      Характерная особенность русской средневековой литературы – ее острая публицистичность. Памятники литературы являются одновременно и памятниками общественной мысли. В основе их содержания – важнейшие проблемы общества и государства.
      Одним из основных оригинальных жанров формирующейся русской литературы стало летописание. Летописи – это не просто памятники литературы или исторической мысли. Они являются крупнейшими памятниками всей духовной культуры средневекового общества. В них воплотился широкий круг представлений и понятий того времени, отразилось многообразие явлений общественной жизни. На протяжении всего средневековья летописание играло важную роль в политической и культурной жизни страны .
      Самым значительным памятником летописания является «Повесть временных лет», написанная в 1113 году монахом Киево-Печерского монастыря Нестором и дошедшая до нас в составе более поздних летописных сводов XIV-XV веков.

 

     Однако «Повесть временных лет» — не самое первое летописное произведение. Ей предшествовали летописные своды. Можно считать точно установленным существование сводов, составленных в 70-х и 90-х годах: XI век в Киево-Печерском монастыре. Достаточно обоснованным является мнение о существовании Новгородского летописного свода 50-х годов XI века. Летописная работа велась и в других центрах. Отголоски летописных традиций, отличных от киево-печерской, обнаруживаются в более поздних летописных сводах.
     Что касается времени возникновения русского летописания и его начальных этапов, то здесь многое продолжает оставаться неясным. По этому вопросу существует несколько гипотез. А.А.Шахматов считал, что «Древнейший» свод был составлен в 1039 году в связи с установлением Киевской митрополии. По мнению Д.С.Лихачева, первым историческим произведением было «Сказание о первоначальном распространении христианства на Руси», составленное в 40-х годах XI века и послужившее основой для свода 70-х годов . М.Н.Тихомиров начало летописания связывал со «Сказанием о русских князьях» (Х век), составленным, по его мнению, после крещения Руси и имевшем нецерковный характер. Таким образом, становление оригинальной русской литературы связано с возникновением летописания, наиболее полно отразившего в себе ее характерные особенности.
      Как и всякая летопись», «Повесть временных лет» отличается сложностью состава и разнообразием включенного в нее материала. Кроме кратких погодных записей и более подробных рассказов о политических событиях, в нее вошли тексты дипломатических Ии юридических документов, и пересказы фольклорных преданий, и выдержки из памятников переводной литературы, и записи о явлениях природы, и самостоятельные литературные произведения – исторические повести, жития, богословские трактаты и поучения, похвальные слова. Это позволяет говорить о летописи, как о синтетическом памятнике средневековой культуры, как о своеобразной энциклопедии средневековых изданий. Но это не простая механическая сводка разнородного материала, а цельное произведение, отличающееся единством темы и идейного содержания.
     Цель труда сформулирована автором в его заглавии: «Се повести времяньных лет, откуду есть пошла Руская земля, кто в Киеве нача первее княжити, и откуду Руская земля стала есть». Из этих слов следует, что происхождение и история государства рассматривались автором в неразрывной связи с происхождением и историей киевской княжеской власти. При этом история Руси давалась на широком фоне всемирной истории.
      «Повесть временных лет» — памятник средневековой идеологии. Позиция автора сказалась и на отборе материала, и на оценках различных фактов и событий. Основное внимание уделено событиям политической истории, деяниям князей и других представителей знати. Хозяйственная жизнь и быт народа остаются в тени. К массовым народным движениям летописец относится враждебно, рассматривая их как «казнь божию». Отчетливо проявилось в летописи и религиозное мировоззрение ее составителя: конечную причину всех событий и поступков людей он видит в действии божественных сил, «провидения». Но за религиозными расхождениями и ссылками на волю Бога часто скрываются практический подход к действительности, попытки выявить реальные причинно-следственные связи между событиями.
     Послужив основной местных летописных сводов периода политической раздробленности, «Повесть временных лет» сыграла огромную роль в утверждении и сохранении идеи единства Руси в сознании последующих поколений, живших во времена княжеских усобиц и суровых испытаний монголо-татарского ига. Она оказала большое влияние на формирование самосознания русской народности на протяжении нескольких последующих столетий.
     С XII века начинается новый период в истории русского летописания. В условиях политической раздробленности оно приобретает областной характер. Значительно увеличивается количество центров летописания. Кроме Киева и Новгорода, летописи велись в Чернигове и Переяславле, В Полоцке и Смоленске, во Владимире и Ростове, и других городах. Летописцс сосредотачивали внимание на локальных событиях, рассматривая историю своих земель как продолжение истории Киевской Руси и сохраняя в составе местных летописей «Повесть временных лет». Создаются родовые княжеские летописи, жизнеописания отдельных князей, исторические повести об отношениях между князьями. Составителями зачастую были уже не монахи, а бояре и дружинники, а иногда и сами князья. Это усиливало светское направление в летописании.
     В летописании появлялась местные индивидуальные черты. Так, в Галицко-Волынской летописи, повествующей о жизни князя Даниила Романовича и отличающейся светским характером, главное внимание было уделено борьбе княжеской власти с непокорным боярством, описанию междоусобных войн. В летописи почти нет рассуждений религиозного характера, зато в ней явственно слышны отзвуки дружинной поэзии.
     Местный характер особенно отличает новогородское летописание, скрупулезно и точно фиксировавшее события внутригородской жизни. В нем наиболее полно отразилась демократическая направленность, роль городского населения в общественной жизни. Стиль новогородских летописей отличается простотой и деловитостью, отсутствием церковной риторики.
     Владимиро-Суздальское летописание отражало интересы все более усиливавшейся великокняжеской власти. Стремясь утвердить авторитет Владимиро-Суздальского княжества и обосновать притязания его князей на политическое и церковное главенство на Руси, летописцы не ограничивались описанием местных событий, а старались придать летописанию общерусский характер. Ведущая тенденция владимирских сводов – обоснование необходимости единой и сильной власти владимирского князя, которая представлялась преемницей власти великих князей киевских. Для этого широко использовалась религиозная аргументация.
     Один из древнейших памятников древнерусской литературы – «Слово о законе и благодати». Оно написано в 30-40 годах XI века придворным княжеским священником Иларионом, ставшим позднее первым киевским митрополитом из русских. Использовав форму церковной проповеди, Иларион создал политический трактат, в котором нашли отражение злободневные проблемы русской действительности. Противопоставляя «благодать» (христианство) «закону» (иудаизм), Иларион отвергает свойственное иудаизму понятие богоизбранничества и утверждает идею перенесения небесного внимания и расположения с одного избранного народа на все человечество, равноправия всех народов. Своим острием «Слово» направлено против притязаний Византии на культурное и политическое главенство в Восточной Европе. Этому положению Илларион противопоставляет идею равноправия всех христианских народов независимо от времени их крещения, выдвигает теорию всемирной истории как процесса постепенного и равного приобщения всех народов к христианству. Рус, приняв христианство, заняла достойное место среди других христианских государств. Тем самым дается религиозное обоснование государственной самостоятельности и международного значения Руси. «Слово» пронизано патриотическим пафосом, гордостью за Русскую землю.
     С борьбой Руси за утверждение церковной самостоятельности связано появление оригинальной житийной культуры. И для этого типично церковного жанра характерно проникновение в него публицистических мотивов. Разновидностью житийной литературы стали княжеские жития. Образцом такого жития является «Сказание о Борисе и Глебе». Культ Бориса и Глеба, ставших жертвами междоусобной борьбы (они были убиты в 1015 году их братом Святополком), имел глубокий политический смысл: он освящал идею, согласно которой все русские князья – братья. В то же время в произведении подчеркивалась обязанность «покорения» младших князей старшим. «Сказание» существенно отличается от канонического жития византийского типа. Основная его идея – не мученичество святых за веру, а единство Русской земли, осуждение княжеских междоусобиц. И по форме «Сказание», хотя в нем и использованы агиографические приемы, является, по существу, исторической повестью с точным названием имен, фактов, с подробным описанием реальных событий.
      Иным характером отличается написанное Нестором «Чтение о Борисе и Глебе». Оно значительно ближе к житийному канону. Удалив весь конкретный исторический материал, автор сделал изложение более отвлеченным, усилил назидательные и церковные элементы.
     Важные социальные, политические и нравственные проблемы затронуты в «Поучении» Владимира Мономаха. Это политическое и нравственное завещание выдающегося государственного деятеля, проникнутое глубокой тревогой за судьбу Руси, вступившей в сложный период своей истории. Состоявшийся в 1097 году в Любече княжеский съезд признал факт раздробленности Руси и, выдвинув принцип «кождо да держит отчину свою», санкционировал новую форму политического строя. «Поучение» Мономаха было попыткой предотвратить княжеские раздоры и сохранить единство Руси в условиях раздробленности. За требованиями соблюдать нормы христианской морали явно просматривается определенная политическая программ.
     Вопрос о княжеской власти в жизни государства, о ее обязанностях и способах осуществления становится одним из центральных в литературе. Возникает мысль о необходимости сильной власти как условия успешной борьбы с внешними врагами и преодоления внутренних противоречий. Этой мыслью пронизано «Моление Даниила Заточника» (первая четверть XIII века). Осуждая засилье бояр и чинимый ими произвол, автор создает идеальный образ князя – защитника сирот и вдов, всех обездоленных, заботящегося о своих подданных. Развивается идея о необходимости «княжеской грозы». Но под грозой имеются в виду не деспотизм и произвол, а дееспособность и надежность власти: только княжеская «сила и гроза» могут оградить «яко оградом твердым» подданных от произвола «сильных людей», преодолеть внутренние раздоры и обеспечить внешнюю безопасность. Актуальность проблемы, яркость языка, обили пословиц и афоризмов, остросатирические выпады против бояр и духовенства обеспечили этому произведению большую популярность на долгое время.
     Несомненно, наиболее выдающимся произведением древнерусской литературы, в котором нашли свое воплощение лучшие ее стороны, является «Слово о полку Игореве» (конец XII века). В нем повествуется о неудачном походе на половцев в 1185 году новгород-северского князя Игоря Святославовича. Но не описание этого похода является целью автора. Оно служит ему лишь поводом для размышления о судьбах Русской земли. Причины поражений в борьбе с кочевниками, причины бедствий Руси автор видит в княжеских междоусобицах, в эгоистической политике князей, жаждущих личной славы.
     «Слово о полку Игореве» — произведение общерусское, в нем нет местных черт. Оно свидетельствует о высоком патриотизме его автора, сумевшего подняться над узостью интересов своего княжества до высоты общерусских размеров. Центральным в «Слове» является образ Русской земли.
     Автор принадлежал к дружинной среде. Он постоянно пользовался свойственными ей понятиями «честь» и «слава», но наполнял их более широким, патриотическим содержанием.
     «Слово» — произведение светское. В нем отсутствуют церковная риторика, христианские символы и понятия. Оно тесно связано с устным народным творчеством, что проявляется в поэтическом одушевлении природы, в широком использовании языческой символики и образов языческой мифологии, а также типичных для фольклора форм и изобразительно-выразительных средств. О связи с народным творчеством  свидетельствуют и идейное содержание, и художественная форма произведения.
     В «Слове о полку Игореве» воплотились характерные черты древнерусской литературы этого периода: живая связь с исторической действительностью, гражданственность и патриотизм. Появление подобного шедевра свидетельствовало о высокой степени зрелости литературы Древней Руси, о ее самобытности, о высоком уровне развития культуры в целом.            

                              

Архитектура и живопись

     До конца Х века на Руси не было монументального каменного зодчества, но существовали богатые традиции деревянного строительства, некоторые формы которого повлияли впоследствии на каменную архитектуру. После принятия христианства начинается возведение каменных храмов, принципы строительства которых были заимствованы из Византии.
     На Руси получил распространение крестово-купольный тип храма. Внутреннее пространство здания делилось четырьмя массивными столбами, образуя в плане крест. На этих столбах, соединенных попарно арками, возводился «барабан», завершавшийся полусферическим куполом. Концы пространственного креста перекрывались цилиндрическими сводами, а угловые части – купольными сводами. Восточная часть здания имела выступы для алтаря – апсиды. Внутреннее пространство храма делилось столбами на нефы (межрядные пространства). Столбов в храме могло быть и больше. В западной части располагался балкон – хоры, где во время богослужения находились князь с семьей и его приближение. На хоры вела винтовая лестница, находившаяся в специально для этого предназначенной башне. Иногда хоры соединялись переходом с княжеским дворцом.
     Первой каменной постройкой была Десятинная церковь, возведенная к Киеве в конце Х века греческими мастерами. Она была разрушена монголо-татарами в 1240 году . В 1031-36 годах в Чернигове греческими зодчими был воздвигнут Спасо-Преображенский собор – самый «византийский», по мнению специалистов, храм Древней Руси.

 

     Вершиной южнорусского зодчества XI века является Софийский собор в Киеве – огромный пятинефный храм, построенный в 1037-1054 годах греческими и русскими мастерами. В древности он был окружен двумя открытыми галереями. Стены сложены из рядов тесанного камня, чередующихся с рядами плоского кирпича. Киевская София уже значительно отличалась от византийских образцов ступенчатой композицией храма, наличием тринадцати венчавших его куполов, в чем сказались, вероятно, традиции деревянного строительства. В XI веке в Киеве было возведено еще несколько каменных построек, в том числе и светских. 

     Вслед за киевской Софией были построены Софийские соборы в Новгороде и Полоцке. Новгородская София (1045-1060) существенно отличается от киевского собора. Она проще, лаконичнее, строже своего оригинала. Для нее характерны некоторые художественные и конструктивные решения, не известные ни южнороссийскому, ни византийскому зодчеству: кладка стен из огромных, неправильной формы камней, двускатные перекрытия, наличие лопаток на фасадах, аркатурный пояс на барабане и т.п. Частично это объясняется связями Новгорода с Западной Европой и влиянием романской архитектуры.

 

     С XII века начинается новый этап в развитии русского зодчества, которое отличается от архитектуры предшествующих времен меньшей масштабностью зданий, поисками простых, но в том же время выразительных форм. Наиболее типичным стал кубический храм с позакомарным покрытием и массивной главой.
      Со второй половины XII века заметно ослабевает византийское влияние, что ознаменовалось появлением в древнерусской архитектуре храмов башнеобразной формы, неведомой византийскому зодчеству. Наиболее ранним примером такого храма является собор Спасо-Ефросиниева монастыря в Полоцке, а также собор Михаила Архангела в Смоленске. Устремленность здания вверх подчеркивалась высоким стройным барабаном, вторым ярусом закомар и декоративными кокошниками у основания барабана.

 

     Заметнее становится влияние романского стиля. Оно не затрагивало основ древнерусской архитектуры – крестово-купольной конструкции храма с позакомарным покрытием, но сказалось на внешнем оформлении построек: аркатурные пояса, подобия контрфорсов на внешних стенах, группы полуколонн и пилястр, колончатые пояса на стенах, перспективные порталы и, наконец, причудливая каменная резьба на внешней поверхности стен. Использование элементов романского стиля распространилось в XII веке в Смоленском и Галицко-Волынском княжествах, а затем и во Владимиро-Суздальской Руси.
      К сожалению, памятники зодчества Галицко-Волынской земли сохранились плохо. 30 каменных построек Галича известны лишь по археологическим данным. Образцом местной архитектурной школы был Успенский собор, сооруженный в Галиче при Ярославе Осмомысле. Особенность Галицкой архитектуры состояла в органическом соединении византийско-киевской пространственной композиции с романской строительной техникой и элементами дороманского декоративного искусства.
     Установление в Новгороде республиканского строя привело к значительной демократизации культуры, что не могло на сказаться на архитектуре. Сокращалось княжеское строительство. Заказчиками церквей стали выступать бояре, купцы, коллективы прихожан. Церкви были центрами общественной жизни отдельных районов города, нередко они служили складом товаров, местом хранения имущества горожан, в них собирались братчины. Возник новый тип храма – четырехстопный кубический храм с одним куполом и тремя апсидами, отличавшийся небольшими размерами и простотой в оформлении фасадов.
     Древнейшим памятником псковской архитектуры является дошедшая до нас церковь Спаса в Мирожском монастыре (середина XII века), отличающаяся от новгородских построек отсутствием столбов. Приземистый трехглавый собор Ивановского монастыря напоминает церковь Спаса-Нередицы. Из памятников Старой Ладоги сохранились только церкви Георгия и Успения, близкие по своему архитектурному облику к новгородским памятникам.

 

     Каменное строительство во Владимиро-Суздальской земле начинается на рубеже XI-XII веков с возведением Владимиром Мономахом собора в Суздале, но наивысшего расцвета оно достигает в XII – начале XIII века. В отличие от суровой архитектуры Новгорода, зодчество Владимиро-Суздальской Руси носило парадный характер, отличалось изысканностью пропорций, изяществом линий.
     Влияние романской архитектуры особенно сказалось на владимиро-суздальском творчестве. Согласно летописи, Андрей Боголюбский, обстраивая свою столицу, собирал «из всех земель мастеров», среди них были и «латиняне».
     Большого подъема достигло строительство во Владимире при Андрее Боголюбском. Возводятся городские укрепления, от которых сохранились белокаменные Золотые ворота. В загородной княжеской резиденции Боголюбово был сооружен замок, состоявший из комплекса построек, окруженных стенами с белокаменными башнями. Собор Рождества Богородицы, являвшийся центром всего ансамбля, был соединен переходами с двухэтажным каменным дворцом.
     В последней четверти XII века завершается в основном возведением архитектурного ансамбля Владимира. После пожара 1184 года перестраивается и получает окончательные формы Успенский собор. Формируются ансамбли Рождественского (1192-1196) и Княгинина (1200-1201) монастырей.

     Традиции и приемы, выработанные мастерами владимирской школы, продолжали развиваться в Суздале, Юрьеве-Польском, Нижнем Новгороде. Георгиевский собор Юрьево-Польского был покрыт декоративной резьбой сверху донизу. Рельефные изображения на фоне сплошного коврового узора образовывали законченные сюжетные композиции. К сожалению, собор не сохранился в первоначальном виде.
      С принятием христианства из Византии на Русь пришли новые виды монументальной живописи – мозаика и фреска, а также станковая живопись (иконопись). Византия не только познакомила русских художников с новой для них техникой живописи, но и дала им иконографический канон, неизменность которого строго оберегалась церковью. Это в известной степени сковывало художественное творчество и предопределило более длительное и устойчивое византийское влияние в живописи, нежели в архитектуре.
      Самые ранние из сохранившихся произведений древнерусской живописи были созданы в Киеве. Согласно летописям, первые храмы украшали приезжие мастера-греки, которые привнесли в сложившуюся иконографию систему расположения сюжетов в интерьере храма, а также манеру плоскостного письма. Суровой красотой и монументальностью отличаются мозаики и фрески Софийского собора. Они выполнены в строгой и торжественной манере, свойственной византийской монументальной живописи. Их создатели мастерски использовали разнообразие оттенков смальты, искусно объединили мозаику с фреской. Из мозаичных работ особенно значительны изображения Христа Вседержателя в центральном куполе. Все изображения пронизаны идеей величия, торжества и незыблемости православной церкви и земной власти.
     Уникальными памятниками светской живописи являются росписи стен двух башен киевской Софии. Здесь изображены сцены княжеской охоты, цирковых состязаний, музыканты, скоморохи, акробаты, фантастические звери и птицы. По своему характеру они далеки от обычных церковных росписей. Среди фресок Софии – два групповых портрета семьи Ярослава Мудрого.

 

     Мозаики Златоверхого собора Михайловского монастыря отличаются довольно свободной композицией, живостью движений и индивидуальными характеристиками отдельных персонажей. Хорошо известно мозаичное изображение Дмитрия Солунского – воина в золоченом панцире и синем плаще. К началу XII века дорогая и трудоемкая мозаика полностью вытесняется фреской.

 

     В XII-XIII веках в живописи отдельных культурных центров все заметнее проявляются местные особенности. Во второй половине XII века формируется специфический новгородский стиль монументальной живописи, который достигает наиболее полного выражения в росписях церквей Георгия в Старой Ладоге, Благовещения в Аркажах и особенно Спаса-Нередицы. В этих фресковых циклах, в отличие от киевских, заметно стремление к упрощению художественных приемов, к экспрессивной трактовке иконографических типов, что диктовалось желанием создать искусство, доступное для восприятия неискушенного в теологических тонкостях человека, способное воздействовать на его чувства. В меньшей степени демократизм новгородского искусства проявился в станковой живописи, где местные черты выражен слабее. К новгородской школе относится икона «Ангел Златые власы», привлекающая внимание лиризмом образа и светлым колоритом.

 

     От живописи Владимиро-Суздальской Руси домонгольского времени до нас дошли фрагменты фресок Дмитриевского и Успенского соборов во Владимире и церкви Бориса и Глеба в Кидекше, а также несколько икон. Основываясь на этом материале, исследователи считают возможным говорить о постепенном становлении владимиро-суздальской школы живописи. Наилучшей сохранностью отличается фреска Дмитриевского собора с изображением Страшного суда. Она создана двумя мастерами – греком и русским. Лики апостолов и ангелов, принадлежащие кисти русского мастера, проще и задушевнее, они наделены добротой и мягкостью в них нет напряженного психологизма, свойственного манере греческого мастера. К владимиро-суздальской школе относятся несколько больших икон XII – начала XIII веков. Самой ранней из них является «Боголюбская Богоматерь» (середина XII века), стилистически близкая к знаменитой «Владимирской Богоматери» — иконе византийского происхождения. Большой интерес представляет икона «Дмитрий Солунский». Дмитрий изображен сидящим на троне в дорогих одеждах, в венце, с полуобнаженным мечом в руках.
     Распространение письменности, появление рукописных книг привело к возникновению еще одного вида живописи – книжной миниатюры . Древнейшие русские миниатюры имеются в «Остромировом Евангелии», где помещены изображения трех евангелистов. Яркое орнаментальное окружение их фигур и обилие золота делают эти иллюстрации похожими на ювелирное изделие. В «Изборнике» князя Святослава (1073) помещена миниатюра, изображающая семью князя, а также рисунки на полях, имеющие сходство со светской живописью киевской Софии. 
               
     Несмотря на свою относительную простоту, русская средневековая культура была важным компонентом средневекового мира. В этот период сформировались особенности отечественной культуры, определявшие ее самобытность и национальные основы. Традиционализм, локальность, приоритет религиозного мировоззрения были характерными чертами духовной жизни средневекового общества.
     Развитие древнерусской культуры основывалось как на наследии восточных славян, так и на творчески переработанных достижениях культуры других стран, главным образом, Византии. Самым важным событием этого периода было принятие христианства, способствовавшее развитию контактов с Византией и переработке языческих традиций на новой почве.
     Образование централизованного Российского государства переопределило характер и направление историко-культурного процесса. Это время отмечено большими достижениями в различных сферах культуры и искусства, завершением в целом формирования великорусской народности.
     Главным содержанием культурно-исторического процесса XVII века, завершающего период средневековья, является начавшееся разрушение религиозного мировоззрения, развитие светских элементов в культуре.
     Культура и искусство Древней Руси не стали простым продолжением культуры предшествующего времени. Глубокие изменения в социально-экономической и политической жизни, выразившиеся в вызревании феодальных отношений, в возникновении государства и в формировании древнерусской народности, привели к качественным сдвигам в жизни славян и обусловили быстрый подъем в развитии, в результате которого их культура за сравнительно короткий исторический период достигла высокого уровня и заняла достойное место в мировой средневековой культуре.

Искусство Киевской Руси

Особенности мироотношения древнерусской культуры периода Киевской Руси

Для культуры Киевской Руси в целом характерно принятие принципов православного мироотношения с включением в него элементов языческой картины мира.

Православное представление о едином Боге, представленном в трех лицах органично соединилось с языческим трехликим солнечным божеством, объединявшим в себе функции создателя мира, подателя благ и творящей энергии.

Образ Богоматери слился с образом языческой богини Макоши — посредницы между миром земным и миром небесным.

Функции избранного посредника среди людей (патриарха и императора) в древней Руси выполнял князь, который еще с языческих времен считался связующим звеном между миром людей и миром богов.

Православие сыграло роль объединительного основания древнерусского государства, сцементировавшее его на уровне мировоззрения.

Вместе с принятием новой веры Русь приняла и каноны византийского искусства с его характерными особенностями: символичностью, условностью, религиозностью, регламентированностью.

Общие особенности древнерусской храмовой архитектуры Киевской Руси

Археологические исследования, проведенные в XX столетии практически на всей территории Древней Руси, включая такие ее значимые центры, как Киев, Чернигов, Новгород, Смоленск, позволили утверждать, что вплоть до конца X века всё культовое строительство на Руси осуществлялось из дерева. Белокаменной или кирпичной храмовой архитектуры древнерусское зодчество до этого времени не знало.

В результате принятия Русью христианства по византийскому образчику, события, включенного под 986-988-ом годами в «Повесть временных лет», вместе со сводом религиозных идей и ритуалом литургии древнерусская культура вобрала в свои пределы тип крестово-купольного храма, получивший овеществление в культовых произведениях художественного стиля Византийский классицизм.

Каменные храмы X-XI веков, в той или иной степени сохранившиеся в Киеве и других крупнейших русских городах, убедительно демонстрируют, что все они построены на основе стиля Византийский классицизм.

На русской земле изначальные крестово-купольные церкви возводились исключительно по проектам византийских мастеров. Известно, что на первых порах всеобщего и безоговорочного принятия нашим отечеством православия Византия целыми бригадами отправляла на Русь своих столичных и провинциальных архитекторов для организации и возглавления ими на новых христианских землях культовой строительной деятельности.

Так, с греческими зодчими связано создание Десятинной церкви в Киеве в конце X века, черниговского Спасского, а также киевского, новгородского и полоцкого Софийских соборов в первой половине XI века, Успенского собора Печерского монастыря и Кловского собора в 1070-е годы, начало храмового строительства в Чернигове и Переяславле в 1080-х годах.

Однако миссионерская функция, которой должны были соответствовать первые древнерусские храмы, с неизбежностью придала им внешний и внутренний облик, значительно отличный от церковных стандартов Византийского классицизма.

Архитекторы Византии, строя на Руси каменные церкви, вынуждены были учитывать традицию древнерусского деревянного культового зодчества, в которой был воспитан художественный вкус подавляющего большинства, людей, обращаемых из язычества в православное христианство. Необходимость сближения новых храмовых форм с традиционным культовым зодчеством славянских племен заставила византийских мастеров принять во многом иную, чем они привыкли на родине, схему планового и объемного решения возводимых на Руси крестово-купольных церквей. В частности, это привело к неведомой Византии общей пирамидальной композиции изначальных древнерусских соборов, образованной посредством ступенчатого размещения архитектурных объемов, ярус за ярусом понижающихся от центра к периферии и сверху вниз.

На Руси с первых лет массовой христианизации строятся крестово-купольные храмы весьма внушительных размеров, тогда как в Византии в это время возводятся в основном небольшие церкви. При этом для главных каменных соборов, создаваемых в стольном Киеве и других важнейших городах русских, выбирались наиболее возвышенные места, дополнительно подчеркивающие господствующее положение этих церковных зданий по отношению к окружавшей их в основном одноэтажной застройке.

Византийские зодчие, строя церкви на своей родине, главное внимание уделяли композиционному решению их интерьеров, тогда как, оказавшись на русской земле, они занимались тщательной разработкой храмовых экстерьеров.

Первые древнерусские соборы уже эманационным характером своих наружных объемов должны были способствовать обращению язычников в христианскую веру.

Для византийского зодчества того времени были характерны четырехстолпные храмы. На русской же земле создавались православные церкви, снабженные дополнительными столбами для выделения с их помощью в западной части церкви зон нартекса и экзонартекса. Образованные здесь помещения, которые напрочь отсутствовали в византийской культовой архитектуре X-XI веков, были предназначены для большого числа неофитов и оглашенных, то есть тех людей, которые, во-первых, еще лишь готовясь к крещению, изучали христианское учение (оглашенные), и, во-вторых, для тех, кто только что принял обряд крещения и недавно стал новообращенным членом православного сообщества (неофиты). Неофиты, не допускаясь в основное помещение церкви, размещались в пространстве нартекса, а для оглашенных предназначались экзонартексы и площадки перед храмовыми фасадами.

Практически все первые каменные храмы, возведенные на Руси, были обустроены примыкавшими в основному церковному объему, но относительно самостоятельными храмиками-крещальнями, что опять-таки не было присуще культовым памятникам Византии той поры. В отличие от византийских церквей, изначальные древнерусские крестово-купольные храмы имели специальные лестничные башни, крытые сверху пологими шатрами или увенчанные куполами. Эти, как правило, круглые в плане башни предназначались для всхода на хоры, которые занимали на втором ярусе западную часть церковного помещения.

Не знакомо византийское зодчество было и с очень большими хорами, в основном предназначавшимися для значительного количества верующих женщин, уже прошедших через обряд крещения и должных совершать богослужение в особом приуготовленном для них храмовом пространстве.

Изначальные христианские соборы, строившиеся в Киеве и крупных городах Руси, были снабжены несколькими рядами одно и двухъярусных галерей, примыкающих с севера и юга к их основному трехнефному объему. Эти галереи превратили данные здания в пяти, и даже, как, например, в Софии Киевской, в девятинефные сооружения, тогда как Византия не знала девятинефных храмов и в редких случаях прибегала к постройке пятинефных культовых зданий. Подобной системой подсобных комнат, по большей мере назначенных для проведения весьма пышных патриарших служб, в Византии обустроен лишь собор Софии Константинопольской.

Не знало византийское зодчество и первоначально активно применявшегося на Руси храмового тринадцатиглавия, не говоря уже о двадцати пятиглавии.

Возведение на Руси каменных храмов потребовало от византийских зодчих обязательного использования и местных строительных кадров, и местных строительных материалов, что не могло не придать дополнительное своеобразие блику отечественных крестовокупольных церквей.

Специфика древнерусской храмовой архитектуры периода Ярослава Мудрого: София Киевская и София Новгородская

В храмовой архитектуре Киевской Руси принято выделять три сооружения — Десятинная церковь, София Киевская и София Новгородская.

Церковь Успения Богородицы в Киеве стала изначальным каменным православным храмом, построенным на русской земле князем Владимиром Святославичем. Строительство здания продолжалось с 989-ого по 996-ой год. На содержание церкви была выделена «десятина» княжеских доходов, отчего данную церковь стали называть храмом Богородицы Десятинной.

Архитектурные объемы церкви, ступенчато понижаясь, расходились от центральной главы здания вплоть до его боковых галерей, апсид и экзонартексов и тем самым содействовали энергетическому истоку с неба на землю заповедей божественного благослово-воления, обращенные к тем жителям Киева, кто решил жить по уставу христиански православной веры.

Собор Святой Софии Киевской. Последние исследования дали основание предположить, что Софийский собор был заложен зодчими из Византии в центре столицы древнерусского государства не позднее 1017-ого года. Завершено строительство храма произошло, по-видимому, в начале 1040-х годов.

Собор, получивший еще в XVII веке наружное переоформление в стиле украинского Барокко, дошел до наших дней практически целиком.

Сопоставление планов Десятинной церкви и Софийского собора показывает, что митрополичий кафедральный храм Киева строился с явной ориентацией на структуру более ранней церкви Успения Богородицы.

Ядро собора Святой Софии Киевской представляет собою трехнефный и шестистолпный храм.

Собор Софии Киевской — подлинный шедевр древнерусского искусства. В последующие периоды развития зодчества на Руси его архитектурные формы явились некоей эталонной матрицей и для храмов сугубо эманационного содержания, и для церковных сооружений преимущественно имманационного характера, и для высочайшего качества православно культовых зданий-шедевров, своими архитектурными объемами интегрирующих божественно диктатные и человечески энтузиазные стремления.

Софийский собор в Новгороде представляет собой храм, основывающийся на матрице киевского прообраза, но внешне больше напоминающий романскую крепость, сложенную из грубо отесанных новгородских камней с толстыми стенами, узкими окнами и мощными барабанами.

София Новгородская была призвана выполнять миссионерскую функцию в особом непокорном и самобытном месте, поэтому формы ее, с одной стороны, фиксируют особость Новгорода, а с другой — в большей мере представляют божественный диктат, божественные законы, отлитые в камне.

Учебные материалы — МБУДО «Художественная школа»

Выражаем глубокую признательность родителям учащихся, оказавших поддержку школе в это трудное время!

Положение о дистанционном обучении, Форма заявления на дистанционное обучение. Советы родителям по дистанционному обучению.

Ниже — задания дистанционного обучения для учащихся по классам и ссылки на внешние образовательные ресурсы.

предпрофессиональная программа «Живопись», срок обучения 8 лет
классы II-А, III-А	классы II-Б, III-Б	классы II-В, III-В	классы IV-А, IV-В
классы IV-Б, V-Б	классы V-А, V-В	классы VI-Б, VII-Б	классы VI-А, VI-В
классы VII-А, VII-В
предпрофессиональная программа «Живопись», срок обучения 5 лет
классы 1-А, 1-Б	классы 2-Б, 3-Б	класс 4-В
классы 5-А, 5-Б	классы 5-В, 5-Г	классы 5-Д, 5-Е
предпрофессиональная программа «Архитектура», срок обучения 5 лет
классы 1-В, 1-Г	класс 2-В	класс 3-А класс 3-В	класс 4-А
предпрофессиональная программа «Декоративно-прикладное творчество», срок обучения 5 лет
классы 1-Д, 1-Е
общеразвивающая программа «Основы ИЗО», срок обучения 4 года
класс 1-И	класс 2-И	класс 3-И	класс 4-И
общеразвивающая программа «Школа маленьких художников»		общеразвивающая программа «Краски детства»	общеразвивающие программы «Основы дизайна» и «Основы архитектуры»
классы  II-Г, III-Г, III-Д		класс III-Ж	классы 10, 11

Для предметов «История изобразительного искусства» предпрофессиональной программы «Живопись», «История изобразительного искусства и архитектуры» предпрофессиональной программы «Архитектура»:

Цикл видеолекций директора Новоуральской ДХШ В.В. Лазаренко: Василий Суриков — гениальный ясновидец прошлого,
К юбилею Ильи Репина: взгляд из атомной провинции,
Сюжеты и образы древнерусской живописи,
Древнерусская архитектура. Великий Новгород,
Андрей Рублев – путь художника и инока,
Древнерусская архитектура. Зодчество Владимиро-Суздальской Руси,
Иконографические образы Богоматери в древнерусском искусстве,
Иконографические образы Спасителя в древнерусском искусстве

Видеолекция «История искусств с Марией Александровной» по теме «Ансамбль Афинского Акрополя» — https://www.youtube.com/watch?v=ottZQiYiNJ0

к теме «Искусство Киевской Руси» — фильм «Памятники культуры Древней Руси». Реж. Р. Желыбина. «Школфильм», 1974  https://www.youtube.com/watch?time_continue=441&v=NSM7Eh953X0&feature=emb_logo

к теме «Византийская иконопись» (мозаики Равенны) — видеоролик (YouTube) «Равеннское пение» (римовизантийское), V-VIII вв.  https://www.youtube.com/watch?time_continue=114&v=1GF_Uof2-UE&feature=emb_logo

к теме «Искусство Новгорода. Крестово-купольный тип храма» — видеосюжет (YouTube) «Софийский собор» (автор текста Леонид Лопаницын) https://www.youtube.com/watch?v=jOKlBTIkn1c

Образовательные ресурсы свободного доступа по рекомендациям федерального «Института развития образования в сфере культуры и искусства» — здесь.

Живопись акварелью: канал YouTube  Залегиной Е.В.  (член Союза художников РФ, преподаватель, автор учебных программ, методик, г. Москва)

ГБУДО г. Москвы «Детская школа искусств №17»: Образовательные программы

ГБУДО г. Москвы «Детская школа искусств №17» Учреждение, подведомственное Департаменту культуры
города Москвы

• Сведения об образовательной организации
  • Основные сведения
    • Основные сведения
    • Структура и органы управления образовательной организацией
    • Документы
    • Образование
    • Образовательные стандарты
    • Материально-техническое обеспечение и оснащенность образовательного процесса
    • Стипендии и иные виды материальной поддержки
    • Платные образовательные услуги
    • Финансово-хозяйственная деятельность
    • Вакантные места для приема (перевода)
    • Уголок потребителя
    • Противодействие коррупции
    • Доступная среда
    • Международное сотрудничество
  • Структура и органы управления образовательной организацией
  • Документы
    • Документы
    • Нормативно-правовые акты (законодательство)
    • Результаты плановых проверок
  • Образование
  • Образовательные стандарты
  • Материально-техническое обеспечение и оснащенность образовательного процесса
  • Стипендии и иные виды материальной поддержки
  • Финансово-хозяйственная деятельность
  • Вакантные места для приема (перевода)
  • Уголок потребителя
  • Противодействие коррупции
  • Доступная среда
  • Международное сотрудничество
• О школе
  • История школы
  • Педагогический состав
  • Творческие коллективы
  • Наши достижения
    • 2011-2012 учебный год
    • 2012-2013 учебный год
    • 2013-2014 учебный год
    • 2014-2015 учебный год
    • 2015-2016 учебный год
    • 2016-2017 учебный год
    • 2017-2018 учебный год
    • 2018-2019 учебный год
    • 2019-2020 учебный год
    • 2020-2021 учебный год
  • Независимая оценка качества
  • Сведения о состоянии музыкальных инструментов
  • Организации культуры
  • Доступная среда
• Новости
• Образование
  • Образовательные программы
  • Вакантные места для приема (перевода)
  • Наши учащиеся
  • План-график занятий
  • Платные образовательные услуги
  • Прием
  • Рабочие и учебные планы
  • Расписание занятий
  • Электронная нотная библиотека
  • Дистанционное обучение
• Творчество
  • Творческие мероприятия
    • Выставки
    • Отчетные концерты школы
    • Фестиваль «Северные звёздочки»
    • Концерты в музее-заповеднике «Абрамцево»
    • Всероссийская неделя музыки для детей и юношества
    • С любовью к Пушкину
    • К 200-летию И.СК.Тургенева
    • Аксаковский концерт
    • Видео
  • Выставки
    • Выставки
    • Творческие мероприятия
    • Абрамцевская богиня
    • Крым. С фотокамерой по маршруту путешествия А. С. Пушкина
    • САВВА МАМОНТОВ: «Мелкие факты жизни»
    • Выставка, посвященная памяти художника Геннадия Дегтярёва
    • Этюды в керамике и акварели
    • ВЫСТАВКА Л.Г.ЕРМИЛОВОЙ «БЕРЕГА»
    • Оксана Бирева «Мои ступени в искусстве»
    • «Савва Мамонтов: «Спеши жить…»
    • Светлана Богатырь
    • Выставка Оксаны Биревой «Живет по всюду красота»
    • ВИТАЛИЙ ГОРЯЕВ ИЗ ЦИКЛА «ГРАФИЧЕСКИЕ СЕРИИ. ПУШКИН.»
    • Виталий Горяев «Графические серии.Пушкин»
    • Фотовыставка Олега Листопадова «НАШ КРЫМ»
    • Алексей Миронов
    • «Абрамцево и Русская частная Опера С.И.Мамонтова»
    • Татьяна Маврина
    • Выставка Василия Нестеренко
    • Инесса и Рашид Азбухановы
  • Отчетные концерты школы
    • Творческие мероприятия
    • Отчетные концерты школы
    • 1993 год
    • 2008 год
    • 2009 год
    • 2010 год
    • 2011 год
    • 2012 год
    • 2013 год
    • 2014 год
    • 2015 год
    • 2016 год
    • 2017 год
    • 2018 год
    • 2019 год
  • Фестиваль «Северные звёздочки»
  • Концерты в музее-заповеднике «Абрамцево»
    • Творческие мероприятия
    • Выставки
    • Отчетные концерты школы
    • Фестиваль «Северные звёздочки»
    • Концерты в музее-заповеднике «Абрамцево»
    • Всероссийская неделя музыки для детей и юношества
    • С любовью к Пушкину
    • К 200-летию И.СК.Тургенева
    • Аксаковский концерт
    • Видео
  • Всероссийская неделя музыки для детей и юношества
  • «С любовью к А.С.Пушкину»
  • К 200-летию И.СК.Тургенева
  • Аксаковский концерт
  • Видео
    • Творческие мероприятия
    • Видео
    • Фестиваль юных вокалистов им. Шуберта (2018)
    • Фестиваль юных вокалистов «Мелодии моей души» им. Ф. Шаляпина
    • Литературно-музыкальная композиция «Пионерия»
    • Фестиваль им. Н.Юреневой
    • Фестиваль «Русская вокальная миниатюра 19 века»
    • М. Мусоргский «Картинки с выставки»
    • Московский фестиваль детских хоровых коллективов «Хоровая весна – 2019»
    • Гранты Мэра Москвы
    • Волшебная лира — 2019
    • IV Московский фестиваль камерных хоров «Россия-Родина моя»
    • Отчетный концерт народного отделения 2019
    • Сольный концерт Майорова Дениса
    • Фестиваль актёрской песни в ДШИ «Надежда»
    • Посвящение в юные исполнители
    • Сольный концерт Марии Селеверстовой в Большом зале ДШИ №17
    • VII Московский открытый конкурс юных исполнителей на струнных народных инструментах им. В.В.Андреева
    • Быстрых Алексей на Гала концерте фестиваля апрель 2018
    • Концерт школы искусств в детском саду
    • Концерт В.П.Тиняковой
    • Концертмейстер приглашает солиста
    • Концерт отдела общего фортепиано
    • Спектакль «Пробуждение чувств»
    • Онлайн-концерт «Синий май»
    • Онлайн-концерт посвященный Дню Победы
    • Онлайн-концерт посвященный «Дню защиты детей»
    • Онлайн-концерт посвященный Параду Победы (24.06.2020)
• Контакты
  • Вопросы и ответы

• Главная
• Образовательная деятельность
• Образовательные программы
• Театральное

• Английский язык
• Московское долголетие
• Хоровое пение и Музыкальный фольклор
• Раннее эстетическое развитие
• Театральное искусство
• Хореографическое искусство
• Струнные инструменты
• Духовые инструменты
• Клавишные народные инструменты
• Струнные народные инструменты
• Фортепиано
• Изобразительное искусство
• Дистанционное обучение

• Образовательные программы
• Вакантные места для приема (перевода)
• Наши учащиеся
• План-график занятий
• Платные образовательные услуги
• Прием
• Рабочие и учебные планы
• Расписание занятий
• Электронная нотная библиотека
• Дистанционное обучение

Написать нам

Важные объявления

18

авг

Список-рейтинг от 17.08.2021

01

июл

Правила безопасности в летний период 2021

Все объявления

Календарь событий

Русское искусство и архитектура

В русском искусстве начала XIX века прослеживаются противоположные тенденции. Самые успешные художники, такие как Карл Брюллов, овладели всеми аспектами европейской живописи и провели много лет за границей. Наибольшую известность Брюллов получил благодаря драматической картине «Последний день Помпеи» (1830-33). Лучшими портретистами были Орест Кипренский и Василий Тропинин. Оба они были крестьянскими сыновьями, которым дали возможность учиться в Академии. Александр Иванов был крупным художником религиозных сюжетов.

Алексей Венецианов был первым художником, отказавшимся от исторических и религиозных сюжетов. Вместо этого его главными подданными были крестьяне, работавшие в его имении. Внимательное наблюдение Венециановым над бытовыми сценами открыло путь реалистическому движению.

К 1860-м годам многие художники были озабочены тяжелой жизнью крестьян и другими социальными проблемами. Иван Крамской и Василий Перов работали в стиле критического реализма. Они хотели написать работы, показывающие, какой на самом деле была жизнь в России.И они хотели выставить эти работы по всей стране.

В 1871 году Крамской и другие основали Товарищество передвижных художественных выставок. Илья Репин был самым одаренным и известным из этой группы. Его «Бурлаки на Волге» (1871-73 гг.) Показали тяжелый труд баржистов и необъятность реки в знакомой и поразительной манере. Ассоциация оставалась активной до 1900-х годов. Однако к концу 1800-х годов многие русские художники начали искать новые художественные ценности за пределами реализма.

Выдающиеся молодые художники учились у Репина и других реалистов. Но этих художников больше заботил стиль, чем содержание или послание работы. Их картины, будь то портреты, пейзажи или предметы из литературы, часто подчеркивали настроение или впечатление. Среди этих художников были Валентин Серов, Исаак Левитан и Михаил Врубель.

Одна группа пошла еще дальше в продвижении «искусства ради искусства». Возглавляемые Александром Бенуа и меценатом искусства и танца Сергеем Дягилевым, в 1898 году они сформировали общество, известное как Мир искусства.Через художественные выставки и журнал эта группа познакомила Россию с современным европейским искусством. Он также познакомил европейскую публику с русским искусством.

В архитектуре и декоративном искусстве европейские стили соединились со стилями ранней Руси. В этом стиле были построены церкви, магазины, общественные здания и жилые дома. Он стал известен как «Русское Возрождение». Возродились ранние стили живописи и декора кремлевских мастеров и народных мастеров. Любовь к драгоценным материалам и тонкое мастерство лучше всего проявляется в украшенных драгоценными камнями эмалевых пасхальных яйцах, сделанных для королевской семьи ювелиром Карлом Фаберже.

Русская архитектура — Художественная роспись из бумаги

Нас вдохновила русская художница Наталья Гончарова на создание этих прекрасных красочных зданий, вдохновленных архитектурой, обычно встречающейся в России. Художники моего 6-го класса создали свои здания в русском стиле как часть более крупной росписи, как Наталья создала для театра балета.

О художнике:

Наталья Гончарова, художник, иллюстратор, художник по декорациям и костюмам, родилась в 1881 году в обеспеченной семье в Нагаево, Россия.Ее отец был архитектором и потомком Александра Пушкина, известного поэта, прозаика и легендарной русской иконы. Когда Наталья была маленькой девочкой, она жила в большом загородном имении бабушки, где на всю жизнь полюбила деревню и природу. Однако, несмотря на их элитарные семейные узы, семья сильно пострадала. Когда Наталье было десять лет, ее отец перевез семью в Москву в поисках лучших финансовых возможностей.

В 1901 г. поступила в Московский институт живописи, скульптуры и архитектуры.Она начала с изучения скульптуры, но позже перешла к живописи, при поддержке своего друга и однокурсника-художника. В это время на нее сильно повлияли ее французские современники, такие как Сезанн, Гоген и Матисс, и в то же время она познала невероятную важность и ценность русского искусства.

Ее переезд в Париж в 1914 году дал ей возможность работать художником-оформителем местного театра. Эта работа повлияла на ее картины 1920-х годов и вдохновила ее на путешествия, особенно в Испанию, страну, которую она обожала.

Требуются припасы

• Белая сульфитная бумага
• Температурная краска
• Кисти для рисования
• Карандаши
• Ножницы

Этапы создания

Нарисуйте свои здания, посмотрев несколько вдохновляющих фотографий декораций театра Натальи.

Покрасьте здания темперной краской, следя за тем, чтобы здания одного цвета не касались друг друга. Добавьте забавные узоры к зданиям, например узоры в церкви Св.Собор Василия Блаженного. Прочтите это сообщение в блоге, чтобы узнать больше о вдохновляющих моделях.

Обведите здания и узоры черной темперной краской. Дайте высохнуть.

Вырежьте и соберите все здания, чтобы создать одну большую фреску.

При желании добавьте декоративные элементы. Мы добавили популярные русские предметы, такие как матрешки, цветы и, конечно же, замечательный собор Василия Блаженного. Ознакомьтесь с этими другими сообщениями в блоге, чтобы получить больше вдохновения.

Россия 1900: ИСКУССТВО И КУЛЬТУРА В ИМПЕРИИ ПОСЛЕДНЕГО ЦАРЯ

Задуманная как культурно-историческая, выставка ставит своей целью представить малоизвестное в Германии русское искусство конца XIX — начала XX века, параллельно с западноевропейским декоративно-литературным движением «Stilkunst» (The Искусство стиля).В центре внимания — уникальная российская интеграция различных форм искусства того времени, а также идей и мыслей, которые их вдохновляли и питали. Диалог между традиционными, народными и романтическими произведениями и произведениями, демонстрирующими интернациональное и модернистское влияние, увеличивает разнообразие выставки.

За время правления последнего русского царя Николая II в России происходили драматические изменения; кризисы и войны, с одной стороны, сопровождались периодом экономического роста и расцвета культуры.На рубеже 20-го века многие новые события затронули Российскую империю. Дореволюционное искусство России было искусством переходного периода, тесно связавшим традиции и проблемы современности. Поиск новых форм художественного выражения глубоко укоренился в то время: символизм, модернизм, а также романтизм и типичный для русского искусства неопримитивизм были зеркалами, в которых находили глубокие изменения, происходящие как в Российской империи, так и за ее пределами. их отражение.

Сложные отношения между сторонниками уникального «русского пути» и теми, кто больше ориентировался на западную культуру, были характерной чертой развития русского искусства того периода.Народные корни, народное творчество и национальные мотивы в архитектуре и декоративном орнаменте, вновь открытые славянофилами, достигли пика своего выражения в «неорусском» стиле, с его оригинальными чертами, охватывающими все формы искусства. Сила и поэтика Древнерусские источники послужили источником вдохновения для таких представителей раннего авангарда, как Василий Кандинский.

Русский «национальный» романтизм, также известный как «русский стиль», был одним из самых оригинальных направлений, нашедших свои проявления во всех видах искусства.В своих работах многие художники того времени обращались к темам из древнерусских мифов и легенд, к предметам традиционного народного творчества, ремеслам, типичным и традиционным архитектурным формам и декоративным формам — всему, что передается из поколения в поколение. Близость к фольклору, сказочность и яркие краски стали наиболее узнаваемыми чертами русского искусства начала ХХ века.

Благодаря поддержке крупных меценатов, колонии художников в Абрамцево и Талашкино стали ключевыми центрами искусства, к которым тяготели такие художники, как Виктор Васнецов, Михаил Врубель и Елена Поленова.Их интегрированный полный стиль работы, объединяющий художественные произведения и народные промыслы, стал русской версией британского движения декоративно-прикладного искусства конца XIX века с целью восстановления средневековых ремесел.

Стиль колоний этих художников и созданные ими произведения напоминают колонию художников (Kunstlerkolonie) в Матильденхоэ в Германии, которая служила источником глобальных идей и которая стала известна благодаря работам мастеров того периода — хотя в конечном итоге их искусство стало воплощением стиля модерн во всех его проявлениях.

В искусстве было еще одно направление, которое развивалось и, наконец, пришло в Европу одновременно с русским стилем. Развиваясь отчасти как имитация, а отчасти как совершенно независимая интерпретация международных тенденций, это движение ясно проявилось в искусстве и графике, архитектуре и декоративном искусстве. Точно так же национальные версии символизма и югендстиля (немецкого модернизма) развивались в других европейских странах. Такое совпадение художественных течений было не случайным: многие русские художники посещали западные культурные центры, а некоторые получали образование за рубежом.

Санкт-Петербургское общество художников «Мир искусства» сыграло ключевую роль в формировании новых принципов русского искусства. Между 1899 и 1904 годами это общество издавало одноименный журнал «манифест». Такие известные живописцы и художники, как Филипп Малявин, Михаил Врубель и Иван Билибин, входили в группу, возглавляемую художником и сценографом Львом (Леоном) Бакстом и Сергеем Дягилевым, будущим балетным предпринимателем.

Таким же образом и в соответствии с идеалами универсальности искусства того времени, русский модерн, который в России стал называться модернизмом, охватил все формы искусства — живопись, рисунок, архитектуру, декоративно-прикладное искусство. , а особенно в России театр.Представители подающего надежды буржуазии были аудиторией и заказчиками архитектурных планов жилых домов и модернистского декоративного оформления их интерьеров. Наряду с такими особняками московского модерна до наших дней сохранились многочисленные эскизы и мебель известного архитектора Федора Шехтеля.

Династия Гессен-Дармштадт и Романовы

Похоже, что Матильденхоэ в Дармштадте было суждено стать местом проведения этой выставки русского искусства 1900-х годов.Русская часовня во всемирно известном модернистском ансамбле продолжает служить памятником династическим связям Великого княжества Гессен-Дармштадт и Российского Императорского Дома. В 1894 году последний русский царь Николай II (1868-1918) женился на принцессе Аликс Гессенской (1872-1918). Тем не менее, это был не первый брак, в котором Романовы и правители Великого княжества Гессен объединились: бабушка Николая, принцесса Мария (1824–1880 гг.), Была из семьи Гессенского герцогства.

А в 1884 году, до того, как принцесса Аликс стала частью российской императорской семьи, ее старшая сестра Елизавета вышла замуж за великого князя Сергея, дядю Николая.До 1912 года императорская семья часто бывала в Дармштадте.

Такие династические связи неизбежно повлияли на культурные контакты. Так, в первую выставку колонии художников Дармштадта в 1901 году вошли работы художников из группы «Мир искусства». В 1902 году Иосифа Мария Ольбрих был приглашен с ответным визитом в Москву для участия в выставке «Архитектура модернизма и искусство нового стиля».

Русская часовня Святой Марии Магдалины, одно из самых выдающихся строений на Матильденхоэ — Muse Hill, — еще один архитектурный памятник, ярко свидетельствующий о тесных связях Дармштадта с Россией в конце 19 — начале 20 века.Часовня в Дармштадте была построена на земле, подаренной великим князем Эрнстом Людвигом своему зятю, и 8 октября 1899 года она была освящена как частная часовня русского царя. Его спроектировал ректор Петербургской Академии художеств профессор Леонтий (Николаевич) Бенуа (1856-1928) в стиле ранних ярославских церквей. Внешнее убранство и интерьер часовни представляют собой выдающийся образец русского искусства 1900-х годов. Он приобрел культурно-историческое значение при активном участии Виктора Васнецова (1848-1926), одного из самых авторитетных русских художников рубежа ХХ веков, расписавшего все мозаики, настенные росписи и фрески в часовне.

Особый акцент на выставке сделан на направлениях русского модернизма, открывавших новые направления развития искусства. Различные архитектурные проекты, мебель, декоративное искусство, живопись и графика, принадлежащие этому движению, впервые представлены в беспрецедентном масштабе. На выставке собраны не только уникальные произведения искусства, но и манифесты крупнейших художественных обществ, студий и творческих коллективов. Исторические видеоматериалы и фотоматериалы воссоздают атмосферу России времен последних императоров на фоне политических, экономических и семейных конфликтов того периода.В результате перед посетителем открывается весьма оригинальная панорама русской культуры и искусства 1900-х годов.

Выставка включает около 300 произведений, представляющих такие виды искусства, как живопись, рисунок, архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн, сценография, фотография, а также мебель, костюмы и одежду. Большая часть работ предоставлена ​​российскими музеями, в частности, Третьяковской галереей (Москва), Государственным историческим музеем (Царицыно, Москва), Российской государственной библиотекой (Москва), Щусевским музеем архитектуры (Москва), Русским музеем. этнографии (С.-Петербург), Музея русского театра и музыки (Санкт-Петербург), Музеев Кремля (Москва), а также из Центра Жоржа Помпиду и Музея Орсе в Париже, Музея Виктории и Альберта в Лондоне и Музея D. «Искусство современности и современности Страсбурга».

Иллюстрации

Русская православная часовня Матильденхёэ, Дармштадт (фото: Ральф Бейль)

Панорама Матильденхёэ, Дармштадт (фото: Николаус Хейсс)

Виктор ВАСНЕЦОВ. Мозаика апсиды с изображением Пресвятой Богородицы на троне с младенцем Христом. 1902–03
От художников этюд Музеи Московского Кремля

Аристарх ЛЕНТУЛОВ. Собор Василия Блаженного. 1913
Холст, масло, коллаж. 170,5 х 163,5. Третьяковская галерея

Королевский балдахин. 1896
Фрагмент. Верх балдахина вдовствующей императрицы Марии Федоровны. Музеи Московского Кремля

Валентин СЕРОВ. Коронация Императора Николая II . 1896 г.
Холст, масло. 43 × 64 см. Третьяковская галерея

Одежда вестника (накидка, шапка, перчатки, браслеты). Конец XIX века
Музеи Московского Кремля

Василий КАНДИНСКИЙ. Русская сцена. г. 1903–04
Картон, темпера. 23 × 54,7. Центр Помпиду, Национальный музей современного искусства, Париж

Елена САМОКИШСУДКОВСКАЯ. Портрет императрицы Александры Федоровны. 1903
Бумага, акварель. 31 × 21 см. Фонд Гессенского дома, Замок-музей Дармштадт

Карл ФАБЕРЖЕ. 5-секционное украшение с 40 миниатюрными яйцами. Начало 20 века
Серебро, позолота, эмаль, различные полудрагоценные камни. Фонд Гессенского Дома, Кронберг в Таунусе

Михаил ВРУБЕЛЬ. Микула Сельянинович и Волга, Камин. 1898–1900
Майолика. 225 × 275 см. Третьяковская галерея

Винный сервиз. Изготовлено ювелирной артель, г. Москва. 1908–1917
Исторический музей, Москва

Интерьер русской часовни с видом на иконостас

Леонид ВЕСНИН. Вилла Н.Л. Тарасов. Москва, 1910 год
Пастель, уголь, акварель, бронза. 38,3 х 57,6. Музей архитектуры, Москва

Федор (Франц) ШЕХТЕЛ. Вилла на Дерожинской. Эскиз садовой калитки и забора, гр. 1900
Карандаш, акварель. 40.2 × 80 см. Музей архитектуры, Москва

Неизвестный артист. Плакат о военном займе
Российская государственная библиотека, Санкт-Петербург

Леон БАКСТ. Костюм нимфы из балета «Нарцисс». 1911
Бумага верже, акварель, карандаш. 67,5 х 52,6. Музей современного искусства, Страсбург

Йозеф Мария Ольбрих (1867–1908)
Фотография из архива Института Матильденхёэ, Дармштадт

Император Николай II и императрица Александра Федоровна с детьми.1913 г.
Государственный архив, Дармштадт

Царская семья с малым двором и родственники из Гессена — в центре: император Николай II, императрица Александра Федоровна и великий князь Эрнст Людвиг, замок Вольфсгартен, 1910 г.
Государственный архив, Дармштадт

Эрнст Людвиг, императрица Александра Федоровна, император Николай II, принцесса Ирина, принц Генрих фон Преуссен, великая княгиня Елизавета, великий русский князь Сергей, принцесса Виктория, князь Людвиг фон Баттенберг, 1903 год
Государственный архив, Дармштадт

Европейские знатные семьи на свадьбе Кобургов, 1894 г.
Государственный архив, Дармштадт

Русский авангард: что такое русский авангард?

Русский авангард — это термин, описывающий выдающуюся влиятельную волну современного искусства, процветавшую в России в начале 20 века.Художники совершили прорывы в живописи, скульптуре, театре, кино, фотографии, литературе, декоративном искусстве, архитектуре и книжном дизайне. В живописи нет определенного стиля, определяющего русский авангард, поскольку он включает в себя различные художественные направления, такие как кубизм , футуризм , неопримитивизм , конструктивизм и супрематизм .

Однако общая черта картин этого периода состоит в том, что художники вышли за рамки принятых норм и представлений об искусстве того времени и познакомили зрителя с новыми идеями и большим воображением, которые привели к свободе в искусстве.Ключевой особенностью движения было экспериментирование, которое следовало отверганию любой академической традиции. Культуру художников-авангардистов лучше всего описать словами Василия Кандинского: «В искусстве нет нужды, потому что искусство бесплатно» .

Влияние экспрессионизма и общественно-политические проблемы того времени в Европе и особенно в России создали эту тенденцию. Европейский импрессионизм, символизм , фовизм и кубизм ездили в Москву через выставки и русские художники, на которых европейское искусство оказывало различное влияние, например Василий Кандинский, Иван Морозов , Марк Шагал , Соня Терк , Луибова Попова и Сергея Щукина .Русский авангард достиг своего апогея в творчестве во время Октябрьской революции 1917 года, периода, который характеризовался крупными социальными переменами. Социально-политическая революция начала 20 века способствовала художественной революции, которая изменила историю искусства.

Крупнейшими художниками-авангардистами были Казимир Малевич, Эль Лисицкий , Александр Родченко, Наталья Гончарова , Михаил Ларионов , Давид Бурлюк, . Творчество этих художников включает в себя самые разные идеи и формы выражения, такие как абстрактно-экспрессионистские произведения Марка Ротко, примитивные картины Натальи Гончаровой и супрематические композиции Казимира Малевича, чей «Черный квадрат» (1915) стал символом Искусство русского авангарда.Замечание, сделанное самим художником к этой картине «Истинное движение бытия начинается с нуля, с нуля» определяет направление революции и возрождения в период русского авангарда.

Текст Феодосии Кампили

Русское искусство: история, движение и факты

Троица Андрея Рублева

Просвещение и вестернизация

Религиозное искусство доминировало в России на протяжении многих веков.Лидеры даже препятствовали производству светского искусства. Некоторые художники, такие как Симон Ушаков (1626–1686), сопротивлялись этому и создавали работы под влиянием стиля иконы, но с изображением нерелигиозных предметов. Все изменилось, когда царь Петр Великий (1672-1725) начал программу вестернизации русской культуры, чтобы сделать ее более похожей на европейскую. В то время господствовавшим в Европе стилем был неоклассицизм, поэтому многие русские произведения восемнадцатого и начала девятнадцатого веков разделяют его черты.Исторические, библейские и классические (греческие и римские) сюжеты были популярны среди художников, таких как Антон Лосенко (1737–1773). Русские художники, такие как Иван Никитин (ок. 1688-1741) и Дмитрий Левицкий (1735-1822), также создали мастерские портреты в академическом стиле, в которых подчеркивается реалистичность техники и идеализация сюжетов. Российская академия художеств, основанная в середине восемнадцатого века, помогла централизовать русское искусство и подготовить художников, умеющих создавать произведения, соответствующие ожиданиям академического и неоклассического искусства.

Девятнадцатый век и реализм

Художники могут быть мятежниками, поэтому неудивительно, что к XIX веку русским художникам наскучили строгие правила и ограниченность тематики, продиктованная академическим и неоклассическим искусством. Группа художников, известная как Странники ( Передвижники ), создавала работы, изображающие более знакомые, исконно русские сюжеты, а не имитирующие западные модели. Иван Шишкин (1832–1898) и Илья Репин (1844–1930) были двумя его наиболее значительными художниками.Картина Шишкина «Утро в сосновом лесу » (1878) демонстрирует реалистичный стиль , запечатленный этими художниками.

Утро в сосновом бору — Шишкин

Репин также изобразил сцены, связанные с русской жизнью и историей, такие как его знаменитая работа, показывающая жестокий момент, когда царь XVI века Иван Грозный убил своего сына.

Иван Грозный Репина

Модернизм

На заре двадцатого века в России произошли серьезные изменения, включая революцию 1917 года, гражданскую войну и образование Советского Союза (СССР).Русское искусство ответило на эти бурные события тем, что стало более экспериментальным и авангардным, как и другие модернистские движения по всему миру. Некоторые художники, такие как Василий Кандинский (1866-1944) и Марк Шагал (1887-1985), работали как в русских землях, так и в Европе. Шагал создавал произведения в различных средствах массовой информации, которые показывают влияние народной жизни и еврейской культуры, и использовал яркие цвета и творческий, часто похожий на сон стиль. Кандинский создал некоторые из первых значительных абстрактных и необъективных работ, освободив искусство от необходимости быть реалистичным или даже изображать узнаваемые предметы.

Движение Futurist , распространенное в таких странах, как Италия, также оказало сильное влияние на российских художников, таких как Александр Родченко (1891–1956) и Наталья Гончарова (1881–1962). Русские художники этого движения подчеркивали смелость дизайна, угловатые формы и современные темы, как это видно на знаменитых фотомонтажах Родченко или картине Гончаровой «Велосипедист » (1913).

Велосипедистка Гончаровой

Футуризм в России развился в вариант, известный как Конструктивизм , который подчеркивает живопись, скульптуру и архитектуру в России и за рубежом.Группа Suprematist создавала еще более резко абстрактные работы. Супрематизм подчеркивает основные геометрические формы и упрощенные цветовые схемы, а не изображение чего-либо узнаваемого, как вы можете видеть в метко озаглавленной «Супрематическая композиция : белое на белом » (1918 г.), автор Казимира Малевича (1878–1935).

Белое на белом Малевича

Советское и постсоветское искусство

После 1920-х годов, под строгим правлением Иосифа Сталина и других советских лидеров, русское искусство официально стало более ограниченным.Стиль Социалистический Реализм Доминировал в стиле и был гораздо более консервативным, чем авангардные работы Модерна. Ожидалось, что художники будут использовать свое мастерство для создания изображений, пропагандирующих советский коммунизм, таких как портреты Сталина и его предшественника Владимира Ленина Исааком Бродским (1883-1939).

Неофициально, однако, художника-нонконформиста художников продолжали создавать больше экспериментальных и индивидуалистических работ, несмотря на риски. Например, на знаменитой Бульдозерной выставке (1974) художники-нонконформисты устроили шоу под открытым небом, прежде чем оно было фактически уничтожено чиновниками с помощью бульдозеров и других орудий.В постсоветскую эпоху русское искусство продолжало охватывать нонконформизм и новые стили, такие как перформанс. Хорошо известным примером является арт-группа феминистского панк-рока Pussy Riot, участники которой были арестованы в 2012 году по обвинению в хулиганстве и кощунственных действиях в знак протеста против руководства России.

Краткое содержание урока

Русское искусство на протяжении веков демонстрировало большое разнообразие стилей, тем и движений. Начиная с иконы, живописи, посвященной религиозным темам, русское искусство стало более вестернизированным в восемнадцатом веке и отреагировало на европейские движения, такие как неоклассицизм.Однако в XIX веке художники выступили против этой тенденции и выпустили реалистических работ, посвященных истории и жизни России. В двадцатом веке ряд русских движений Модерн , таких как Конструктивизм и Супрематизм , внесли значительный вклад. Хотя в советский период был отмечен официальный возврат к консервативному искусству в стиле соцреализма , сильная нонконформистская тенденция развивалась и продолжается в постсоветскую эпоху.

Славянское Возрождение

	Славянское возрождение и мир Арт ( Мир искусства )
	Во второй половине XIX века русское искусство преобладают противоположные концепции национализма и интернационализма, то есть искусство, которое было исключительно русским или восходит к более ранним славянским и русские источники, и искусство, которое было связано с более крупными европейскими движениями и тенденции.
Нажмите на изображение для полного просмотра	Храм Христа Спасителя (Константин Тон, 1839-83 гг., Снесен 1931 г., на фото реконструкция 1990-х гг.) построен в память о победах России над Наполеоном в 1812-1814 годах. В то время, когда Тон спроектировал эту церковь, научный интерес к развитию древнерусского церковного зодчества находилась еще в начальной стадии.Подражая вертикальным очертаниям раннесредневековых церквей, Тон сегментировал свою церковь на заливы; купола также должны были напоминать старая церковная архитектура. Однако в результате получается странная смесь. поиска национального стиля и увлечения милитаристскими и напыщенные формы. Дизайн Тона идеально подходил для идеологической функции этой церкви: чтобы выразить концепцию официальной национальности царя Николая I. «Православие, Самодержавие, Народность.«
Нажмите на изображение для полного просмотра history_museum.jpg	При Александре II было более остро ценить древнерусское архитектура. Москва, в большей степени, чем Санкт-Петербург, пережила возрождение. допетровских архитектурных стилей 1870-х гг. Исторический Музей (1874-83; Владимир Шервуд / Shervud) отразил культурное миссия славянского возрождения, так как она свободно заимствует из 16 века конструкции.Музей должен был выражать русское историческое сознание, и его расположение на Красной площади вполне оправдывает возрождение старых формы. Под давлением, чтобы создать эмблему национальной идентичности, Шервуд включены как можно больше исторических ссылок (обратите внимание на башни построен в стиле шатрового храма, отражающего собор Василия Блаженного, который находится на противоположном конце Красной площади).
Нажмите на изображение для полного просмотра	Еще одно здание, намеренно имитирующее Санкт-Петербург.Василия так называемый Храм Спаса-на-Крови (фактическое название, Храм Воскресения Христова), спроектированный Альфредом Парландом и построенный в 1883-1907 годах. План Парланда для церкви был выбран во втором раунде проектирования. конкурс на создание храма-памятника Александру II; в заключение первого конкурса все разработки были признаны «недостаточно Русский ». В отличие от уравновешенной симметрии Исторического музея, который имеет равномерное распределение тентовых крыш кокошников, и восьмиугольных башни по обе стороны от центральной оси, творение Парланда имеет кластеры куполов вокруг центральной башни.Церковь Воскресения несовместима в рамках петербургского ансамбля, но уместно как памятник царю, терпевшему панславизм. После восшествия на престол Александра III идеологический реализм в искусстве отказался в пользу официальной. Вместо того, чтобы работать в широком На арене истории идеалисты обратились к личным мирам лирического плача. Замена широких исторических опер, таких как «Борис Годунов» Мусоргского. у нас есть «Евгений Онегин» Чайковского, в котором очень неидеологические проблемы личных отношений.Сказочная красавица балетов Чайковского «Лебединое озеро», «Щелкунчик». и «Спящая красавица» по-детски перемежались грациозными фантазия для русского народа. Подобные тенденции можно увидеть и на русском языке. картина.
Нажмите на изображение для полного просмотра	Стилизованное неорусское полотно Виктора Васнецова « Богатыри «. (1898; показано здесь), как и его « После битвы Игоря с половцами » (1880; не показано) представляет интересный контраст с историческим Картины Передвижники .В то время как они выбрали эпизоды от политических потрясений XVI-XVIII веков, такие как Иван IV с сыном; Петр и Стрельцы; или Питер и его сын Алексей Васнецов ушел так далеко в историю и легенды Киевской Руси, что на самом деле не было политического послания, которое могло бы можно почерпнуть из его картин. Они не подходят ни под жанр исторического живописи, ни батальной живописи.
Нажмите на изображение для полного просмотра	Религиозные картины Михаила Нестерова в сравнении с Ге, покажите пропасть, разделявшую реалистов 1870-х и 80-х годов. с новым поколением 90-х гг. Реалистическая эстетика выпала из одолжение, когда стало ясно, что как социальная сила он не может облегчить несправедливость и как художественная программа она даже не привела к истинным произведениям искусства.Его «Видение Варфоломею » (1889-90) включает спокойный русский пейзаж на фоне двух фигур, помещенных подряд на переднем плане.
Нажмите на изображение для полного просмотра	Михаил Врубель демонстрирует переход от мистического идеализма. религиозных картин Нестерова к оценке искусства как символа.В «Сидящий демон» (1890) Врубель выразил кризис, присутствующий во многих произведениях искусства конца XIX века. Отвращение к реализму, он пытался заменить его каким-нибудь поистине художественным символом.

Русская революция и авангардная архитектура

Жан Тернер рассматривает драматические изменения, произошедшие в архитектуре после большевистской революции, и то глубокое влияние, которое они оказали на развитие первого в мире рабочего государства.

В девятнадцатом веке, как и во всех других искусствах, русские изучали новые формы выражения в архитектуре после негативной реакции на импорт Петром Великим классической архитектуры в Россию и неприятие эпохи Просвещения Екатерины Великой. Дизайнеры вернулись к интерпретации традиционных русских форм строительства и декора.

Это произошло в пылу интеллектуальных дебатов о правильных принципах строительства. В своей книге «Русский авангард» Кэтрин Кук описывает различные центры архитектурной теории: «[…] Архитектурная школа Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге была оплотом классицизма, но у нее было два более радикальных соперника — архитектурный факультет Санкт-Петербургский строительный техникум и Королевский колледж в Москве.В 1850-х и 60-х годах учителя этих двух школ, Аполлинария Красовского в Петербурге и Михаила Быковского в Москве, заложили в России основы рационалистического взгляда на архитектуру, основанного на новых технологиях и социальных задачах ».

После убийства Александра III по воле народа (Народная воля) установился авторитарный общественный порядок. Однако новый класс промышленных и банковских династий возник из числа освобожденных крепостных с сильными националистическими и культурными предрассудками, основанными на крестьянских и торговых ценностях.Выбранная ими форма дизайна стала модерном или модерном, воплощенным в творчестве Федора Шехтеля.

Как и в других странах в то время, женщины требовали поступления в университеты для получения архитектурного образования. Поскольку все колледжи были вовлечены в радикальные волнения против царского авторитаризма, возникли опасения, что женщины, часто поддерживающие требования радикальных рабочих, могут доставить неприятности университетам.

Среди пяти женщин на Конгрессе русских архитекторов в 1911 году две — Елена Багаева и Луизи Молас — руководили собственной архитектурной школой, используя учебную программу Академии и преподавателей из инженерно-строительного колледжа.В 1902 году уроки женского строительства были открыты в Москве Иваном Фоминым, Уильямом Уолкотом и другими и проводились в офисе Шехтеля. К 1917 году женщины имели собственные политехникумы в Москве и Петербурге с полными пятилетними курсами по архитектуре, строительной инженерии, химии и электромеханике и по указу получили «право возводить здания». Однако этот указ был реализован, наряду со многими другими практическими и образовательными свободами, только после большевистской революции октября 1917 года.

Первыми двумя указами нового большевистского правительства были Указ о мире, который вывел Россию из Первой мировой войны, и Указ о земле, который национализировал всю землю и недвижимость, заложив новую уникальную основу для советской архитектуры и планирования. .

Ленин передал Анатолию Луначарскому управление Наркомпроса. Это сформировало политику общественного образования, включая плановое присвоение наследия старого мира наряду с новыми формами, возникшими в искусстве и архитектуре.Позднее эта точка зрения была оспорена в 1920 г. в «Пролеткульте» Александра Богданова, который утверждал, что сами пролетарии создадут новые формы культуры ab initio.

В ноябре 1917 года партия большевиков созвала собрание молодых прогрессивных художников, писателей и дизайнеров Петрограда в Смольном институте, чтобы обсудить их возможное сотрудничество с Советской властью. С той же скоростью новый комиссариат заручился поддержкой более авторитетных художников, таких как Борис Кустодиев, Кузьма Петров-Водкин и Александр Бенуа, поручив им сохранение произведений искусства в общественных зданиях и создание политики сохранения исторических зданий.

Иван Леонидов, модель Института Ленина, Москва, 1927

Мятежники, такие как Владимир Маяковский, Александр Родченко и Любовь Попова, изначально находившиеся на окраине респектабельного академического мира, начали преподавать в художественных школах и исследовательских учреждениях. В Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС) в Москве были созданы художественные направления рационализма и конструктивизма. Рационалисты сосредоточились на эстетической рациональности и форме; Конструктивисты о технической рациональности и науке.Супрематики Иван Леонидов и Яков Черников отдавали предпочтение индивидуальным постройкам абстрактно-геометрического качества на открытых площадках. Классицизм не был полностью отвергнут, но принял новые формы, например, в творчестве Ивана и Игоря Фоминых, а также Владимира Щуко и Владимира Гельфрейха, создавших Ленинскую библиотеку.

Большая часть их первых работ была теоретической, потому что пять лет гражданской войны и иностранной интервенции разрушили экономику. Традиционные материалы для строительной индустрии были практически недоступны.Модели предлагаемых общественных зданий и памятников, например, памятник Третьему Коммунистическому Интернационалу Владимира Татлина 1919 года, были изготовлены из доступных материалов, но без возможности строительства. По словам Джона Мильнера, Башня Татлина должна была перекрывать Неву.

Рабочий клуб Русакова, Константин Мельников, 1927-28

В период гражданской войны художники, актеры и дизайнеры могли создавать пропагандистские постановки в поддержку нового советского государства.По словам Алексея Гана, «весь город был бы сценой, а вся пролетарская масса Москвы — исполнителями». Эти изделия стали предметом революционного дизайна. В Петрограде прошел грандиозный фестиваль к первой годовщине Октябрьской революции, в котором участвовало восемьдесят пять отдельных дизайнерских проектов по всему городу, выполненных известными художниками и дизайнерами, в том числе Натаном Альтманом, украсившим Дворцовую площадь временной архитектурной скульптурой.

Никакая капитальная реконструкция не могла начаться, пока не была решена проблема быстрого производства строительных материалов.Однако эти пропагандистские проекты и модели должны были лечь в основу ныне известных авангардных зданий, построенных между 1923 и 1930-ми годами, когда советская архитектура оказала влияние на Запад, а не наоборот. Все они были спроектированы советскими архитекторами, за исключением нескольких Ле Корбюзье и Эриха Мендельсона.

Упор делался на быстрое строительство жилищно-коммунального хозяйства, рабочих клубов, дворцов культуры и универмагов. Они были предназначены для улучшения образования и условий жизни рабочего класса и освобождения женщин от домашней работы, позволяя им принимать полноценное участие в промышленном производстве.В Первом пятилетнем плане (1928–32) первоочередное внимание уделялось строительству зданий для поддержки быстрого развития электротехнической, черной металлургии и транспорта.

Нарконфин, Моисей Гинзбург и Игнатий Милинис, 1930 год

Многие из этих знаковых зданий все еще стоят, хотя некоторые из них находятся в плохом состоянии. Однако они остаются данью силе марксистско-ленинской идеологии, которая породила первое в мире рабочее и крестьянское социалистическое государство, государство, которое более семи десятилетий стало покровителем современного искусства и архитектуры.